Hace 22 años se estrenaba la película ‘Ghost in the Shell’. Debido a su estética rompedora y su reflexión sobre la naturaleza de la conciencia, no tardó en convertirse en una obra de culto. Sirviendo de inspiración a otras películas de ciencia ficción como, por ejemplo, ‘Matrix’. Ahora llega a nuestras pantallas el remake, con la difícil tarea por delante de adaptar a la acción real el espíritu de la anterior entrega.

Al igual que la original, esta versión de ‘Ghost in the Shell’ nos traslada al año 2029 para contarnos la historia de “Major”(Scarlett Johansson). Una ciborg miembro de la sección 9, que se dedica a combatir el crimen. Un mundo futurista en el que los avances tecnológicos y los implantes cibernéticos están difuminando, más que nunca, la línea que separa a las máquinas de los humanos.

A nivel superficial no hay duda de que la película cumple las expectativas. Con una lograda estética Cyberpunk que, pese a estar sobrecargada de efectos especiales, logra ser lo suficientemente realista para dejar que nos sumerjamos en la historia. Dando lugar a una ciudad que parece estar más viva que los propios protagonistas que la habitan.

Sin embargo, respecto a su contenido, se podría decir que la nueva película que nos llega sufre de la misma perdida de humanidad que experimenta “Major”‘ al transformarse en ciborg. Y es que, en su esfuerzo por adaptarse al gran público, la nueva ‘Ghost in the shell’ ha perdido todo aquello que convirtió a la original en algo tan especial. Al simplificar y reducir la complejidad de la trama, han abandonado la reflexión profunda e interesante que se hacía en ella sobre la humanidad y la autoconciencia. Y en su lugar, nos han colocado una reformulación del síndrome de Frankenstein; una criatura rebelándose contra su creador.

Quizás el listón estaba demasiado alto, al tratarse de la adaptación de una obra de culto. Tal vez, si tuviera otro nombre, no seríamos tan duros con ella. Pero cuando alguien hace un remake, debe saber que el beneficio publicitario del nombre también conlleva una cierta responsabilidad con la obra original. Y en este caso, no hay duda de que esta versión de ‘Ghost in the Shell’ no ha sabido estar a la altura de su título.

Para que haya cura, debe haber enfermedad. Y es que hoy en día la gente está llena de ambición, de deseo de poder; llegando a consumir su humanidad y convirtiéndose en enfermos de codicia. Los villanos no sólo viven en castillos, los rascacielos son el nuevo hábitat de estos desalmados. Vivimos encerrados en torres altas y oscuras, delante de ordenadores y vestidos de uniforme. Y la película tratará de plantearnos si estamos sanos o enfermos, o lo que es lo mismo, si somos libres o prisioneros del sistema.

La Cura Del Bienestar tiene escenas visualmente impresionantes. La cámara acompaña al espectador en secuencias de tensión, que se disuelven como vapor para mostrar el resultado, sin necesidad de un sobresalto o un golpe fuerte de música. Recursos admirables. Tensión adictiva que te lleva con delicadeza hacia el final de la escena. Y una música tan inquietante y misteriosa que recuerda a un canto a la desesperación y a la soledad.

Pero no todo son aciertos en la película. Los agujeros de guion de algunas partes chocan con la excesiva explicación de otras, estropeando el conjunto. A esto se le une una narración irregular y reiterativa, alargada hasta el exceso en la que el espectador y el protagonista van a destiempo. Un misterio mal plasmado, y escenas innecesarias que llevan a momentos de total desconexión.

Viendo el tráiler nos quedamos hipnotizados, pero viendo la película es difícil no decepcionarse al incumplir con las expectativas generadas. Un resultado mejorable para una buena idea alargada hasta el exceso. Pero, tanto con sus virtudes como con sus defectos, “La Cura del Bienestar” nos trae un dilema tan interesante como aplicable a nuestra propia vida. Y acabamos preguntándonos si el poder y el dinero también nos hará enfermar.

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Un hipster, una pija, un camarero, un vagabundo y una ludópata serán los protagonistas de esta amarga lucha por la supervivencia. Todos caricaturas de la sociedad española actual, donde clases sociales y culturales diferentes se encuentran atrapados en una situación extrema. “Cuando la vida está en juego, las clases sociales no importan”. La crítica a los medios de comunicación también es patente, siendo la televisión el enemigo en la sombra.

Una película estructurada y repartida en tres partes, que nos llevan a las zonas más oscuras y siniestras del propio ser humano. Y es que, ¿hasta dónde serías capaz de llegar si tu vida corriese peligro? ¿Actuaríamos como valientes o cobardes? A través de los personajes vemos el instinto de supervivencia florecer. Aquí no hay héroes ni villanos, sólo vivos o muertos.

Si bien la primera parte de ‘El Bar’ es la más original y atractiva, se disfruta de principio a fin, resultando entretenida en todo momento. Vuelve el Alex de la Iglesia más trepidante, con una comedia negra donde las situaciones ridículas e incómodas se entremezclan como marca de la casa.

En un reparto correcto y sobre todo reconocido como Mario Casas, Carmen Machi o Blanca Suárez; destaca Jaime Odoñez haciendo de Israel. El vagabundo loco y borracho es sin duda la estrella del largometraje. Con una caracterización que lo aleja por completo del actor, y una actuación tan complicada como brillante. Con la biblia por diálogos, la cordura como ilusión y un físico sorprendente, Jaime nos obsequia con los mejores momentos de la producción.

‘El Bar’ es una película de contrastes, como sus propios personajes, y un reencuentro con el mejor cine de Alex de la Iglesia. Divertida, alocada, agobiante y con un final acorde al resto de la trama que nos trae una visión pesimista de la sociedad. Una película destinada a los aficionados del director bilbaíno , y por qué no, también para los aficionados a los bares más castizos y tradicionales. Y recordad, la próxima ronda se sirve en el cine.

Si vendieran un cursillo por fascículos sobre cómo hacer una película de boxeo, el resultado sería, seguramente, algo parecido a “Redención”. La historia pasa por absolutamente todos y cada uno de los clichés del género. Ofreciendo un resultado que, pese a no ser necesariamente malo, carece por completo de alma.

Y, si la trama resulta predecible, el estilo de narración tampoco ayuda demasiado. Fuqua parece esforzarse para encontrar, en todo momento, la forma más obvia de contarnos lo que está sucediendo. Llegando a su apogeo en las escenas de combate. En las que podemos escuchar la voz del comentarista que, en lugar de comentar la pelea, nos relata los sentimientos del protagonista. Por si acaso algún espectador despistado no había entendido del todo el tremendo drama personal que estaba presenciando.

Sin embargo, si algo debemos reconocerle a la película, es que al final termina funcionando. Y por mucho que todo sea previsible, o que a veces se pase de explicativa, no podemos evitar ponernos del lado del protagonista cuando éste sube al ring.

“Redención” está lejos de ser una gran película, pero al menos es lo suficientemente buena para entretener a los fans del género. Para los demás, solo queda disfrutar de la gran interpretación de Jake Gyllenhaal, y lamentar que este buen reparto se desperdiciara en unos personajes tan planos.

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La película se sirve de su particular estilo narrativo para dar originalidad a una historia que, de otra forma, resultaría demasiado tópica y previsible. Alternando entre la vida actual de Ove, y los recuerdos de su vida. Con los que da explicación a todas las manías de este particular personaje, interpretado magníficamente por Rolf Lassgård.

A través de estos recuerdos, iremos conociendo más en profundidad a Ove. Un pasado cargado de vivencias, que nos hacen empatizar y querer a un personaje que, a primera vista, no era más que un puro cliché.

“Un hombre llamado Ove” se mueve con bastante éxito entre la comedia y el drama. Sin llegar a caer en el exceso en ninguno de los dos ámbitos. Con sus saltos entre pasado y presente, logra cambiar el tono de la cinta, y salvarla en aquellos momentos en los que el sentimentalismo parece que va a resultar exagerado.

Nos encontramos ante una historia que no sorprende, pero que ni mucho menos defrauda por ello. Pese a su previsibilidad no hay duda de que logra emocionar. Y nos hace sentir una gran simpatía por sus personajes. Planteándonos hasta qué punto, los defectos que nos hacen odiar a alguien, pueden tener su raíz en un suceso de su vida con el que podemos empatizar. Comprendiendo así que, a veces, hace falta conocer el pasado de una persona antes de poder juzgarla.

Y esto es lo que consigue “Un hombre llamado Ove”. Coger a un personaje que es un viejo odioso. Alguien al que no podríamos aguantar ni cinco minutos como vecino, y lograr que salgamos de la película sintiendo un especial cariño por él. Ese es su mayor mérito, lograr dejarnos a todos con un buen sabor de boca.

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