Un matrimonio en crisis. Una mujer frustrada llena de sueños rotos por la rutina. Un marido con problemas de empatía en el hogar. Y una visita inesperada que desata la tormenta. Con esos elementos Naruse construye de nuevo un retrato femenino magistral que es la base de toda la historia, poseedor de complejidad, interés y emoción. Una historia sobre asumir defectos. Propios y ajenos. Sobre cambio de paradigmas en la vida.

Se nota que Naruse viene del cine mudo. Su capacidad de contar tantas cosas con la imagen y el encuadre, su utilización del espacio y los objetos es asombrosa. Y donde no llega la cámara milagrosa de Naruse lo hace una Setsuko Hara espectacular. El almuerzo es otra joya del genio japonés a no perderse.

Asombrosa y valiente propuesta francesa que no solo supone un hermosísimo homenaje a los orígenes del cine (más logrado incluso que en la magnífica Hugo) sino que es toda una defensa de una manera de hacer cine en vías de extinción que ha conseguido en los últimos años algunos de los momentos más inolvidables que nos ha dado el cine (como los inicios de Wall-e o Up).

The Artist también permanecerá en mi memoria. Por su historia y por su manera de contármela. No es un simple homenaje simpático o meramente estético. Sabe entender la esencia del cine mudo y utilizar sus virtudes con propiedad, aprovechando el poder de la imagen para hacer reír, para emocionar, para robar la esencia de unos personajes con los que se conecta de forma inmediata. No es nada fácil conseguirlo. Y Hazanavicius lo ha conseguido y con nota.

La historia fluye con naturalidad y consigue escenas de una brillantez poco habitual, como ese momento en el que repiten la misma escena los protagonistas y que es capaz de transmitir tanto con tan poco. Gran parte del mérito del calado emocional del film lo tiene Jean Dujardin, que realiza una interpretación excelente, llena de carisma y encanto. Técnicamente juega en ligas mayores, desde la ambientación, la fotografía o la banda sonora.

The Artist es una película hermosa, elegante, inteligente y entrañable. ¿Un clásico como dicen? Yo creo que sí.

Inteligente, complejo, sutil, apasionante. El nuevo film de Alfredson es una lección magistral de cine en general y de cine de espías en particular.

Ejemplar en el desarrollo de la complicada trama, impecable en su descripción de personajes y muy imaginativo en su narrativa y puesta en escena, el director ha conseguido el film de espías ideal. No nos impone giros imposibles a última hora, ni una resolución mascada y digerida de la trama, ni sacrifica una descripción elaborada de personajes a favor de esta. El equilibrio es perfecto.

Alfredson sabe hasta dónde contar para que el espectador haga el resto del trabajo. Él sugiere y nosotros intuimos. Es una película que requiere un poco de esfuerzo por parte del espectador, pero merece la pena. Es lo que han hecho los maestros del cine desde sus orígenes. Gracias, Sr Alfredson, por no tomarnos por tontos.

Los departamentos técnicos brillan a gran altura, en especial los virtuosos trabajos de fotografía, montaje y música original (con Iglesias como auténtico Topo de la función), que se convierten en valiosas herramientas narrativas en manos de un director con el talento de este director sueco. Impresionante la labor de actores. Creo que es el mejor casting del año.

Todo funciona en esta película de ritmo perfecto y la precisión de un reloj suizo. Los premios se los habrán llevado otras películas este año (algunas tan brillantes y entrañables como The Artist). Pero eso no debería hacer caer en el olvido a una de las pocas obras maestras que ha dado el cine este año.

Es una auténtica locura realizar a día de hoy una película tan esencialmente clásica y sinceramente emocional como War Horse. Tiene todos los ingredientes para decepcionar e incluso irritar a mucha gente. No es mi caso.

En su defensa de la validez de los conceptos narrativos del cine clásico, Spielberg realiza un maravilloso homenaje a la aparente simplicidad de John Ford, sin perder su identidad como director, en la que su talento para el encuadre y su extraordinaria e imaginativa puesta en escena se alían con la fotografía de Kaminszky y la música de Williams, ambas extraordinarias, para realizar una especie de sinfonía audiovisual de una rotunda belleza.

Es una película de pocos y no especialmente elaborados diálogos, de personajes sencillos aunque bien definidos y con mayor importancia a lo que representan que al individuo en sí, a los que presta la atención justa, abandonándolos en cuanto que cumplen su cometido, sacrificando tramas para construir un mosaico que ampliando el campo de acción que ya apuntaba Saving Private Ryan.

Spielberg nos habla de la guerra desde distintos puntos de vista (soldados, desertores, civiles...) pero siempre buscando un humanismos que universaliza lo que cuenta. El caballo, como nexo común, parece representar esa inocencia perdida entre tanta locura irracional e insensible, que borra las fronteras ideológicas, nacionales y sociales. Eso le lleva a hacer una de sus películas más abstractas, paradójicamente menos dependientes de una narrativa clásica, aunque su apariencia e intenciones si que recuerde a los clásicos.

Aún sin ser una películas redonda, Spielberg realiza un trabajo formalmente magistral, bellísimo y atípico por la importancia a lo emocional que le aporta, que a buen seguro será, junto con War of the Worlds, el film más incomprendido de esta última y fascinante etapa del director.

Obra clave en la cinematografía norteamericana de los 90 que supone el giro definitivo de Eastwood como autor. Un trabajo imponente se mire por donde se mire donde sus artífices directamente pasan a las grandes ligas del cine.

El caso más evidente es la extraordinaria interpretación de Whitaker, un actor siempre brillante pero que aquí logra el trabajo de su vida. Una interpretación de una complejidad asombrosa, llena de detalles y contrastes, aportándole humanidad, un toque de locura y mucha melancolía al personaje, que resulta sorprendentemente creíble como genio sobre el escenario pero a la vez como la cara más amarga de la decadencia del ser humano, haciendo una verdadera creación única e intransferible. Aun así es de justicia destacar al resto de los actores, magníficos, en especial la esposa, que aguantan el torbellino Whitaker sin supeditarse a él.

Al mismo nivel que su protagonista esta la virtuosa fotografía de Jack N. Green, que se mueve principalmente en ambientes oscuros, nocturnos, urbanos, llenos de sombras y con poca luz en muchos casos, de los que saca un gran partido, creando un trabajo de sobrecogedora belleza, convirtiéndose en una de las señas de identidad del film. Un trabajo referencial.

En cuanto a la música, no solo está compuesta por un conjunto de piezas maestras maravillosas, sino que están utilizadas con elegancia y con claras intenciones dramática que pronto se erigen como el perfecto ayudante del director a la hora de proyectar ideas más allá de las imágenes.

Aún así, el que más méritos se termina llevando es ese genio llamado Eastwood que logra en Bird su obra más arriesgada y artística. Para empezar sorprende el complejo planteamiento narrativo que parece emular una pieza de jazz del propio Parker, dando saltos en el tiempo que sirven para construir poco a poco al personaje, con elegancia, sin perder el sentido del humor, con una puesta en escena brillante y un pulso inquebrantable a pesar de la duración del film. Y ante todo demuestra un talento sorprendente en el acercamiento humano a sus personajes, que cobran vida no solo por las interpretaciones, sino por la elegancia e inteligencia con la que el director nos los va mostrando, de una fisicidad sorprendente.

Y por supuesto, el amor y erudición de Eastwood sobre el jazz se ve reflejado a lo largo de todo el trabajo, logrando el más hermoso film sobre el jazz jamás filmado. Una maravilla.