En el día en el que el partido demócrata americano ha conseguido colocar como candidato a la Presidencia de los Estados Unidos a una persona de raza negra, resulta muy oportuna la revisión de esta película, basada en una historia real, a la que la crítica y público americano trataron con tal desprecio, que incluso hoy en día sólo puede verse en un ripeo obtenido de uno de esos DVDs clonados, reservados a las películas prohibidas y con un horrible color NTSC desteñido. Stirling Silliphant que había ganado el Oscar dos años antes con su adaptación de In the heat of the night- más melosa y adaptada al gusto americano- se atrevió aquí con una historia mucho más real y más punzante: vano intento.

Segundo de los films que se rodaron coincidiendo con el 500 aniversario del descubriemiento de América, que reunió uno de los repartos más insensatos de la historia del cine. Marlon Brando, en el papel de Torquemada, intenta convertirse en el rey de la función en una composición que bordea el ridículo. El cartón-piedra constituye la tónica de su realización.

Perros de Paja fue y sigue siendo un filme controversial. Está dirigido por el maestro del cine violento, Sam Peckinpah, y es la punta del iceberg del subgénero llamado brutalidad en los bosques (o citadinos atemorizados, como prefiero denominar). A partir de Straw Dogs se dispararía una larga lista de filmes que abarcarían los años 70 y con el ojo puesto en la misma temática: desde el clásico Deliverance hasta La Ultima Casa a la Izquierda, Las Colinas Tienen Ojos y La Masacre de la Motosierra de Texas.

Pero si bien hoy muchos lo consideran una de las obras maestras de Peckinpah, Los Perros de Paja es una película sumamente molesta e irritante. Uno percibe al instante que los personajes no son reales ni se comportan como seres humanos, sino que son creaciones intelectuales del autor que quiere establecer dos fuerzas diametralmente opuestas y antagónicas para poder crear el supuesto clima dramático. El gran problema que tiene el guión es que los obliga a convivir durante todo el tiempo que dura la historia, lo cual normalmente sería absurdo. Cualquier individuo en la situación que viven los Sumner se habría marchado del lugar al poco tiempo; y si Amy vivió en el pueblo, su relación con los lugareños debería haber sido otra - pero aquí es una completa extranjera, tal como David que es norteamericano -; tampoco existen otros personajes en el pueblo que no sean los irritantes Hedden; y así ocurre con un montón de cosas. Ni siquiera el matrimonio de David y Amy es creíble - ella, toda una gatita sexual provocativa, mientras que él es un tipo tímido, intelectual y poco agraciado; ¿cómo estos dos terminaron juntos? -, carecen de química entre sí, y toda su relación se ve forzada. En el fondo, todos los personajes de Los Perros de Paja conforman un circo de gente detestable que viven llevándose entre sí para el demonio.
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El tema es que, para narrar una historia de opresores y rebelión (o bien, de venganza), se precisan personajes simpáticos - en el sentido de que el público pueda relacionarse e interesarse por ellos -. Los Sumner no lo son. El otro punto es la violencia gratuita; el vandalismo de los Hedden, la muerte del gato, el robo de las prendas íntimas, el acoso... no tiene sentido (e incluso esas escenas están ridículamente filmadas). Es como si David hubiera contratado a una banda de sicópatas para los trabajos de albañilería en su casa, y aún a sabiendas de su probada peligrosidad, decide mantenerlos. Aún cuando el personaje de Dustin Hoffman sea un débil de caracter - que se verá forzado a asumir su hombría durante la escalada de violencia -, hay hechos que la lógica del espectador rechaza. Esta gente no puede cometer tantas estupideces ni ser tan indefensa contra las agresiones constantes de los locales.
A pesar de todo una obra maestra.

Una de las más brillantes y polémicas películas históricas del épico Cecil B. DeMille, que ya en el cine mudo había dado muestras de su magna visión cinematográfica con títulos como Los diez mandamientos (1923) y Rey de reyes (1927). En esta ocasión, y sobre el texto de una obra de Wilson Barrett, nos cuenta la historia de cómo Nerón incendió Roma culpando de ello a los cristianos para justificar su persecución de cara al pueblo. Aunque lo más destacado de la función acabó siendo el latente erotismo mostrado por Claudette Colbert (como la malvada emperatriz Poppea), bañándose en leche de cabra ante la atenta y lasciva mirada de Nerón (un superlativo Charles Laughton).

Además, la película estaba repleta de orgías, sadismo y otras actividades sexuales, estrenándose íntegra ya que todavía no estaba instaurado el código censor. DeMille ya había dirigido una primera versión sobre el tema en 1914. Para este remake gastó 650.000 dólares, rodándola en tan solo ocho semanas. Constituyó un enorme éxito de taquilla y obtuvo una nominación al Oscar a la mejor fotografía (Karl Struss).

Tras este título, que a muchos nos trae resonancias de la edad de oro del Pop español, encontramos un filme italiano de los sesenta que adaptaba un relato corto de Robert Sheckley (afamado especialista en CF). Y lo hacía en manos de Elio Petri. Un competente cineasta transalpino, bastante especializado en filmes de temática social y también tramas policiales.

Lo cierto es que algo de eso hay aquí. Pero en realidad, lo que se nos plantea es una trama típicamente futurista, con la "caza del hombre" como deporte institucionalizado y avalado por las autoridades, sin rehuír (como toda historia de CF humanista que se precie) todo un trasfondo de crítica social al papel de los medios de comunicación y de la indiferencia ante el crimen y la violencia.

Por cierto, que el guión de la adaptación lo firma alguien tan fiable como Tonino Guerra, un auténtico peso pesado. Y, por si fuera poco, dos rostros en los papeles protagonistas tan reconocibles y carismáticos, como los de Marcello Mastroianni, Elsa Martinelli y Ursula Andress.

Con todo este buen material de partida, la cosa podía dar mucho de sí. Pero lo cierto es que, vista a día de hoy, "La décima víctima", más que un thriller ultraviolento repleto de dramatismo, casi se nos antoja como un thriller cómico "de época". Obviamente, con "de época" no me refiero al habitual significado que se le otorga al término, esto es, ambientado en siglos remotos, con todo lo que supone de vestimentas, escenarios, etc. Aquí la época son los años 60, del reciente siglo XX.


Unos años 60 que, para bien o para mal (en este caso, para muy mal) lo llenan absolutamente todo. Desde una banda sonora auténticamente desquiciante, por lo omnipresente que se halla a lo largo de toda la película (en ocasiones molestando los propios diálogos de los personajes), pasando por una narración estética y formalmente pasadísima de rosca (casi deja en pañales, en cuanto a su "estridencia", obras como "Arabesco" o "Charada", por citar otro par de filmes netamente "poppies").

Total, que lo que podía ser una obra interesante y que plantease cuestiones que, por otro lado, más tarde retomarían con suerte dispar, otros cineastas y autores (la muerte como espectáculo televisivo, la caza del hombre como deporte...) aquí Elio Petri lo convierte en una suerte de vídeoclip kitsch que ni siquiera tiene la gracia de los Bond más "yeyés".

Ya no es por el hecho de revestir la narración de un tono pseudo-cómico, que al fin y al cabo, es un punto de vista tan válido como cualquier otro. Sino, sobretodo porque a la media hora la película ya ha dejado de interesar, al desvirtuar totalmente el aspecto de fondo, para abordar cuestiones más típicas de las comedietas de enredo tan en boga por aquel entonces.