CRÍTICA DE “ASSASSIN’S CREED”
La Claqueta Metálica | 23 diciembre, 2016 | Críticas | www.laclaquetametalica.com

Existe la creencia de que las películas basadas en videojuegos sufren algún tipo de maldición, por el mal resultado que suelen dar. La mayor culpa de esto, sin embargo, está en la propia industria cinematográfica. Al considerar los videojuegos como productos de baja calidad, sólo ven en ellos una posibilidad de hacer dinero rápido. Una especie de “impuesto para fans”, pues asumen que los seguidores del juego pagarán por verlo con indiferencia del resultado.

“Assassin’s Creed” surgió con el firme propósito de acabar con esa maldición. Basada en el videojuego del mismo nombre, la película nos cuenta la rivalidad entre dos ancestrales órdenes, los Assassin y los Templarios, a través de dos historias distintas. Una en la actualidad y otra en la España de los Reyes Católicos.

La película contaba con todos los ingredientes para haber dado un gran resultado. El proyecto se había tomado muy en serio, trabajándolo con tiempo, y se había contado con un gran reparto. Sin embargo, es innegable que el producto final no ha estado a la altura de las expectativas generadas.

Gran parte del problema está en el guion. Es cierto que la historia original era difícil de adaptar. Pero aún sí, esto no resulta excusa suficiente para lo absurdo de su desarrollo. Unos personajes que aparecen sin trasfondo y cuya evolución resulta confusa. Una trama que avanza por pura inercia. En definitiva, en todo momento nos da la sensación de que el guion se rinde a lo visual frente a la lógica.

Lo más destacable de “Assasin’s Creed” es, sin duda alguna, el reparto. Que cuenta con Michael Fassbender, Marion Cotillard, Jeremy Irons, así como un grupo de secundarios de gran calidad. Las interpretaciones superan a la propia cinta, dando la sensación de que se ha desperdiciado el talento de estos grandes actores.

En cualquier caso no todo es tan horrible. La película resulta ciertamente entretenida, siempre y cuando no nos paremos demasiado a pensar en lo absurdo de la trama. Y dado el pésimo historial de los videojuegos adaptados al cine, al menos podemos decir que “Assassin’s Creed” supone un pequeño paso en la buena dirección. La maldición sigue viva, pero su final se ve un poco más cerca.

CRÍTICA DE “SILENCIO” [SILENCE]
La Claqueta Metálica | 22 diciembre, 2016 | www.laclaquetametalica.com

La fe es un tema que, dado su carácter personal, resulta muy difícil de trasladar a la gran pantalla. Son muchas las veces que en el mundo del cine se ha intentado reflejar este concepto. Sin embargo, los resultados no siempre han sido satisfactorios. Y es que un tema tan complejo requiere de alguien con mucho talento para dar buenos frutos. Por suerte, Martin Scorsese tiene talento, y de sobra.

La cinta nos sitúa en el Japón de los tiempos del sekaku, cuando el país estaba completamente cerrado a influencias del exterior. Dos jóvenes misioneros jesuitas viajaran hasta allí en secreto, con el propósito de descubrir qué fue de su mentor. En su camino, sentirán en primera persona las atrocidades que allí se cometen contra los cristianos.

“Silencio” es una película que logra contar y transmitir todo aquello que se propone. Nos hace conectar con la historia independientemente de nuestras creencias. Sin intentar adoctrinar, ni dictar sentencia, se presenta tan llena de dudas como de matices. Planteándonos más preguntas que respuestas para, ante todo, invitar a la reflexión.

Sin embargo, pese a no pretender posicionarse de ninguna manera, si que nos deja varias reflexiones interesantes. Nos habla de una fe más pura y humana; que se aleja de los ornamentos y de los iconos, para adentrarse en lo personal. Y que invita a abandonar el lastre de los rituales exteriores, y aboga por la creencia interior como la fe verdaderamente importante.

Pero, por encima de todo, lo que más destaca es su habilidad para lograr hacernos empatizar con unos sentimientos tan únicos y personales como son los religiosos. Y es que la película va mas allá de la simple creencia, y se centra en la fuerza de los valores y convicciones de cada individuo. Ofreciendo un análisis muy interesante sobre el comportamiento humano. Sobre donde están los límites de nuestras creencias, y como varían éstas de unos a otros.

Todos estos mensajes serían imposibles de transmitir si el relato no fuese creíble. De ahí la importancia de las buenas interpretaciones que realiza todo el reparto. En especial la de su protagonista, Andrew Garfield, con una actuación que bien puede valerle una nominación para el “Oscar” de este año.

“Silencio” no es perfecta. Sus casi 3 horas de metraje se hacen, a ratos, excesivas. Y su ritmo resulta algo irregular, debido a la redundancia de alguna de sus secuencias. Sin embargo, es tanta la fuerza de sus virtudes, que no nos queda más remedio que perdonarle sus pecados, y aceptarla como la gran obra que es.

La Claqueta Metálica | 20 diciembre, 2016 | Críticas
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Hay veces en la vida en la que nos vemos obligados a readaptarnos. Ciertos cambios, tal vez de pareja, de trabajo o de domicilio, pueden trastornar nuestro día a día. De pronto, todo aquello que teníamos planificado, aquello en lo que confiábamos y a lo que nos agarrábamos, desaparece. Y nos vemos en la difícil tesitura de tener que rehacer nuestra vida.

Ésta es la situación en la que se ve Stephanie, la protagonista de la comedia francesa “De vuelta a casa de mi madre”. Una mujer de 40 años que ve como el estudio de arquitectura del que era dueña se va a la quiebra, dejándola en el paro, y obligándola a volver a casa con su madre. Sus diversos problemas para adaptarse a esta nueva situación, darán lugar a todo tipo de situaciones cómicas.

Eric Lavaine nos trae una historia que refleja nuestra realidad social actual. En la que la situación de crisis económica, ha forzado a muchos hijos a volver a casa de sus padres. Con todas las dificultades que eso conlleva.

La película nospresenta a dos mujeres tratando de rehacer su vida. Por un lado está la madre, que tras haber enviudado, comienza una relación amorosa a espaldas de sus hijos. Por el otro está la hija, que verá como su vida se va desmoronando a raíz de sus problemas laborales.

“Vuelta a casa con mi madre” nos habla, a través de su historia, de la dificultad de las relaciones familiares, y de su importancia como apoyo en los momentos más difíciles. La cinta mezcla la comedia con ciertas dosis de drama, como acostumbra a hacer tan bien el cine francés.

Sin embargo, pese su buen planteamiento y a lo simpático de las situaciones, se echan en falta dosis más fuertes de humor. No hay duda de que la cinta logra sacarnos una sonrisa, pero no nos arranca tantas carcajadas como han hecho otras compañeras de género. No obstante, no por ello deja de ser una película entretenida con la que pasar un rato agradable.

CRÍTICA DE COMANCHERÍA [“HELL OR HIGH WATER”]
La Claqueta Metálica | www.laclaquetametalica.com

En la década de los 30, en un Estados Unidos en plena crisis económica, criminales como John Dillinger o Bonnie y Clyde, se convirtieron en un referente cultural. La gran depresión produjo un fuerte odio hacia los bancos, que propició la aceptación de sus actividades delictivas. Los banqueros eran los malos, y aquellos que les robaban eran vistos con cierto aire justiciero. Esta visión se trasladó a la gran pantalla. Dónde podemos encontrar multitud de películas sobre atracos a bancos en los que empatizamos fácilmente con los asaltantes.

La crisis económica actual nos coloca en una situación bastante similar a la de aquella época. En esto se basa “Comanchería” al presentarnos a una pareja de hermanos de Texas que se ven convertidos en unos “Bonnie y Clyde” modernos. Aprovechando la baja seguridad de las pequeñas sucursales bancarias, los dos protagonistas recorrerán el estado de pueblo en pueblo, asaltando sin parar mientras la policía les pisa los talones.

“Los antepasados de estas personas les robaron la tierra a mis antepasados. Y ahora son los bancos los que se las están robando a ellos”. Esta frase, pronunciada por un nativo-americano durante la película, resume a la perfección la idea principal de “Comanchería”. Los bancos convertidos en invasores, y los asaltantes de bancos convertidos en comanches defendiéndose del enemigo.

Sin embargo, la película no cae en la trampa de demonizar a los bancos e idealizar a los protagonistas. Sino que más bien se aprovecha de esa posición para permitirnos juzgar a los personajes con mayor libertad. Eliminando la clásica separación en bandos de buenos y malos, para que podamos apreciar individualmente la moralidad de cada personaje, analizar sus virtudes y defectos, y así comprobar con mayor facilidad las motivaciones que mueven a cada uno de ellos.

Estas ideas se ven reforzadas por unos personajes perfectamente caracterizados. Ya sea protagonista o secundario, cada personaje que aparece en la cinta rebosa personalidad. Resultado de un cuidado guion que, a través de su historia, nos dibuja con precisión la sociedad de la américa profunda.

“Comanchería” combina con maestría las escenas de acción trepidante con aquellas más profundas y reflexivas. Lo cual, unido a su ácido humor, hace de este neo-western una película tan divertida como interesante.

Crítica de Paterson
La Claqueta Metálica | 5 diciembre, 2016 | Críticas | web: http://laclaquetametalica.com

Al pensar en la monotonía normalmente se nos vienen a la cabeza multitud de connotaciones negativas. Aburrimiento, tristeza, o incluso infelicidad, son algunos de los términos que nos evoca esta palabra. Este hecho se produce más aún en el cine, donde la rutina suele usarse para remarcar la desdicha o miseria de alguno de los personajes. Es por eso que lograr transmitir sentimientos positivos mediante una historia monótona resulta una tarea tan difícil.

Así nace “Paterson”, con la idea de mostrarnos la belleza que hay dentro de lo cotidiano. Para ello, la película nos introduce en el día a día de un conductor de autobús que, bajo su aspecto apático, esconde a un auténtico amante de la poesía, incapaz de salir de casa sin un cuaderno en el que anotar los versos que se le ocurren durante el día.

Pese a lo ambicioso de su propósito, la cinta cumple plenamente con las expectativas. Jim Jarmusch logra plasmar la belleza de la lírica en cada una de las secuencias. Convirtiendo sus escenas en versos que, poco a poco, van construyendo una poesía audiovisual.

La película se sirve de la rutina como amplificador, para convertir las pequeñas cosas que diferencian cada día en algo hermoso. Ya sea una conversación entre unos niños en el autobús, un rapero haciendo la colada, o un creativo plato de su novia, cada detalle logra romper con la monotonía, y otorgar belleza a la obra.
Sin embargo, el lento ritmo de la historia, aunque totalmente necesario para el propósito de la misma, puede hacer desconectar al público que no esté acostumbrado a este estilo de cine. Lo que la convierte en una cinta destinada a un espectador muy específico.

“Paterson” hará las delicias de algunos, y aburrirá por completo a otros, pero lo que es seguro es que no dejará indiferente a ninguno de sus espectadores. Hermosa, intrigante y, por momentos, hasta perturbadora. Pero, ante todo, una película que nos enseñará a encontrar la felicidad dentro de la monotonía.