Parece que para este encargo del gobierno soviético a Akira Kurosawa no se escatimaron los medios. Rodada en exteriores en un impresionante formato panorámico, la historia del cazador siberiano se despliega imponente ante nuestros ojos. Y eso que Kurosawa rebaja la épica aquí para centrarse en un intimismo que es lo que nos acaba conquistando en medio de tanto paisaje inabarcable.

El cazador debe mucho a esa "Nanuk, el esquimal" (Robert J. Flaherty, 1922) que estrenara la viabilidad del género documental. Más que todo por el personaje de Dersu, auténtico protagonista de la historia. Un personaje tan lleno de humanidad, tan despojado de la contaminación de la sociedad, que se nos presenta puro y brillante en medio de la tormenta. Como Nanuk parece estar por encima de nuestras necesidades y miedos. Un alma pura que no tiene cabida en una sociedad tan avanzada como corrompida.

La película se basa en la novela de Vladimir Arsenev, del cual ya había una versión cinematográfica de 1961 obra de Agasi Babayan. Se puede considerar, por tanto, un remake, aunque parece que cuenta con la suficiente personalidad para ser vista como una obra totalmente diferente. No podía ser de otra forma con el realizador japonés, objeto de deseo para los deseos del Kremlin de abrirse al mundo para ofrecer su mejor cara.

Con todos estos condicionantes la cinta acaba imponiendo su tono otoñal, sus colores vivos y una filosofía que te conquista por acumulación. Una sorpresa mayúscula después del intento de suicidio del cineasta en el 71. Un bálsamo también en forma de premios y reconocimientos en una década difícil para él.

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Incluso hoy día, un siglo después, podemos entender e incluso sentir el profundo impacto que esta película produjo en el público. Nunca antes se había rodado un documental así. Las salas de cine se llenaron hasta los topes. Todo el mundo quería entrar en el mundo secreto, casi extraterrestre, de Nanuk.

A pesar de toda la polémica que rodeó a la cinta, su poder visual, su capacidad para transportarnos hacia lo remoto, lo desconocido y lo infinito la hacen un clásico imprescindible. Hay que pasar por alto ciertas cosas. Que el director compare a los esquimales con los animales, que su concepto de antirracismo sea una condescendencia que no deja de ser xenófoba, que las escenas fueran planificadas cuando se nos estaban colando como realidad pura y dura... Da igual, la potencia poética, misteriosa y casi diría que fantasmagórica de la cinta es lo suficientemente rotunda como para que haga que merezca la pena.

Nanuk, Allakariallak en realidad, es uno de los primeros personajes con marchamo de eternidad de la historia del cine. Un nombre propio en el que se centran unas aventuras que no son tales. Despojadas de (casi) toda épica, las vivencias de su familia son simplemente el día a día que tienen que enfrentar en uno de los territorios más hostiles del planeta. Un lugar que para los espectadores de la época debía asemejarse a lo que para nosotros es Marte. Aunque bien pensado tampoco hace falta establecer tal paralelismo. Tampoco conocemos tan bien la cultura esquimal en nuestros días. Tampoco la tenemos tan integrada dentro de nuestro canon. En realidad, Nanuk, el esquimal debería seguir siendo un visionado obligado. Para recordarnos que, tanto tiempo después, nos quedan muchas cosas por saber.

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Con Griffith es imposible no rendirse a su maestría. A pesar de su engolamiento y su melodramatismo empalagosos. Al fin y al cabo acaban rezumando una humanidad que no deja de noquearte a pesar de venir mezclada con un conservadurismo galopante y una visión del ser humano que hace algo más que rozar el racismo. Todo esto quedó muy claro en su magistral y discutida "El nacimiento de una nación" (1915).

Esta es su respuesta a esas críticas. Una respuesta en la que nos gustaría ver algo de arrepentimiento por su parte, pero no, nada de eso hay aquí. En sus planos magistrales, en su opulencia visual, en la libertad que da el tener un presupuesto casi infinito (estamos ante una de las películas más caras de la historia), la intolerancia se va desbordando conforme la cinta avanza. Hasta el punto de que anega la pantalla desde muchos flancos diferentes, dejando bien claro que dicho pecado no es nada nuevo, sino que está en nuestra naturaleza desde que el hombre es hombre. Con esto se descarga de culpa totalmente. Ya lo había dicho en multitud de entrevistas: "no tengo nada de lo que disculparme". Por eso no hay que ser muy avispado para ver que lo que Griffith dice con esta película es que él ha sido la víctima de la intolerancia.

Podría haber hecho una crónica de este defecto humano a partir de, qué sé yo, ¿las plantaciones de algodón del sur de su país en las que hasta hacía bien poco, y de manera encubierta todavía entonces, se usaban esclavos traídos de África? No, el derecho a la tolerancia para Griffith parece reservado a la gente de bien, esto es blanca, o para los que vivieron en tiempos antiguos y de alguna forma contribuyeron a la civilización tal y como la conocía y la entendía él.

La película consiste en cuatro historias separadas en diferentes momentos de la historia. Una contemporánea con revueltas sociales y el mundo del crimen de por medio, otra ambientada en los últimos días de Jesucristo en Israel, una tercera que narra la matanza de S. Bartolomé en Francia en 1572, y por último nos lleva a Babilonia en los tiempos de su conquista por parte de Ciro II de Persia.

Las transiciones entre una y otra historia se dividen con la actriz Lilian Gish meciendo una cuna en el papel de Madre Eterna y guardiana del tiempo. Un ejemplo más de lo pomposo que siempre fue el realizador norteamericano. Una pompa que revienta para bien en la parte de Babilonia, para la cual no escatimó en nada. Elefantes, grúas gigantescas y escenarios de una inmensidad y una riqueza nunca vista hasta entonces sellan algunos de los planos más icónicos e impresionantes de la historia del cine. Una virtud que contrasta con un final que no por espectacular deja de ser menos empalagoso. En esos dos extremos está la grandeza y la miseria de uno de los directores más admirados y discutidos de todos los tiempos. Definitivamente un genio, no tengan la menor duda, en su obra más grandiosa y espectacular.

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Lemmy retratado con gloria por parte de Wes Orshoski y Greg Olliver. Como su vida y su música, película sin artificios ni coartada sesuda alguna. Un retrato fiel, digno y sin adornos de una figura mítica en esto del rock. El documental deja bien claro la adoración que las figuras del gremio sienten por este hombre, así como sus méritos y miserias. Me gusta que toquen todos los momentos importantes de su carrera aunque se echa en falta profundizar algo más en la música de sus diferentes proyectos, Motörhead principalmente. Entiendo que tampoco se trataba de eso, y aún así la película peca de ser demasiado arquetípica. Las consabidas "talking heads" alabando al monstruo y unos cuantos fans desgañitándose para demostrar que darían su vida por él. No es el último grito ni ha roto moldes pero es efectiva 100%. Por momentos incluso puede tocarte la vena sensible. Son esos momentos más privados de Lemmy en los que se desmarca con alguna de sus declaraciones marca de la casa. Momentos en los que el ídolo baja a la tierra y nos recuerda lo frágil que puede ser cualquier ser humano. Bueno, Lemmy no, Lemmy es indestructible.

La que puede ser obra cumbre de Wim Wenders no es un producto de digestión fácil. Precisamente por eso se puede paladear con regodeo y satisfacción prolongada. No es película para gente con prisas. Sus planos, su luz imperial, sus colores y su música necesitan tiempo para exhibirse e impactar. "París, Texas" es un regalo para los sentidos. Es un deleite esa luz cegadora en las inmensidades de los campos abiertos de Norteamérica. Como también lo es en los espacios cerrados donde la oscuridad se baña en verdes y rojos de neón. La música de Ry Cooder es un clásico de guitarras que aúllan su soledad. Todo dedicado al subrayado de esa distancia insalvable que proyecta la película en cada plano desértico, en cada mirada y en cada silencio. Distancias físicas y mentales, producto de eso tan difícil como cotidiano que se llama relacionarse.

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