La paupérrima condición de la mujer sale muy reflejada, no ya sólo en la abnegada madre de Barea, positiva, luchadora, sino negativamente en su mujer Aurelia y su amante, María, que aparecen como dos mujeres sometidas al progresista Barea. Otra cosa será su relación de igual a igual con su última compañera, Ilsa, una liberada periodista austriaca que tradujo su obra en su exilio británico.
Barea es muy pobre desde que nace, a la vez que es un niño muy despierto y bueno en los estudios, pero no puede cumplir sus sueños de estudiar hasta el final. No sólo eso, sino que de bien joven le toca ir a la guerra de Marruecos, verdadero matadero, y todo esto le va haciendo tomar conciencia hasta convertirse en socialista y republicano. El protagonista, Antonio Valero, está muy convincente en la piel de este hombre humilde que llega a burgués acomodado sin perder nunca la conciencia de sus orígenes. Tanto el libro como la serie son un muy buen testimonio de la España de las primeras décadas del pasado siglo. Los mejores momentos de libro y serie son los dedicados a la guerra civil y creo que podemos constatar que ya no es un tema que divida al país en dos bandos enfrentados e irreconciliables. Leyendo este libro y viendo esta serie podemos constatar lo jodida que fue la vida de nuestros abuelos y bisabuelos y lo malos compañeros que son el atraso y las ideologías maximalistas.

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Viendo este documental sobre el gurú de la extrema derecha no hago sino reafirmarme en lo dicho, pues Bannon se deja, diría que torpemente, retratar como un cutre manipulador sin oficio ni beneficio, al pairo de todos los pobre diablos extremistas fanatizados que pretenden acabar con el modo de vida que nos hemos dado en Occidente tras derrotar a la pesadilla nazi. Hay o ha habido, y temo que va para largo, gobiernos populistas de extrema derecha en el mismísimo corazón de ese Occidente rico y aburrido (probablemente una de las causas de estos movimientos sea el aburrimiento que a mucha gente produce vivir en democracia, sin más sobresaltos que los económicos o de salud, o familiares) y el pobre diablo que sale en este documental desayunando huevos con bacon o calzándose unas cutres zapatillas deportivas consigue reunir a muchos de estos populistas vacuos a su alrededor en un intento de apoderarse del mundo civilizado. Creo o quiero creer que están lejanos los tiempos en los que un antiguo cabo austriaco iba por Alemania soltando soflamas estúpidas, parecidas a las que lanzan de nuevos estos pobres personajes. Ojalá no llegue la sangre al río.


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Precisamente hace unas semanas que leo la magna biografía que sobre Van Gogh han escrito Naifeh y White Smith. El director de esta cinta, el pintor Julian Schnabel, opta por la versión que dan estos autores sobre el fin del gran pintor, o sea, que unos chicos puede que le disparasen.
Schnabel, lejos de optar por el trazo grueso o lo comercial, intenta adentrarnos en los tormentos del genial Vicent y su difícil adaptación a una vida más o menos reglada, pero está muy lejos de los resultados de Pialat, para mi gusto quien mejor ha sabido filmar sobre la vida de Van Gogh. Por cierto, espero que le llegue al pobre Pialat algún día el reconocimiento que no tuvo en vida y sigue sin tener.
Yendo ya a la cinta, está rodada con buena mano y tiene una espléndida fotografía, la interpretación de Dafoe, como es regla en él, es sublime, y el director arriesga y consigue transmitirnos el dolor de Vincent y bastante fidelidad a la época y sus circunstancias, pero estoy de acuerdo con lo que señalan por aquí, la película no aporta gran cosa, pese a ser meritoria.

En la puritana Nueva Zelanda de principios de los años cincuenta del pasado siglo, dos adolescentes, pertenecientes a mundos muy diferentes, coinciden en su pasión por la escritura, la ópera, la naturaleza. Juliette y Paul, exultantemente encarnadas por dos jovencísimas Kate Winslet y Melanie Lynskey, entablan una entrañable relación de intereses comunes en su particular mundo de fantasías, ajeno a un entorno que no las entiende.
Ambas adoran a Mario Lanza y hacen figuritas de plastilina que se transforman en el curso de la cinta en criaturas con vida propia en un exceso del guión.
Los padres no van a tardar mucho en oponerse a su relación, demasiado bonita para ser aceptada en ese mundo de la Coomonwealth. El caso es real, se basa en buena parte en los diarios de Paul. Nada malo vemos hoy, al menos las personas decentes, en que dos mujeres o dos hombres quieran llevar su amistad hasta los límites del amor. No quieren que nada las separe. Pero Juliette recae en su tuberculosis y sus padres deciden enviarla a Sudáfrica. Es entonces cuando la historia da un vuelco y de la magia pasamos al crimen, el sangriento asesinato de la madre de Paul.
Se rompe todo, adiós al sueño. Sabemos al final que fueron a prisión y las dejaron salir al cabo de un tiempo con la condición de que no se volvieran a ver. No estamos ante una cinta propiamente queer, aunque su estética nos recuerde un poco al new british free cinema, sobre todo a las obras combativas del primer Stephen Frears.
Una historia muy bella, rodada con buen pulso, en exteriores, bien fotografiada, nos deja, pese a su abrupto final, un muy buen sabor de boca. A destacar la imagen de la foto de Orson Welles en el río, o las imágenes de las dos comiendo palomitas viendo “El tercer hombre”.


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Estamos en el siglo XIX, en un pequeño pueblo. El doctor Yasamoto (Yuzo Kayama), no consigue su deseo de ser médico del Shogun. Es destinado a un hospital para pobres, donde el doctor Niide (la última colaboración entre Toshiro Mifune y Kurosawa), defiende ideales humanistas y avanzados en la práctica de la medicina. Para Barbarroja, la enfermedad va muy ligada a la pobreza y las injusticias, y aquí el autor hace una crítica al poder, a los políticos, que según dice Barbarroja, “no se han ocupado nunca de los pobres”.
El hospital es todo un microcosmos (es posible que Kurosawa leyera la gran novela sobre la enfermedad y la muerte, “La Montaña Mágica”, de Thomas Mann), donde languidecen y mueren los pacientes. Algunos de éstos van contando su vida en unos flash-backs difíciles de seguir. Estamos todos sujetos a la tiranía de los médicos, pero el maestro nipón nos presenta una medicina que además de intentar curar está muy enraizada en la comprensión, la bondad. En este hospital los pacientes, médicos y enfermeras conviven en paz y armonía, y se desarrolla un enorme espíritu de camaradería, la que sabe imprimir el doctor Niide..
Rodada en un glorioso blanco y negro, como Rashomon, Trono de sangre o Los siete samuráis, hay unos magistrales emplazamientos de cámara en cada plano, la cámara se mueve con agilidad, los actores están todos magistrales y se van sucediendo la estaciones, el paso del tiempo, los pacientes van muriendo o salvándose, como ese niño-ladrón envenenado, todo un logro. Japón nos ha dado algunos de los grandes cineastas de la historia, aparte del monstruo que nos ocupa, como Mizoguchi u Ozu.
Fábula moral sobre lo mejor del ser humano (Yasumoto le dice a esa prostituta con la que entabla una amistad muy hermosa, que el doctor Niide es un buen hombre), obra maestra que quizá haya influido sobre la reciente y magnífica “Un asunto real”.


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