Cuando durante meses te han vendido una película como obra maestra, lo que no esperas es salir del cine pensando: "He visto Barbie". Y Barbie me gustó, pero no esperaba que Pobres criaturas me pareciera casi lo mismo, sólo que para un público menos generalista.

Pobres criaturas es una reinterpretación de Frankenstein en la cual el cerebro de una recién nacida es implantado en el cuerpo de una mujer adulta; igual que Barbie experimentaba el mundo humano desde la inocencia de quien sólo ha conocido una realidad ideal, Bella (Emma Stone) se enfrenta a la vida desde la inocencia de quien no ha sido maleado por los imperativos sociales.

La cinta está estructurada en episodios y cada uno de ellos tiene sus propias características visuales: del blanco y negro a la coloración más saturada, de planos en ojo de pez y gran angular a planos-detalle... Cada episodio se articula en un lugar diferente y, al tiempo que la estética va cambiando (ropa, escenarios, casi género), Bella va descubriendo y desarrollándose en el mundo.

Diría que la temática central de la película es la sexualidad femenina, vista desde la naturalidad de la inocencia y no capada por factores como la religión o el machismo estructural. En este sentido, el director busca generar impacto e incomodidad con escenas relativamente explícitas y contraponiendo el placer que la protagonista descubre con situaciones en que a la mujer éste le es arrebatado, como la prostitución o las relaciones de sometimiento y maltrato.

Lo que más me gustó de la película fue su parte inicial, el planteamiento de la "criatura" en un episodio de terror gótico que homenajea los clásicos en los que se basa e incluye elementos steampunk y gore, así como un doctor Frankenstein memorable e hilarante (enorme Willem Dafoe). También creo que es el momento en que Bella está mejor perfilada, ya que a partir de cierto punto tuve la sensación de que a alguien se le había olvidado que se suponía que nos estaba contando la historia de un personaje que por dentro es una niña; y es que esto me generó incredulidad en varios apartados, pues la película llega a un tratamiento del personaje que no encaja bien con esa supuesta edad mental (y omite problemas y traumas que Bella debería haber desarrollado con las vivencias que plantea). En el fondo, pienso que hay un sacrificio consciente de esta consistencia del personaje en favor de explorar el tema del sexo, y aun así cuando acabó la cinta tuve la sensación de que había pasado por todo de puntillas, sin profundizar y sin arriesgarse; la encontré demasiado complaciente para el planteamiento tan atrevido del que partía.

Así que sí: para mí, es una Barbie dirigida a un público más adulto y (quizá) cultureta. Artísticamente es una maravilla, incluso cuando llega a saturar al espectador de tanto elemento distinto condensado en dos horas (la reinterpretación arquitectónica de París es mi sueño erótico); se libera de las americanadas que no me gustaron de la peli de Greta Gerwig y muestra una interpretación maravillosa y directa al Oscar de Emma Stone. Seguro que se va a quedar en mi cabeza dando vueltas bastante tiempo y que voy a volver a su imaginario un montón de veces. Ahora, también pienso que la historia en sí, desnuda de artificios, se queda en sosa y poco arriesgada.

Los tres mosqueteros es mi novela favorita desde los catorce años y, por lo tanto, evito en lo posible ver las infinitas adaptaciones que se van haciendo del libro porque nunca siento que lleguen a representarlo.

Tanto es así, que voy a decir lo que para muchos será una aberración: la única adaptación que me gusta y que de hecho he visto varias veces es la serie de la BBC. Pero si no se parece EN NADA al libro de Dumas, diréis. Pues precisamente: ya que no se iba a parecer, agradezco que sea completamente diferente y tan sólo se valga de los nombres de los personajes y algunos detalles básicos; lo maravilloso de esa serie, para mí, es que su corazón son la aventura y la camaradería, que es lo más básico que le pido a cualquier adaptación de Los tres mosqueteros y rara vez encuentro.

Dicho esto, la película que estoy reseñando aquí NO se centra ni en la aventura, ni en la camaradería. El tono se va más a las intrigas palaciegas, a la tensión y al misterio. Partiendo de lo cual, lo raro es que me haya gustado, pero el caso es que lo ha hecho. Aquí, nuevamente estamos ante un producto MUY diferente de la obra de Dumas, en este caso no tanto por que haya enormes discrepancias en los personajes y acontecimientos (las hay, pero muchísimas menos que en la versión de la que hablaba antes), sino porque el tono es más grave y oscuro.
Sin embargo, la película está hecha con cariño y los actores tienen carisma sin necesidad de extravagancias hollywoodienses. Eva Green es una Milady inolvidable y la trama de los herretes de diamantes está desarrollada de forma inteligente, con agilidad y tensión y a la vez ligándola con tramas secundarias que sin duda tendrán peso en las siguientes entregas (aunque me habría gustado que la película fuera autoconclusiva).
No es el libro, se aleja mucho del alma del libro, y aun así crea un universo interesante que mantiene a uno entretenido las dos horas y que además se deja ver muy bien gracias a la belleza de la imagen y la banda sonora y a lo hipnótico del montaje.
De la siguiente espero no sólo más Milady (obvio) sino también más mosqueteros, pues tuve la impresión de que apenas los habíamos conocido en esta primera parte.

Elvis es uno de los mayores artistas de la historia de la música y el entretenimiento; sin embargo, su carrera podría haber llegado mucho más lejos.
En esta cinta se nos cuenta, a buen ritmo y con una inteligente elección de los recursos narrativos, cómo surgió el fenómeno, a qué obstáculos se tuvo que enfrentar y cómo a sus cuarenta acabó siendo una atracción fija en Las Vegas.
El montaje del director me parece todo un acierto, fresco y dinámico, sin miedo. La interpretación de Austin Butler es muy buena y, sumada a la caracterización, hace que estemos viendo en todo momento al rey del rock, sin ninguna duda. También me gusta cómo se aprovecha la biografía de Elvis para narrarnos los acontecimientos más importantes de la historia de Estados Unidos durante esa época, así como el efecto que tenían sobre la sociedad y sobre el artista. Otro enorme acierto es el homenaje a la música negra, poniendo también de relieve cómo Elvis triunfó haciendo esa música porque él era blanco.

Mi gran problema con la cinta es que, aunque como he dicho Butler hipnotiza, no se llega a profundizar en la personalidad de Presley. Se nos cuenta de dónde viene, por qué se mete en el mundo artístico, qué errores comete, cómo se enamora de Priscilla (me hizo ilusión ver en la gran pantalla a Olivia Dejonge), cómo es un adicto al escenario. Sin embargo, salí del cine sin llegar a tener muy claro quién era, cómo veía cuanto le estaba pasando.
A cambio de esa información, lo que sí obtenemos es un papel en mi opinión excesivamente grande y caricaturesco de su mánager, interpretado por Tom Hanks, que me pregunto si habría sido tan relevante de haberlo hecho un actor de menor renombre. El Coronel no sólo es el narrador de la película, sino que está presente en pantalla tanto como el propio Elvis y protagoniza escenas dignas de villano Disney. Si lo que buscaban era contar la historia del mánager y cómo sangró a Elvis toda su vida, habría gestionado el personaje y la narración de otra forma; tal como se desarrolla la cinta, sus escenas me dieron un poco de vergüenza ajena y me estropearon la que por lo demás me parece una película muy digna y que homenajea con mucha clase a un artista icónico e inolvidable.

No se puede decir otra cosa ante una obra de este calibre. Una cinta de animación que apenas contiene animación, que se basa mayormente en imágenes estáticas y que sin embargo es arrolladoramente expresiva e hipnótica, que nunca se hace lenta o pesada, ni siquiera a la luz del siglo XXI y su dinamismo siempre cambiante. Una película dirigida a comienzos de los 70 por un señor japonés, y que gira en torno a la liberación sexual y el empoderamiento de la mujer. Una obra sobresaliente en todos los sentidos: en el acierto de todas y cada una de sus imágenes, dibujadas con estilos diferentes en función de la escena y el mensaje (desde la acuarela a la psicodelia pop); en una banda sonora inseparable de la cinta, que no acompaña sino que narra, y que es puros años 60; en el viaje de la heroína, que arranca la cinta en la más pura inocencia, sucedida del ultraje, y deberá ir descubriendo su propio poder por medio de la apropiación de su propia sexualidad, que no le pertenece a nadie más que a ella.

Una película que analiza el machismo estructural, así como los comportamientos del pueblo como masa a merced del poderoso. Una película que fascina a la par que agobia, que no se puede ir de la memoria por más que pase el tiempo. Una cinta totalmente atemporal y rompedora en el contexto en el que se gesta, provocadora, explícita de la forma menos explícita posible, como un viaje de LSD.

Hay un par de cosas que sí han envejecido: el retrato de la sexualidad exclusivamente por medio del pene (en una masculinización del placer que resulta paradójica dada la historia que estamos viendo), y cierta romantización de la violación. Sin embargo, son cosas muy pequeñas que no le restan mérito alguno a esta película, sin duda de culto, que es una joya.

La secuencia final es, sencillamente, maravillosa.

Para mí, esta película es un ejemplo perfecto de cómo la crítica profesional y el márketing pueden manipular de forma increíble la verdadera calidad de una película.
Llevaba semanas viendo el bombo tan bestia que se le estaba dando por parte de medios y plataformas de streaming: la cinta del año, un thriller espectacular. Pues menudo chasco me he llevado al verla.

Para empezar, pasar de los primeros quince-veinte minutos (cuando aún no sabes de qué va la pesca) es complicado porque la situación que plantea es tan forzada y da tanto repelús que no parece que vaya a haber por dónde cogerla. ¿Mejora? Sí, mejora. Pero ni tanto.
Cosmética del enemigo (qué título tan bonito tiene) parte de una serie de ideas buenas, aunque ya vistas en otras cintas del género. Sin embargo, la ejecución es un absoluto desastre: desde unas interpretaciones bastante malas (quizá sea problema de dirección), pasando por un ritmo irregular, banda sonora soporífera y diálogos antinaturales; hasta el terrible guión que no consigue llevar la historia a ningún sitio. Ni intriga, ni personajes interesantes, ni buenos actores, ni siquiera un buen uso de todo ese despliegue de producción que sitúa la historia en un aeropuerto: el protagonista es arquitecto y todo el tiempo vemos planos de la maqueta del aeropuerto que él mismo diseñó; sin embargo, la arquitectura no tiene más peso que ese porque el director no parece saber cómo hacer que desempeñe un papel importante (visto el desenlace, debería).

Muy bonita la cosmética: Montmartre, el aeropuerto en sí (que en 2021 a mí me genera una morriña desmedida), el avión, el vestuario, la fotografía... Ahora, no hay nada que merezca la pena más allá de eso.