Park Chan-wook es un esteta. Eso nadie lo puede negar. Es un director que se preocupa por lo formal como ningún otro en la actualidad. Busca que su puesta en escena llene de belleza las pantallas donde sus personajes interactúan. Cada plano, movimiento de cámara, zoom, tratamiento de color, transición entre escenas está milimetrado para conseguir un resultado sumamente atractivo para la vista. Y eso lo hace de manera continuada durante las 2 horas y 20 minutos de película. Pero Decision to leave no es meramente una película "bonita".

El último largometraje del surcoreano presentado en el Festival de cine de Cannes es una de las grandes obras maestras de este año. La película la coguioniza junto a la ya habitual Jeong Seo-kyeong. Y la historia que ambos traman entremezcla rasgos del thriller con elementos del cine romántico. Hae-Joon (Park Hae-il), detective perfeccionista y dedicado a su trabajo, investiga la muerte de un senderista que ha sido encontrado en la base de una montaña tras caerse de la cima. Las pistas de esta muerte acercan al detective a Seo-rae (Tang Wei), la mujer del senderista. Entre ambos se formará un vínculo ya irrompible para la duración restante del film.

Decision to leave no son solo los planos perfectamente compuestos o la dirección cuidada e inteligente del director, también es un periplo a través de la relación entre ambos personajes, reales y profundos, que se sentirán atraídos el uno por el otro de manera prácticamente divina, aunque totalmente coherente. No hay deux ex machina por ningún lado puesto que el guion está escrito con atención, fijándose en los pequeños detalles y cuidando la trama para darle coherencia a esta historia de amor rodeada, desde el primer momento, de muerte. Es un milagro cinematográfico porque la hazaña de Park Chan-wook, una colectiva por rodearse de profesionales impresionantes, es haber construido una película impecable tanto a nivel de thriller como a nivel romántico, con uno de los finales más tensos del cine surcoreano desde Crónica de un asesino en serie (2003) de Bong Joon-ho.

"El sabio admira el agua y el benevolente las montañas. Yo no soy benevolente", le cuenta Seo-rae al detective, citando al filósofo chino Confucio.

Apreciad los pequeños detalles y el visionado de la película será más que satisfactorio.

The Killing of Kenneth Chamberlain es un relato durísimo y cruel, narrado de manera directa con cámara al hombro, de un caso muy único de brutalidad policial norteamericana. Una historia real, documentada hasta la saciedad, que denuncia la impunidad de la policía y la vulnerabilidad de los ciudadanos-¡incluso en sus propios hogares!-.

Kenny Chamberlain era un anciano con trastorno de bipolaridad y problemas cardíacos, que un día, en medio de la noche, alertó por error a su compañía médica. Ésta, al no recibir ningún otro aviso o respuesta de Kenny, llamó a la policía para que fuera a revisar la vivienda del anciano negro. La llegada de la policía supuso una vorágine de sinsentidos, gritos en la madrugada, insultos y amenazas hacia la figura de Kenneth Chamberlain.

David Midell, director de la cinta, decide que una situación tan única y peligrosa como el asesinato de Kenneth Chamberlain debe ser contado con una cámara al hombro. Y es una decisión que cambia por completo la experiencia del espectador. Frankie Faison está de Óscar, aunque no vaya a llegar ni a la preselección por el injusto carácter indie de la cinta. Y la documentación detrás de la peli convierte a esta joya de cine social en un relato único, necesario y crítico con la brutalidad policial.

Entiendo que esta película sea muy indie y de difícil acceso, pero...bueno, vale, entiendo que se haya perdido un poco en el mundo de lo indie. ¡Pero vale la pena! Lo prometo.

Una película chulísima que habla de conceptos tan actuales y necesarios como la inteligencia emocional y los cuidados en el ámbito de la pareja. Las deficiencias y consecuencias de un sistema sanitario en la era neoliberal, cuyos profesionales no están dotados de perspectiva de género. O el peligro de vivir en Estados tan peligrosos como Texas. Todo impregnado por una puesta en escena preciosista y muy cuidada. Shatara Michelle Ford, la directora de esta pequeña joya, dará mucho que hablar en los próximos años.

Test Pattern es un relato de supervivencia de una pareja. La chica es violada durante una fiesta y el chico la acompaña al hospital para que los profesionales la atiendan tras el ataque.

Recomiendo buscarla y disfrutarla: da que pensar, es una película necesaria y es una de las pequeñas grandes joyas del panorama indie del 2021.

Lauren Hadaway comienza su carrera detrás de las cámaras con The Novice, película que apunta a ser uno de los grandes éxitos indies de la temporada. Hadaway tiene un estilo ya marcado con algunas secuencias increíbles y una capacidad ya profesional de manejar el ritmo, adecuándose a la naturaleza de la película. Justamente es eso, la compenetración idónea entre la esencia del film y la puesta en escena, lo que hace impresionante la película.

The Novice, con una actuación casi de Óscar de Isabelle Fuhrman (La Huérfana (2009) trata de Alex Dall, una estudiante universitaria que ansía, de manera enfermiza, ser la mejor en el deporte, área o campo que se proponga. Esa es la premisa y alrededor de eso se mueve toda la película.

Un filme indie que habla sobre la competitividad y la cultura individualista en un sistema dañino. Una forma de ver y entender las cosas a través del prisma de la competición. Una película profundamente oscura, crítica, pero inevitablemente real y humana.

Maggie Gylenhaal debuta con The Lost Daughter por todo lo alto. Su protagonista es una de las actrices más talentosas de los últimos tiempos y su dirección y adaptación de la novela La hija oscura de Elena Ferrante es envidiable para una primeriza en estos campos.

La película narra las vacaciones de una mujer, interpretada por Olivia Colman, en unas islas ficticias de Grecia. Esta mujer comienza su estancia en este pequeño paraíso de manera relajada hasta la llegada alborotadora de otra familia. Numerosa, maleducada y demasiado sociable, esta familia trae recuerdos oscuros a la mente de la protagonista de nuestro film. Esos recuerdos actuarán en el presente y harán que la vivencia, en principio relajada y de desconexión del mundo real de la protagonista, se perturbe hasta límites insospechados.

La línea creativa de Gyllenhaal sigue una estela feminista de entender el arte. La vimos últimamente en The Deuce, defendiendo un feminismo prosex que ansiaba una despenalización del trabajo sexual, o en Hysteria, siendo una sufragista intentando desmentir mitos patriarcales. La actriz, y en esta ocasión directora, elige la novela de Elena Ferrante porque le da la oportunidad para hablar de un tema sumamente interesante: las mujeres que son malas madres. La maternidad es un tema esencial en esta película, muy en la línea de Próxima (2019).

"Las mujeres no somos ni malévolas, ni malignas, no engendramos el demonio y tampoco somos santas porque nos santificamos cuando llegamos a ser madres. Las mujeres somos mujeres.” (Rosana Alvarado en Lisístrata – Gata Cattana)