Walter Neff se confiesa en el dictáfono, confesión dirigida a su compañero de trabajo, dando el puntapié a la historia. En esa confesión hay una contradicción: por una parte, queda claro que el plan de Neff no salió como esperaba, pero por otra parte, hay algo de orgullo en su tono de voz, es él mismo quién se está incriminando, ya que su complicidad con la trama que se narra en la película, nunca fue descubierta por su compañero. Es él entonces quién decide terminar la historia.

Hay una femme fatale que en un comienzo parece ser la salvación para Neff, aunque luego se convierte en su principal enemiga. En el mundo del film noir, que Double Indemnity recrea a la perfección, no existe el blanco y negro, sino los grises. No hay persona en quien confiar, todo está colmado de sospecha. El espectador, el espía, el cómplice, asiste a un espectáculo macabro, incapaz de ejercer cuestionamientos morales. Para los protagonistas, casi no hay tiempo para disfrutar del amor. Cuando el asesinato se lleva a cabo y tienen que huir de la escena del crímen, el auto no arranca, se toma su tiempo. Preludio de lo que será lo que veremos a continuación, la segunda parte de la película nos muestra a Neff y la femme fatale hundidos cada vez más en la incertidumbre y la desesperación, es sólo cuestión de tiempo para que los descubran. El logro de la película es doble, el guión es perfecto porque nos pone en la piel de Neff (sabemos que cometió un error pero no queremos que sufra las consecuencias), mientras que la puesta en escena es, desde el primer fotograma, una representación visual de las contradicciones morales de la sociedad en general. Una película que mantiene su frescura y originalidad sesenta años después de su estreno.

Eso es justamente lo que le ocurre al protagonista de Winter Light, Tomas, un pastor que atraviesa una crisis existencial, incapaz de ayudar a los demás ni a sí mismo. A lo largo de la película, Tomas no puede ni sabe cómo consolar a sus fieles. Cuando Jonas, un pescador del pueblo, lo visita deprimido luego de la misa, Tomas no sabe qué decirle. Jonas se suicida y Tomas es quien luego ayuda a la policía a trasladar su cuerpo sin vida. Luego visita a la esposa para ofrecerle sus condolencias, pero se mantiene entre ellos una distancia evidente: si bien el suicidio de Jonas no es causa directa de las palabras de Tomas, en su interior, él sabe que podría haber hecho algo para ayudarlo. Finalmente, Tomas desquita su frustración con su pareja. Pero también está claro que lo que ha fallado es haber pensado que la solución venía por el lado de la religión. El pueblo en el cual transcurre la película está atravesado por el mundo medieval y por el mundo moderno, conviviendo en disonancia. Las ideas de salvación y redención de la Biblia están más cerca de la fantasía que de la realidad concreta. Por eso al final, nadie asiste a la misa.

Lo que resalta en la película son los papeles secundarios, representados por los diferentes testigos que Johnny va conociendo, cada uno con un problema psiquiatrico distinto. Es muy interesante el concepto que sobrevuela la trama, y que tiene que ver con la imposibilidad de generalización de los trastornos mentales. Todos los pacientes conviven en un mismo lugar, rotulados bajo la etiqueta de “enfermos mentales”, pero manifestando diferentes tipos de patologías.

Al igual que en One Flew Over the Cuckoo´s Nest, el protagonista de Shock Corridor (Johnny Barrett), es un enfermo mental en apariencia. Su plan consiste en ingresar al establecimiento de salud mental para resolver un misterioso crimen. Su afán de periodista lo lleva al interior del neuropsiquiatrico para entablar diálogo con los testigos del hecho. Su idea es luego escribir un libro y ganar el Pulitzer. En el camino, se ve envuelto en una serie de episodios que llaman la atención de los enfermeros, por lo que la situación de Johnny se va complicando a medida que la película avanza. Además de esto, dialogar con los enfermos mentales es una tarea casi imposible. Lentamente, Johnny va perdiendo el eje de su investigación, al punto de perder noción de sí mismo. Cuando finalmente logra averiguar el nombre del victimario, su personalidad comienza a disociarse y es tratado con electroshocks. Su esposa intenta sacarlo pero ya es muy tarde.

Thriller naturalista que se enfoca en las tensiones sexuales de los protagonistas. Cuanto más intimo se vuelve el contacto entre Popaul (Jean Yanne, un carnicero con un pasado traumático debido a la guerra) y Hélène (Stéphane Audran, una maestra que intenta rearmar su vida, lejos de la ciudad) más siniestra es la trama.

Le Boucher es una película que se sirve de elementos discontinuos (un encendedor, una frase, una mirada) para recrear toda una psicología de sus personajes, en particular del carnicero. No es necesario generar intriga a través del misterio de los asesinatos, más bien lo interesante es la manera en la cual los personajes reaccionan frente a estas situaciones. La estética de la imagen y del sonido es cruda y directa, como si el director estuviera intentando mostrar “las cosas tal cual son”, sin agregados decorativos que podrían desviar la atención del espectador.

Esta película es clave en la obra de Chabrol por como encuentra elementos típicos del cine de suspenso en situaciones cotidianas, y por su profundidad psicológica en relación al estudio de las relaciones amorosas. Por otra parte, si bien la carrera de Chabrol se enmarca en la denominada Nueva Ola Francesa, ya desde el comienzo de esta película y de muchas de este director, podemos ver las diferencias con otros directores de este movimiento, como Truffaut y Godard.