Holly es la protagonista de esta historia. Un nombre cuya elección ya parece detonar cierto simbolismo, pues se asemeja al término inglés holy, que significa sagrado. En efecto, hay algo de esto en esa atmósfera entre lo religioso, lo espiritual y lo fantasioso que sobrevuela a "La chica que sanaba". Así pues, a la joven se le atribuye una genuina bondad, una dimensión casi angelical, que permite ayudar a aquellos quienes la rodean y aliviar su dolor. Aunque estos atributos también son los que, sin mostrar más capas, hacen caer al personaje en una actitud pasiva. Cada vez hay mayor presión sobre Holly y su ayuda se convierte casi en obligación, pero más allá de crear un conflicto claro, parece llevarla a seguir actuando por inercia.

Fien Troch consigue tantear varios temas como el acoso escolar, el dolor y el duelo colectivo, la corrupción del dinero, etc. Si bien quizás es el aprovechamiento del prójimo para la satisfacción personal lo que destaca; ese uso manipulador de las personas y su posterior abandono. Esa es una de las cosas que más patentes quedan en un film que, por otro lado, es bastante difuso.

En estas cuestiones relacionales, la directora belga aboga por una exaltación del tacto como punto de conexión entre personas. Así pues, tanto lo sonoro como lo visual (acompañándose a veces de zooms in) se conjuga para exaltar esos planos y encuadres que contemplan los gestos interpersonales: manos que se consuelan y se entrelazan para mostrar afecto o abrazos que sanan. Se transmite así un bonito mensaje sobre la necesidad humana de cultivar relaciones que nos acompañen y nos permitan afrontar los baches en el camino de la vida.

Es una lástima, sin embargo, que todos estos elementos no trascienden a causa de una falta de profundización de los temas y las relaciones entre personajes, así como un metraje que se siente excesivo. "La chica que sanaba" parece estancarse en lagunas superficiales que le hacen perder consistencia y la esencia del mensaje. Así pues, hay cosas como la relación entre profesora y protagonista que no se entienden, y otros vínculos como la amistad entre Bart y Holly que, aunque preciosa, no se llega a explorar y queda inánime.

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En el año 2020, la prestigiosa editora Vanessa Springora publicó un libro titulado "El consentimiento". En él narraba cómo a la edad de 14 años, el consagrado novelista de 49 años Gabriel Matzneff había comenzado una relación sexual con ella que duró varios años y tuvo unas consecuencias devastadoras para ella, tanto en lo físico como en lo psicológico. Para darle una mayor proyección a su denuncia, su homónima Vanessa Filho escribe y dirige su adaptación al cine. Flaco servicio, desconociendo el libro, "El consentimiento" fílmico es, además de muy aburrido y totalmente carente de ritmo, un documento tan decepcionante como indignante.

La película se recrea en el cortejo, la seducción y los encuentros sexuales de un modo explícito, como si el público adulto no supiese leer entre líneas, y en absoluto analítico. Se desprecian las posibles causas del acoso (y del consentimiento de la menor) como podrían ser la ausencia de la figura paterna, las adicciones de la madre y la fascinación snob por lo culturalmente provocativo (aunque sea algo tan repugnante como la pedofilia). De ese modo, más que una denuncia, este proyecto parece una complaciente descripción equidistante de esta abusiva relación.

En un momento del film, Matzneff, con un cinismo enervante, afirma una gran verdad: “la cultura sin conciencia acaba arruinando el alma”. Lástima que la cruel hipocresía del escritor la hayan asumido también los realizadores de este relato.

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Stéphanie Di Giusto presenta su segundo largometraje: una obra desigual y desabrida. "Rosalie" destaca por su buena ambientación, construida desde la escenografía rural hasta la fotografía apagada. Eso facilita al espectador entrar en el universo de la protagonista y de ese matrimonio concertado que, poco a poco, se va aceptando y encontrando un amor sincero. Sin embargo, el guion cae en lugares comunes y la realización sucumbe a subrayados evidentes. Eso le hace perder brillo al conjunto.

La película ahonda en la importancia de relaciones sanas como forma de sobreponerse a la soledad e, incluso, sugiere reflexiones en torno a los ideales de una figura materna. No obstante, la condición barbuda de la protagonista hace que "Rosalie" sea sobre todo una historia que reflexiona sobre los prejuicios hacia otros y lo dañinos que pueden llegar a ser. Asimismo, se plantea un escenario para detenernos a pensar en ese morbo social que hace de cualquier desgracia o cualquier diferencia, un espectáculo pasajero. Todo ello es, quizás, lo más valioso que queda del film.

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Alice Rohrwacher vuelve con una obra que encandila. Ambientada en los ochenta, la directora parte de su interés por los tombaroli –saqueadores de tumbas que estuvieron muy activos en Italia durante esa época– para presentar "La quimera".

Sus personajes están llenos de esos sueños que proyectan como posibles y desean verlos cumplidos. El protagonista de esta historia, Arthur –interpretado por un minucioso Josh O’Connor, lleno de matices–, no es una excepción a esas quimeras. Aquella que no abandona su mente es la de encontrar a su amada Beniamina a quien perdió unos años atrás y con la que está conectado a través de un simbólico hilo rojo que ni la muerte puede cortar.

La realizadora italiana deslumbra con la poética de sus imágenes, los juegos de cámaras con los que se divierte junto a sus personajes y unos encuadres que afirman esa alternancia entre la narración y el sueño. El lirismo de Alice Rohrwacher ofrece una cálida mirada que va en sintonía con el grupo de soñadores desafortunados. Estos forman parte de este retrato social, no exento de crítica, que como en anteriores ocasiones acaricia la magia de la fábula.

En "La quimera" se presenta una historia llena de vida que apela a nuestras propias fantasías y a los deseos que nos hacen seguir vivos. Llena de simbolismos y pequeños detalles que añaden varias capas a la película, su discurso social (la corrupción, la ceguera causada por el dinero, los límites de lo correcto, etc.) envuelve lo que en esencia es un bellísimo cuento de amores eternos.

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Takashi Katagiri presenta "Spy X family código: blanco" , el primer largometraje del manga creado por Tatsuya Endo y su posterior adaptación animada: "Spy X family". Esta entrega es una propuesta óptima para los seguidores de este universo y sus personajes tanto en papel como en la pequeña pantalla.

El film tiene toques de humor, a veces un poco absurdos, que en ocasiones despiertan alguna carcajada en el público. A pesar de ello, la acción es trepidante y exige al espectador un especial nivel de atención. En ocasiones suceden tantas cosas a la vez que puede llegar a ser algo confuso.

"Spy X family código: blanco" tiene un target muy específico y eso puede ocasionar cierto desconcierto en aquellos que se sumerjan por primera vez en el universo de Tatsuya Endo. Además, es una película divertida y seguramente ilusionante, sobre todo para los seguirodres, pero duración puede acabar percibiéndose como un tanto extensa.

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