Castigo al traidor es una película de Manuel Antín. Su guión es una adaptación libre del cuento Encuentro con el traidor, escrito por el célebre autor paraguayo Augusto Roa Bastos. Las comparaciones son odiosas, pero es inevitable poner a esta breve producción frente a frente con el brevísimo relato en el que se basa y extraer ciertas conclusiones.
Lo cierto es que en este caso la película que nos compete lleva las de perder. Encuentro con el traidor es un maravilloso cuento que condensa en poco más de 2000 palabras la historia de dos individuos marcados por la tiranía y las luchas políticas de su país. Este se centra en un encuentro fortuito entre dos individuos que fueron conspiradores contra el gobierno décadas atrás. El "Hombre gordo" reconoce a "el Traidor" mientras compra el diario en la calle y se decide a seguirlo. "El traidor" reconoce a su persecutor; a lo largo de dos o tres cuadras de trayecto se embarca en un viaje dos o tres décadas atrás en el tiempo. El sinsentido de las intrigas políticas en las que los personajes se involucraron en su juventud se ve duplicado en su impotente enfrentamiento final.
En su afán de adaptar esta historia para la pantalla grande Antín debió estirar como chicle el argumento, añadiendo detalles que enturbian la simpleza del planteo original (del cual proviene la fuerza del relato), cambiando algunos aspectos del desarrollo que lo complejizan en exceso y otros que lo simplifican en demasía. Así terminamos con una historia que se desarrolla en tres capas temporales paralelas, personajes nuevos que aportan poco, escenas de conversaciones interminables y largas tomas en las que no sucede nada; todo esto para llegar a los sesenta minutos de metraje.
Pese a lo dicho, no quiero dejar la impresión de que esta película no tiene nada bueno para ofrecer. A nivel visual ofrece varios momentos muy potentes (tristemente mutilados por la horrible condición en la que esta producción llegó a nuestros días), como el omnipresente primer plano de la cara de "el Traidor", exquisitamente interpretado por Miguel Ligero. Omnipresente es también la composición de Adolfo Morpurgo, una melancólica pieza de música clásica (o eso me parece, honestamente entiendo menos de música que de cine) que acompaña marcando el tono de forma más que satisfactoria.
En conclusión, Castigo al traidor es una película meramente simple que busca adaptar un cuento brillantemente simple. Quizás esta producción hubiese funcionado mejor como cortometraje, pero tal y como es puede resultar de cierto interés para los amantes del cine argentino.

Culpable es una película dirigida y protagonizada por el realizador argentino Hugo del Carril. Acción, intriga y preguntas filosóficas se conjugan en este compacto paquete explosivo de apenas 90 minutos de duración.
La trama de esta producción sigue los pasos de Leo Espósito, un ex militante anarquista que se ha enriquecido atracando bancos. Acorralado por la policía, al borde de la muerte, Espósito ve cómo el tiempo se detiene y una figura fantasmal se materializa ante sí. Esta se presenta como su conciencia y lo culpa por el destino destructivo en el que su vida ha desembocado. Pero Leo es un hombre tenaz y no se muestra dispuesto a aceptar sus faltas. Entonces, la aparición fantasmal llevará al protagonista en un viaje a través de su vida pasada y sus vidas posibles; junto a Espósito nos tocará evaluar su responsabilidad en el trágico devenir de su violenta vida.
En el centro de esta película se encuentra una pregunta filosófica muy antigua y discutida: ¿que determina las acciones de una persona? ¿La crianza nos condiciona o somos verdaderamente libres de forjar nuestro propio camino? Mientras que una amplia mayoría del público tendría reservas a la hora de formular afirmaciones categóricas sobre un tema tan complejo, esta producción no se muestra tímida en la emisión de juicios morales. El guión se pronuncia inequívocamente en favor de la hipótesis de la responsabilidad individual, afirmando (literalmente, a través de la voz del narrador) que, más allá de las circunstancias que cada persona atraviese o haya atravesado, siempre hay una elección entre hacer el bien o hacer el mal. Consecuencia necesaria de esta línea de pensamiento es la idea de que existen personas que son objetivamente buenas y otras que son objetivamente malas, siendo el protagonista un ejemplo claro del segundo tipo. Esta postura filosófica completamente falta de sutileza conforma la espina dorsal del guión, que aún así presenta aspectos positivos en otros apartados.
En cuanto al minuto a minuto, esta es una película con muy buen ritmo. Los últimos días Leo Espósito comprenden romances, atracos y persecuciones a altas velocidades. El cine argentino nunca se ha destacado por producciones de esta clase; y sin embargo, en mitad de esta moralizante producción encontramos múltiples escenas de acción. Más allá de la inclusión de este tipo de secuencias la trama en sí avanza a una saludable velocidad, sin estancarse en puntos muertos que hagan decaer el interés.
El apartado técnico de esta producción es más que correcto, aunque la negligencia en la labor de preservación del cine argentino signifique que la calidad visual de la película que sobrevivió hasta nuestros días ha sufrido mucho. El reparto también cumple, brindando interpretaciones que aprueban sin sobresalir; el carácter fragmentario y fabulesco de esta historia significa que ninguno de los personajes presenta una personalidad particularmente profunda y, por ende, tampoco da pie a grandes interpretaciones.
En conclusión, Culpable es una interesante pieza de la historia del cine argentino. Pese a su carácter un tanto reaccionario, esta es una película muy entretenida que mantendrá el interés de cualquiera. Llegado el final de la reseña, me permitiré dejar al lector con la sugerencia que tome la moraleja de esta película como una invitación a pensar en su pregunta central, más que como la respuesta final a la misma.

Sakho y Mangane es una serie senegalesa dirigida por Jean Luc Herbulot. Esta producción combina vastas influencias occidentales con aspectos propios de la cultura del oeste africano en un paquete que, pese a ciertas desprolijidades, no dejará a nadie indiferente.

La trama sigue los pasos de los titulares Sakho y Mangane; uno serio y profesional, el otro joven y desaliñado. Esta pareja despareja se ve obligada a trabajar en conjunto en una flamante división de la policía de Dakar, recientemente fundada para investigar crímenes complejos y brindar prestigio a las fuerzas de seguridad de la nación.

Sin embargo, pronto descubriremos que la complejidad de estos casos transciende las complicaciones con las que deben enfrentarse diariamente el equipo de CSI (análogamente, reemplácese por cualquier otro policial procedurial del mercado). Estas investigaciones pondrán a nuestros protagonistas cara a cara con sicarios invulnerables a las balas, muertos por ahogamiento a kilómetros del agua y aparentes posesiones demoníacas.

Este es uno de los aspectos en los que la personalidad propia de la serie sale a relucir: el folclore del oeste de África informa la trama de formas sutiles pero constantemente perceptibles. Múltiples personajes formulan la observación que mejor resume el núcleo temático de esta producción: "Senegal es una tierra llena de misterios, pero también es una tierra moderna". La yuxtaposición entre lo moderno y lo ancestral, el conflicto entre la aspiración a una forma de progreso occidentalista y la propia identidad de los personajes, estos aspectos están presentes de principio a fin.

Sin embargo, la personalidad propia de esta producción no solo se percibe en las ocurrencias sobrenaturales que flotan alrededor de la trama; el factor humano del guión también sirve para anclar firmemente esta historia en su escenario. Las vidas de los personajes y sus interacciones van pintando de manera sutil un mundo que no se ve muy seguido en el cine. Finalmente, el conflicto central a la trama sobrenatural se ve reflejado en las historias personales de Sakho y Mangane, cargándolo de un significado que redobla su impacto.

El impacto emocional que suscita la serie no sería posible sin personajes a la altura de las circunstancias. En este sentido no puedo hacer más que elogiar a todo el reparto de esta producción, compuesto por muy buenos actores que son capaces de transmitir solemnidad, emoción o humor según mande la ocasión. En particular debo resaltar a los protagonistas, Issaka Sawadogo (Sakho) y Yann Gael (Mangane), así como a Christophe Guybet. Este último interpreta a un médico francés que, a causa de un incidente no especificado, se ve obligado a una suerte de exilio en la capital senegalesa. Allí se desempeña como médico forense para la policía de Dakar entre trago y trago de los misteriosos brebajes que lleva en su petaca. Este personaje ejemplifica uno de los mejores aspectos de la serie; incluso en su calidad de "comic relief" (personaje cuya función en la historia es aportar distensión a través de la comedia), este tiene una historia creíble que ayuda a construir la imagen del escenario en el que transcurre la trama.

Desgraciadamente, no todos los aspectos de esta producción son positivos. En ocasiones el hilo del guión se hace difícil de seguir; pareciera que los cincuenta minutos por episodio no siempre alcanzan para desarrollar satisfactoriamente los misterios. Por este motivo, no es inusual que las conclusiones de algunos capítulos se den de manera forzada o apurada. En otras ocasiones, la sucesión de escenas también puede resultar confusa (probablemente fruto de la falta de tiempo para el montaje o de un diálogo poco fluido entre director y editores). Por último, los abundantes tiroteos y peleas son demasiado lentos y no están particularmente bien filmados. La acción es el gran talón de Aquiles de las producciones de países con una industria del cine poco desarrollada, y esta no es la excepción.

En conclusión, Sakho y Mangane es una propuesta que funde los tópicos de seriales policiales a los que estamos tan acostumbrados con una personalidad propia profundamente anclada en su lugar de procedencia. Los lectores que hayan llegado hasta este punto merecen saber que esta serie, estrenada en 2019, solo cuenta con una temporada. Pasados cuatro años, una continuación parece poco probable. Sin embargo, los que se vieron intrigados por esta atípica propuesta no se deberían ver acobardados por este prospecto; después de todo Senegal es una tierra de misterios profundos, tan profundos que quizá sería ingenuo pretender su respuesta.

El amor es una mujer gorda es una película de Alejandro Agresti. Esta producción, tan original como ignota, representa una bella reflexión sobre la (omnipresente) dictadura argentina (1976-1983) al tiempo que experimenta con convenciones cinematográficas y temáticas, marcando lo que sería el estilo de la década venidera.
La trama sigue los pasos de José, un soñador de izquierdas, un escritor frustrado que deambula por la ciudad de Buenos Aires, incapaz de encontrar un empleo que le satisfaga o de mantener los que están a su alcance. José está herido y por eso carga contra todo: contra sus jefes del periódico, que son unos hipócritas cobardes; contra la sociedad argentina, que se cae a pedazos entre desempleo e hiperinflación; contra su puta suerte, por que el amor de su vida lo abandonó sin siquiera decirle adiós. La historia avanza a ritmo pausado, entre monólogos y escenas mediante las que el espectador armara, pieza a pieza, la historia de José y la fuente de su desdicha.
Más alla del tema tratado (para nada novedoso en el cine argentino, incluso en 1987), lo interesante es el ángulo desde el que se lo aborda: no vemos los horrores de la dictadura sino que presenciamos la agonía de sus sobrevivientes. ya pasó la euforia de la vuelta a la democracia y la depresión económica llegó para quedarse. Esta producción elige retratar los aspectos no tan románticos de la lucha por la verdad y la justicia. Además, el ritmo casi procedurial con el que se desarrolla la historia y la carga metanarrativa del guion harían mella en las futuras generaciones de directores de cine, resultando en producciones tan únicas como 76-89-03, en la que no puedo evitar pensar cuando veo esta película.
Por su puesto que una película con tal carga emocional no funcionaría en absoluto sin un reparto a la altura de las circunstancias. Afortunadamente, todos los interpretes de esta producción están impecables. En particular destaca el protagonista, Elio Marchi, actor inexplicablemente desconocido, con tan solo un puñado de producciones en su currículum (muchas de estas dirigidas por el miso Agresti). Marchi interpreta exquisitamente a este hombre roto que es José, al tiempo que recita potentes monólogos con mucha dignidad y sin caer en el ridículo (cosa más fácil dicha que hecha).
El apartado técnico de esta producción también es notable. El ritmo de la edición y el manejo de la cámara están una década por delante de lo que era el cine argentino en aquella época. Por otro lado, esta película hace gala de una banda sonora verdaderamente exquisita que funde motivos de tango y jazz para crear una atmósfera que atrapa. Desgraciadamente, esta musicalización Compuesta por el músico holandés Paul van Brugge ha sido perdida al tiempo; por mucho que busqué y rebusqué no fui capaz de encontrar una versión limpia de la misma. Adicionalmente, varias escenas se desarrollan al ritmo de la música del flaco Spinetta (del grupo Pescado Rabioso, más precisamente); todo un detalle para los fanáticos del rock nacional.
Por su puesto que sería injusto adjudicarle a Agresti todo el crédito de la renovación del cine argentino el la década de los 90'. En 1986, un año antes del estreno de esta producción, Eliseo Subiela presentó su primera gran película: Hombre mirando al sudeste. Se pueden encontrar muchas similitudes entre los estilos de estos directores: ambos debilidad por la poesía, ambos ponen en primer plano los sentimientos de los personajes y su vida interna, los dos tienen un oído privilegiado para elegir bandas sonoras.
En conclusión, El amor es una mujer gorda es un interesantísimo hito en la historia del cine nacional. De a ratos se vuelve difícil de seguir por su laxa estructura narrativa, de a ratos da la impresión de que todo va a terminar en la nada. Pero cuando llega la escena final todas las piezas del rompecabezas que estaban esparcidas sobre la mesa encajan. Recomiendo esta película a todos los interesados en explorar esta temática desde un punto de vista fresco y personal, siempre y cuando no se sientan intimidados por algunas escenas un poco lentas.

Justicieros es una película de Anders Thomas Jensen. Esta producción se asemeja a un gran colage de ideas, géneros y tonos, algunos más acertados que otros.
La trama sigue los pasos de una serie de personajes que se ven conectados a causa de un trágico accidente en un tren urbano. Uno de los sobrevivientes de la catástrofe, un científico experto en estadísticas, recluta a sus colegas para investigar lo que, a su juicio, no es una triste casualidad sino un atentado programado. Como parte de su plan el científico contacta a Markus, marido de una de las víctimas(que, casualmente, resulta ser un militar veterano recién llegado de Afganistán). Es entonces que la búsqueda de la verdad deviene en una sangrienta puja por "la justicia" que no dejará a nadie indemne.
Si la sinopsis que acabo de hacer es acotada en exceso, esto se debe a la complejidad de la trama de esta producción. En esta se funden múltiples personajes e historias; la trama avanza rápidamente, saltando entre el drama, la comedia y la acción. Desgraciadamente, no todas las piezas de este rompecabezas están al mismo nivel de calidad.
Las secciones de esta película que tratan sobre el proceso de superar traumas son las mejores. La combinación de drama y comedia funciona, reforzada por unos personajes creíbles (aunque un tanto excéntricos) y sus relaciones. Pero periódicamente el guion pasa de la comedia dramática a la pura acción. En primera instancia el cambio tonal puede tomar al espectador por sorpresa, pero a medida que transcurre la trama la falta de inspiración de estas escenas se vuelve evidente. De la misma manera que una emisora de radio puede pisar la frecuencia de otra, resultando en la transmisión de una canción de Jimmy Hendrix con estribillos de Carlos Gardel, estos tiroteos insípidos parecen estar invadiendo la historia inicial.
En conclusión, Justicieros consta de muy buenas secciones de comedia dramática contaminadas por pinceladas de acción monótona que hay que ver para creer. Las bases para una película notable están presentes: buenos personajes interpretados por actores de primer nivel; una historia imaginativa, con un eje temático que actúa a la vez como elemento novedoso y metáfora sobre el mensaje de la producción. Incluso el pasado militar de Markus juega un papel importante en el tratamiento de los temas centrales de la trama, aunque en también sirva como lamentable excusa para filmar tiroteos en los que despacha enemigos cual terminator.
Si crítico tan duramente a Justicieros no es porque la haya odiado, sino porque me rompe el corazón ver como la adopción de elementos innecesarios (aunque muy de moda hoy en día) puede afectar negativamente a su calidad final. Aún así, pese a estas frustraciones, no puedo dejar de recomendar la película. Eso sí: futuros espectadores, sepan a que atenerse.