Halloween está a la vuelta de la esquina y Netflix no va a dejar pasar esta oportunidad (y The Rubiew, tampoco). A pesar de que “Stranger Things” supone la mejor carta a jugar de la temporada para el servicio streaming, también tiene cabida “The Babysitter“, una película que parodia todas las cintas de terror (o slasher) pero que, desgraciadamente, acaba resultando una buena idea pero mal llevada a cabo. ¿Cuáles son los aciertos y fallos de “The Babysitter”?


“The Babysitter” narra la vida de Cole, un niño algo nerd de 12 años sobreprotegido por sus padres y que, a pesar de su edad, sigue necesitando una niñera para cuando se queda solo en casa. Bee, una chica rubia de pelo ondulado, camiseta que deja su ombligo al aire, pantalones campana y botas de tacón (puro estereotipo de “girl next door” muy Britney a principio de los 00s) será la encargada de cuidar todas las noches de Cole pero, cuando todo parece ir sobre ruedas, nada es lo que parece ser. Rituales satánicos, asesinatos y besos lésbicos cargados de parodia que despertarán más de una carcajada en el espectador.

Coge cualquier slasher y extrae todas las personalidades posibles. En “The Babysitter” encontrarás a una animadora superficial, un chico que nunca lleva camiseta, un freak que nunca ha sido besado, un negro gracioso y una chica de apariencia asiática. En la nueva producción de Netflix, estos personajes son llevados al extremo, resultando su mejor acierto. La animadora, a la cual da vida Bella Thorne (“The DUFF”, “Scream”), es una chica frívola y superficial que verá cómo su vida queda destrozada tras recibir un tiro en uno de sus pechos, llegando a pedir un tampón para parar la hemorragia (¿?). Robbie Amell (“The DUFF”) encarnará al quarterback sin camiseta, llegando a ser cuestionado incluso en la propia película. ¿La razón? Pues, tal y como afirma el personaje de Thorne, sería casi un pecado que no él mostrase sus músculos.

Sin embargo, la idea parece quedar estancada cuando llegamos al ecuador de la cinta. Una vez entendemos las intenciones de “The Babysitter” y aceptamos su propuesta, su dosis de comedia cae hasta el punto de parecer una secuela millennial de “Solo en Casa” y, desgraciadamente, no un producto tan divertido como “Las Últimas Supervivientes”. La película se desenvuelve cómodamente y con un ritmo fantástico, pero esto se debe a que no supera los 80 minutos de duración. Quizás hubiésemos necesitado más diálogos y menos acción, ya que es en las conversaciones absurdas donde “The Babysitter” es capaz de brillar.

A pesar de todo, la película acaba resultando un entretenimiento bastante acertado para un domingo por la tarde. Su ligereza, su dirección puramente milleanial… Las última de Netflix sigue contando con bastantes aciertos. Al igual que “7 Años” o “Hasta Los Huesos”, el servicio streming demuestra tiros a la diana que se presentan bastante interesantes, aunque todos ellos quedan lejanos al centro. Tendremos que seguir esperando la masterpiece cinematográfica de Netflix, si es que llega…

Nota: 5,25 / 10

Llegó octubre y, con ello, un recap a todas aquellas películas que vuelven a cobrar vida durante este mes protagonizado por Halloween. La primera en pasar por el escáner de Rubiew no es otra que “El Retorno de las Brujas” (una mala traducción que tuvimos que sufrir en España, pues su nombre original es “Hocus Pocus”), un clásico de Disney Pictures sobre las brujas de Salem estrenado en el 1993 y que, casi 25 años más tarde, sigue teniendo la misma fuerza que el primer día. ¿A qué se debe este buen envejecimiento?


“El Retorno de las Brujas” narra la historia de tres hermanas, conocidas como las brujas de Salem que, trescientos años después de su muerte, vuelven a la vida en una época donde Halloween se ha convertido en toda una festividad social perdiendo su sentido original (lo que vendría siendo la eterna lucha entre indies-alternativos y los amantes del pop). Con Bette Midler como bruja líder, Kathy Najimy como bruja torpona y Sarah Jessica Parker como bruja putón (putón familiar, eso sí), “Hocus Pocus” se proclama como una de las narrativas más cómicas y perspicaces de la época de Halloween.

Su primer gran acierto es su guión. Sorprendentemente, Disney fue capaz de equilibrar la balanza de manera idónea para hacer de “El Retorno de Las Brujas” una película tenebrosamente disfrutable para los niños, pero una comedia blanca bastante entrañable para los adultos. Es aquí donde radica la atemporalidad de la película: la disfrutamos cuando éramos pequeños (a pesar de que yo tenía -2 años cuando se estrenó) y las seguimos disfrutando cuando llegamos a nuestra etapa adulta. La picardía de la hermana de Max, la acidez de la que están dotadas muchas de sus líneas e incluso ese “I Put A Spell On You” interpretado por las brujas de Salem en una fiesta donde la estrella es una mujer disfrazada de Madonna. “Hocus Pocus” es un pasatiempo familiar idóneo, demostrando que Disney lleva en plena forma durante 25 años.


Por otro lado, encontramos un trío de actrices impecables, a pesar de la sobreactuación que conlleva interpretar a estos tres personajes. Bette Midler, conocida por su papel en The Rose, es acompañada de manera excelente por Kathy Najimy (“Sister Act”) y por una jovencísima Sarah Jessica Parker (“Ed Wood” y, obviamente, “Sexo en Nueva York”). Sus personajes se adentrarán en un viaje temporal de lo más divertido (Disney demostrando no perder detalle alguno a la hora de escribir el guión) y popularizarán un walk que no tiene desperdicio alguno. Además, los personalidades tan distintas de las tres hermanas de Salem permitirá un abanico inmenso de situaciones disparatadas (siempre capitaneadas por Midler) que provocarán un sinfín de carcajadas en el espectador, independientemente de la edad.

Como dato curioso, “El Retorno de las Brujas” está dirigida por Kenny Ortega, director de una de las sagas más aclamadas de la historia por el público. “¿El Padrino? ¿El Señor de los Anillos? ¿Star Wars?”, preguntareis muchos de vosotros. No, corazones. High School Musical. Larga vida a Troy Bolton y Gabriella Montez.

“Hocus Pocus” se ha convertido de manera justa en unos de los grandes clásicos de Halloween. Sigue siendo tan fresca y entrañable como hace 25 años (algo que me aterraba tras años sin realizar un revisionado), estando presente año tras años mediante disfraces, referencias o proyecciones en algún que otro cine del mundo. Estamos encantados. (badum tss)

Nota nostálgica: 7,5 / 10

El pasado viernes 22 de septiembre, coincidiendo con el segundo no-concierto de Lady Gaga en el Palau Sant Jordi, Netflix estrenaba el documental “Gaga: Five Foot Two“, en el cual se narraba el último año de la cantante neoyorquina. Con una promoción apoyada fundamentalmente en la cancelación de toda la gira europea, Lady Gaga nos contará en primera persona desde la grabación de su último álbum hasta segundos antes de su performance en el descanso de la SuperBowl. Pero, ¿hasta qué punto es necesario este documental?


El último año de Lady Gaga ha sido, al parecer, bastante complicado. “Gaga: Five Foot Two” no consiste en otra cosa que en la apertura de Stefani Joanne Angelina Germanotta, nombre real de la artista, delante de una cámara que grabará todos y cada uno de los momentos más importantes ocurridos desde mediados de 2016 hasta febrero de 2017. El documental, que puede verse de manera exclusiva en Netflix, comienza con Gaga en body-chandal gris, con restos de maquillaje de la noche anterior y dando de comer a sus dos perros rodeada de familiares. “Five Foot Two” es orgánico y natural y, por suerte, no resulta forzado.

Con la grabación de su notable “Joanne” como trama principal del primer tercio del documental, podremos ver a Gaga sumergida en el estudio rodeada de productores tales que Mark Ronson, al cual podemos considerar co-protagonista, o Bloodpop, ambos presentes en temas como “Perfect Illusion”. Pero no. “Five Foot Two” no es un making of, ni pretende serlo. Este documental tiene bien definidas sus intenciones, que se basan en mostrar todo el trabajo que desarrolla la artista tanto en el estudio, como en los ensayos o en el set de American Horror Story (en el cual no parece estar muy cómoda). Lo que viene siendo un lavado de imagen tras los primeros años repletos de excentricidades que la llevaron a lo más alto del pop.

Y es que este documental se acerca más a “Alaska y Mario” que a “We Love Tamara” o “Lindsay”. Gaga se muestra completamente desnuda (incluso literalmente en alguna de las escenas) y no tiene miedo a soltar alguna que otra perla por la boca. En “Five Foot Two” existen momentos tan gloriosos como la respuesta a ese mítico “reductive” que Madonna le ofreció como calificativo en una entrevista de televisión, donde Gaga afirma que el único problema que tiene con la reina del pop es que no haya tenido el valor de decírselo a la cara. Después, como siempre, Gaga se viene arriba y dice que ella, como italo-americana que es, lo único que quiere es que MDNA le eche huevos y la empotre contra la pared mientras la besa y le explica los problemas que tiene con ella. Todo muy normal.

Después comienzan los dolores musculares, culpables de la cancelación de la gira europea, explicaciones sobre la fibromialgia, Hillary Clinton, visitas de Florence en el estudio de grabación, Gaga diciendo “necesito un porro”, explicaciones sobre la ruptura con su ex-prometido Taylor Kinney, Gaga asistiendo a un bautizo, cámbiame la tela de la chaqueta que esta no me gusta, los problemas de promoción de “ARTPOP”… dando un resultado que podríamos calificar incluso como “kitsch”. Todo esto, obviamente, acompañado por cientos de canciones procedentes de su último álbum de estudio, “Joanne”, tales que “Perfect Illusion”, “Million Reasons”, “John Wayne” o “Joanne”, dando esta última lugar a uno de los momentos más emocionantes del documental.

Pero lo más sorprendente de este documental no es otro hecho que la universalidad que representa. Sorprende que Lady Gaga se haya alejando de producciones hechas solo para fans, haciendo de este “Five Foot Two” un documental disfrutable y casi necesario para todo aquel amante de la cultura pop o incluso de la música. La naturalidad con la que está dotado esta exclusividad de Netflix y la vivacidad que presentan sus muchísimas escenas provocan un ritmo muy acertado que impide que el espectador despegue la mirada.

“Five Foot Two” es una delicia para los fans, pero también para el espectador que no ha seguido de cerca la carrera artística de la neoyorquina. Aunque algo menos de victimismo hubiese sido idóneo para este trabajo, debemos tomar el personaje de Lady Gaga tal y como es. Si queremos disfrutar de todos sus proyectos, debemos entender su estado emocional y físico. Y eso “Five Foot Two” lo refleja muy bien.

Nota: 7 / 10

Darren Aronofsky sigue en plena forma. Tras haber conquistado tanto a público como a prensa profesional con la oscarizada “Cisne Negro” y sufrir un leve traspiés con la mediocre “Noé”, el director estadounidense vuelve a poner todas las cartas sobre la mesa con “madre!“, un ¿thriller? pseudo-psicológico de apariencia casi tan oscura como su guión. Nunca a nadie se le ha dado mejor crear el caos en una sala de cine y, si ya en 2010 temblamos con la historia protagonizada por Natalie Portman, este año arañaremos nuestras butacas de cine hasta destrozarnos las uñas.


“madre!” (o “mother!” en su versión original) narra la vida de una mujer que se somete a la reforma total de una casa completamente abandonada perteneciente a su marido, un escritor de éxito que sufre por no encontrar ideas para su nuevo proyecto literario. Este espacio de paz y armonía será destrozado tras la visita de una pareja poco ordinaria. Y aquí es donde comienza el caos que hace a “madre!” toda una obra maestra cinematográfica. No hay ni un solo detalle sin pulir: iluminación, fotografía e incluso transiciones de planos. Darren Aronofsky demuestra una vez más ser uno de los mejores directores del panorama cinematográfico hollywoodiense ofreciendo un viaje al espectador del que será imposible salir de manera indiferente. Y es que, el primer gran acierto del largometraje es quedar grabado en la retina de aquel que asiste a su proyección. Al igual que el cine de Winding Refn o Thomas Anderson, o lo amas o lo odias.

Todos los detalles han sido acicalados de la manera más extrema posible, empezando por las interpretaciones. Jennifer Lawrence es la encargada de llevar el peso total de “mother!”. La joven actriz se muestra totalmente entregada al papel y, por suerte, da la talla. Pero, lo mejor de todo, es el cambio de registro que implica este papel en su ¿corta? carrera cinematográfica. Su personaje en cintas como “El lado bueno de las cosas” queda en una dulce chica si la comparamos con esta mujer coraje que explota a mitad de la película. Jennifer Lawrence es bien acompañada por un espeluznante Javier Bardem, que se muestra igual de cómodo que en producciones nacionales. De entre todo el reparto repleto de grandes nombres, es el único capaz de ensombrecer a JLaw en alguna de las escenas. Para finalizar, un excelente dueto formado por Ed Harris y Michelle Pferiffer toman lugar en la cinta de Aronofsky. Este cuarteto de actores supone un caramelo cinematográfico tanto para el público más cinéfilo como para el comercial, debido a la recopilación de grandes estrellas de las últimas tres décadas.

El despliegue de elementos cinematográficos usados es simplemente fascinante. Darren arriesga y evita, cuando la ocasión lo requiere, los cortes de plano cuando el espectador no necesita interpretar una nueva imagen, creando preciosas transiciones mediante sobreimpresiones (véase la reforma que ocurre de manera natural de la casa tras el incendio con el cual comienza la película). Su iluminación astuta, mostrando las sombras de los personajes que aún desconocemos emocionalmente, la oscura paleta de colores utilizadas, en la que predominan un rojo sangriento y un negro casi puro y hasta los movimientos de cámara naturalistas que han sido tratados hasta el último momento, evitando desastres como, por ejemplo, la primera entrega de la saga de “Los Juegos del Hambre”. Darren se ha adentrado en una pomposidad puramente gótica, donde lo tétrico predomina por encima de todo. El espacio que rodea la casa netamente cuadrado, el hogar ubicado milimétricamente en el centro de este… no existe ningún cabo suelto en este aparente caos que Aronofsky traerá el próximo viernes a las salas de cine del país.

Su guión: un desastre encandilador. Su presentación de personajes más que acertada, su desarrollo y la transformación de estos personajes de carácter redondo están detallados de manera sublime en el libreto, también escrito por el director de la película. “madre!” consigue ser un thriller psicológico, una batalla personal y hasta una cinta bélica, apenas rebosando los ciento veinte minutos de metraje. Los temas a tratar, muy paralelos a su mayor obra hasta día de hoy, “Cisne Negro”. Aronofsky vuelve a meterse en camisa de once varas tratando la perfección, muy simbolizada en la grabación de la cinta, las relaciones amorosas, la muerte y hasta los abusos sexuales. Lo que en el año 2010 veíamos a través de la mirada de Natalie Portman gracias a un necesario point of view, se transforma ahora en la represantación de las frustraciones de Javier Bardem mediante la mirada de Jennifer Lawrence. Aronofsky ha conseguido incomodar al espectador, sellándolo en su butaca como hacía años que no se experimentaba.

Nunca antes un caos ha sido tan perfeccionista, disfrutable y cautivador. Que empiecen a llover las estatuillas, por favor.

Nota: 8,75 / 10

Amy Schumer supo conquistar la taquilla estadounidense hace dos años con la comedia “Y De Repente Tú”. Esta vez, la monologuista más importante de la década se une a una casi desaparecida Goldie Hawn (quince años desde su última cinta) para traer a nuestras pantallas de cine “Descontroladas“, una comedia de aventuras que, lamentablemente, ha dejado a más de uno indiferente. ¿Cuáles son los aciertos y fallos de la cinta dirigida por Jonathan Levine (“50/50”, “Los Tres Reyes Malos”)?


“Descontroladas” narra la aventura de Emily Middleton (Amy Schumer) al verse obligada a viajar a Ecuador acompañada por su madre (Goldie Hawn) tras una ruptura repentina con su pareja. La cinta, protagonizada exclusivamente por mujeres, mostrará un sinfín de situaciones en las que esta pareja de féminas se verá envuelta tras los traspiés cometidos a lo largo de este viaje. Pero, ¿está “Descontroladas” orientada principalmente a un público femenino? No necesariamente. Sí es cierto que la película será más disfrutable si el visionado de ésta se hace junto a una figura materna, pero su guión no depende de ese afecto familiar para poder disfrutar de lo último de Amy Schumer.

Sin embargo, parece que el caos que narra la propia cinta acaba calando en su guión. Seguir la misma estructura impuesta para este tipo de comedias no ha hecho ningún favor a “Descontroladas”, que chirría a desfasada en el momento en el que comienza a desarrollarse. Por suerte, contar con Amy Schumer supone dotar esta comedia de negatividad y oscuridad, rozando incluso lo ordinario y dando lugar a los momentos más interesantes del largometraje. Pero no nos engañemos: ni arriesga tanto como sí lo hacía “Y De Repente Tú” ni eleva su nivel cómico como sí conseguían otras cintas como “La Boda de mi Mejor Amiga”.

Quizás la única razón para ver “Descontroladas” sea matar la curiosidad. No es la peor comedia que puedas encontrar en cartelera ahora mismo, pero sí aquella capaz de dejarnos con peor sabor de boca. Amy Schumer, que no vive actualmente su mejor momento laboral tras haber ofendido a todos y cada unos de los colectivos existentes, supuso un soplo de aire fresco hace dos años cuando nos trajo una de las comedias más gamberras vistas en este siglo. Quizás había errores que pulir, pero sus intenciones eran claras. “Descontroladas”, siendo aún así una comedia efectiva, da la sensación de haber tomado un paso atrás en este camino de comedia protagonizada por mujeres (dejando a un lado su carácter o no feminista).

A pesar de todo, “Descontroladas” se deja ver, es disfrutable y puede ser una opción idónea para un domingo tontorrón por la tarde. Sí, es complaciente. Pero demos gracias porque no sea Mr. Wonderful.

Nota: 5,5 / 10