Con “The whale”, Aronofsky vuelve a inmiscuirnos en vidas sin escapatoria como ya habría hecho en “Black swan” y “Mother!”, con personajes atrapados en sí mismos, a la vez víctimas y verdugos de su presente.

Merecen ser destacadas las interpretaciones de Brendan Fraser, que nos invita a sentir con una profundidad exquisita, junto con las de los actores secundarios: Sadie Sink, Ty Simpkins y Hong Chau, que nos acercan a la crítica y la compasión en perfecto equilibrio. Cabe destacar también el guion, repleto de diálogos brillantes, precedentes de la emoción y reflexión de los espectadores, a los que hace cómplices y partícipes de lo que acontece. Mediante un caso tan particular como el que se desarrolla en la pantalla, Samuel D. Hunter nos dibuja, en forma de emociones comunes, enlaces a la trama de la que cada uno somos protagonistas día a día. También la música juega un gran papel anunciando las actitudes del protagonista, a su vez antagonista, como un Dr.Jekyll y un Mr. Hyde, como un Moby Dick y la ballena.

Gran guiño al pulso que aún hoy echa la sanidad privada en EEUU, colocando a las personas en la tesitura de elegir entre alargar la vida propia o asegurar la del que viene. Generando una deuda con uno mismo; una deuda con la vida y con la muerte que pelean por ver quién sacará más. Deuda también es la que queda con todos los que acompañaron a cambio de nada. Queda ese nada. Con los que fueron abandonados, repudiados o no correspondidos. Deuda de simplemente estar.

La gran verdad de la violencia nos ahoga en un abrazo sin escapatoria, que clama la libertad de unos en el final del proyecto inacabado de otros.

Sorogoyen apuesta en este, su último largometraje, por filmar en un entorno poco habitual, en una aldea gallega que nos traslada al gran problema de la España vaciada; sin embargo, descubrimos que la trama partirá del parche, del intento de repoblación.
Racismo, acoso, tozudez, son las píldoras sobre las que se asienta una línea perfectamente trazada, sin exceso ni defecto, que con lo justo nos sitúa en el lugar de cada personaje, proponiendo un recurso mucho más eficiente que el drama coral y que nos hace dudar de nuestros propios prejuicios. Encarnamos al otro lado de la pantalla sintiéndonos víctimas al hombre que tras su jubilación pretende promocionar realizándose personalmente; a los hermanos que, alcanzado el medio siglo de vida, sueñan con escapar de lo que el destino les ha pronosticado; a la joven que, arrastrada por un cúmulo de malas decisiones pretende que confíen en sus consejos. Mirar hacia otro lado nos queda prohibido, somos cómplices, nos aprieta la incertidumbre del cuándo, porque el qué lo conocemos pronto.

Y, acabada la persecución, quedamos sorprendidos al darnos cuenta de que podemos respirar, apreciando ahora mucho más este aire, nuestro aire.

Juan Diego Botto se estrena con esta película en la dirección después de una larga carrera como actor, respaldado por la producción de la que habría sido su compañera en sus inicios en la interpretación, Penélope Cruz.

Nos introduce en un mundo de tensión y tragedia ya desde el primer fotograma, una imagen inmersa en el ruido, presentando el tinte documental con la cámara en mano, la ausencia de música, la pureza de las interpretaciones, y, por supuesto, el fin de denuncia social.

Da la sensación de que el director y el personaje interpretado por Luis Tosar se interrelacionan al intentar ambos abarcar tantas historias para hacerlas justicia y no conseguir inmiscuirse del todo en ninguna. Así, al espectador se le queda cierto vacío por no poder enfocarse en la empatía requerida por cada protagonista, viendo gran parte de lo que sucede desde los márgenes, como bien dice el título.

Debo admitir que Penélope Cruz me ha sorprendido positivamente, después de haberme dejado algo decepcionada en su anterior papel en "Madres paralelas", ya que llega a ser creíble hasta el punto de sentir que se están viendo escenas reales en ciertos momentos del largometraje.

Es interesante la representación de la sociedad que mira hacia otro lado cuando el problema no le toca directamente a través de Raúl, el personaje de Christian Checa, y cómo al verse dentro de la injusticia, al tratar directamente con las víctimas, dejan de pasarle desapercibidas estas tragedias aunque le sean ajenas, lo que supongo que era el fin último de la película, pero en este caso en la realidad, haciendo partícipe al espectador de la comunidad.

Es, en definitiva, una película que llega, tal vez no tanto por la estructura coral elegida, pero sí por el egoísmo que inevitablemente llevamos por venda y que nos hace empatizar con aquello que nos podría pasar.

Un pájaro enjaulado, preso de su fallo. La libertad le encierra de nuevo en la venganza.
Una niña acariciando la jaula, un padre enjaulado acariciando a su hija.
La esperanza, el motivo se van y el pájaro vuelve a esconderse tras los barrotes, se envuelve en si mismo, se enreda en su pena y todo lo mancha.
Cuando el daño ya está hecho, no hay sangre ajena que limpie el dolor propio.

Encuentro el guion algo enrevesado, incluye muchos personajes y esto provoca que sea difícil de seguir para el espectador y que vaya perdiendo en algunas ocasiones el interés.

Debo destacar la actuación de Natalia de Molina, que representa de manera impecable el dolor de la madre que pierde a su hija. Dolor que se intensifica con las canciones, muy bien escogidas, como “Me quedo contigo” cantada por Rocío Márquez.

El filme se divide en tres "capítulos", cada uno con un título que anuncia en qué se va a centrar, pero que se entiende una vez finalizado.

Sobre todo al principio cuesta entender algunas conversaciones debido a la pronunciación y a que algunos sonidos eclipsan a las voces de los actores.

Es esencial la pregunta de la niña hacia su padre, Mario Casas: “¿Tú eres malo o bueno?”, y es que al final la trama gira en torno a ella, pues el protagonista va pasando de un adjetivo a otro creando un dilema ético en el que sumerge al público.

Se incluyen varias contradicciones como la de la comunión (la iglesia) y la delincuencia (el pecado); la niña, símbolo de la inocencia con su padre, criminal; la libertad frente a la prisión; la niña bailando tras el fuego. Y todas ellas llevan a la exaltación del dilema del bien y el mal, separados por una línea tan fina que parecen llegar a fundirse el uno con el otro.

La escena repetida de la niña bailando en el fuego nos recuerda el por qué de todo lo que ocurre, así como la imagen del tatuaje de la mariposa, que se va borrando según transcurre la película, y según va perdiendo su libertad al condenarse a sí mismo el protagonista (vuelve la metáfora del fin del vuelo, como la del pájaro enjaulado).

No solo se habla de la historia del núcleo familiar protagonista, sino que se ven implicados en la trama otros muchos temas como pueden ser la corrupción o el mundo alrededor de la droga.

He reconocido también algunos detalles lorquianos, como las reyertas entre familias y la matriarca que sufre por sus hijos (“Bodas de sangre”); lo gitano (“Romancero gitano”) o la mujer estéril (“Yerma”).

Santiago Segura se embarca con este, su último proyecto, en un remake de una película original francesa “Attention au départ!”, al igual que su anterior largometraje, “Padre no hay más que uno”, que también era remake de una película del director argentino Ariel Winograd.

Al no haber visto la original no puedo comentar las similitudes que tiene con ella ni saber hasta qué punto Segura ha modificado los detalles, por lo que me limitaré a comentar exclusivamente lo que he visto asumiendo que todo aquello que no pertenece al hilo de la película, como pueden ser los chistes o algunas situaciones absurdas, son originales del último director.

Habiendo visto las anteriores de Segura sí que me he percatado de que reutiliza recursos que empleaba en las otras, y no me refiero solo a algunos de los actores, sino por ejemplo a las enumeraciones redundantes en las que se intercalan escenas cómicas o las conversaciones telefónicas que se contradicen con lo que está pasando, así como la repetición de la idea de los padres irresponsables, o meter chistes para el público adulto. También aparecían en las otras cintas cameos realizados por cómicos y actores, como Antonio Resines, Joaquín Reyes o Josema Yuste.

Una de las pocas novedades que encuentro es el personaje del villano interpretado por Florentino Fernández, algo que recuerda a las películas Disney y que acerca la trama al público infantil.
Creo que es valiente cómo Santiago Segura se ríe de su propia sobreactuación dentro de la cinta asumiendo previamente que iba a ser criticado por ello después.

En cuanto al mensaje que trata de transmitir, es también similar al de sus anteriores películas: la importancia de que los padres pasen tiempo con sus hijos. Esto se refuerza con la metáfora del viaje que da la oportunidad del cambio.