[SPOILER] El deseo, el presente, el sueño, el futuro, el recuerdo, el pasado, la desinhibición y percepción a través de la borrachera nos hablan todos de la MENTE, la engañosa mente. El cuerpo y el espíritu como un todo pueden ser mostrados con autenticidad, así como lo falso y lo torpe del comportamiento social. Representar lo patético del deseo, representar la mente jugando con nuestra alma. ¿Pueden todos estos conceptos enseñarse con el mismo tratamiento en la puesta en escena? Es este el gran juego que propone una y otra vez nuestro querido director de Corea del sur. No solo pone a un mismo nivel todas estas percepciones de la mente sino que también quiere que el espectador lo perciba todo al mismo tiempo.

Hong Sang-soo se mueve sobre terreno conocido para explorar desde lo banal de cualquier acto físico a lo etéreo de la vida que se posa sobre ellos. Con unas ideas que podría decir que son como moverse dentro de escalas musicales y sus escalas asociadas, (como son la cuarta y la quinta, o cambiar de escala menor a mayor respetando los sostenidos y los bemoles), sus películas me recuerdan bastante a las reglas de la armonía musical. Y todos los músicos saben cuán lejos se puede llegar con conocimientos de armonía y cuánta música se pueden hacer dentro de esas reglas, Hong Sang-soo con sus bases repetidas puede ir cada vez más a fondo y pulir algo que muchos otros no han siquiera intentado rozar.

La nueva película de Hong Sang-soo es esto, una pequeña joya ligera que no se te escapa de los dedos, es imposible no verla hasta el fondo y eso la convierte en una experiencia completa, quién conoce su cine sabe de qué va, pero ni la expectativa ni la predecibilidad pueden superar la experiencia de ver Right Now, Wrong Then. No hay piloto automático, no hay inercia, hay siempre búsqueda hacia eso que solo puedes saber que tienes mientras lo estás registrando.

Contar su premisa central, es de lo menos interesante de la película. La película se compone de un mismo relato contado dos veces con variaciones, hay quienes ven claramente que las dos variaciones sobre unos mismos diálogos, locaciones y personajes hablan de la posibilidad de ser sincero (la segunda vez que nos cuentan la historia) y la posibilidad de ser falso (la primera) en el encuentro y deambular de sus protagonistas mientras están juntos. Yo he visto otra cosa, pero es que el autor es lo que quiere conseguir con cada una de sus películas:

“Mis películas se construyen sobre situaciones muy concretas, pero no buscan deliberadamente transmitir ningún mensaje. Quiero que provoquen reacciones individuales, muy diferentes las unas de las otras”.

Lo que más me ha llamado la atención del tratamiento de la historia es cómo los personajes son desdibujados, el simple hecho de cambiar la emoción de un personaje lo convierte en otro, su visión del mundo cambia y entonces él también cambia, es un cambio en apariencia sutil, pero esa sutileza sencillamente lo cambia todo. Poner como premisa a dos personajes que son totalmente desconocidos el uno del otro es un recurso práctico para la presentación de personajes pero también da el juego de que pueden relacionarse de cualquier manera, es tan rotundo ser honesto como ser falso en un contexto como ese. Los diálogos están muy estudiados, es por eso que pueden perderse y encontrarse en la improvisación, la libertad atada de esos diálogos, así la línea narrativa a veces sigue su rumbo mientras que otras cambia y podrían haber muchas más variaciones en el vínculo que se construye entre ellos y por tanto lo que se vuelve acción y suceso, pero es muy inteligente cómo también Hong Sang-soo se preocupa de la ligereza que sus películas tienen que poseer, tanto en su tratamiento como en su duración.

Para resumir, la cantidad de elementos que consigue transmitir son para sacarse el sombrero: hay metacine, hay juego en la estructura, hay juego en la ficción, hay juego en representar lo patético, autoconocimiento y sentido del humor más que risas. Una película imprescindible y llena de sabiduría. [FIN DEL SPOILER]

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Una cinta que se come con patatas un cachorro, y esto con toda la intención de sus realizadores. Es en este elemento que la película tiene su singularidad, porque a diferencia de muchas otras películas donde la utilización de un perro consiste en añadirlo como un elemento humorístico, acrobático o simpático, aquí el perro se hace con el propósito de resaltar la fragilidad. Aunque el perro no esté presente físicamente en alguna secuencia, en la mayoría de ellas estamos más preocupados de él que de cualquiera de los personajes.

Últimamente veo en muchas películas el subtexto de la muerte de cierta masculinidad, esta es otra más donde claramente unos modelos masculinos quedan como lo que son: aberrantes e innecesarios, dando otra alternativa para quienes busquen nuevos referentes.

La película también gana en mostrar a un jefe chulesco que no es jefe, solo un monigote, algo que no recuerdo haber visto antes. El guión sabe de lo que habla cuando habla de perros en basureros y de ambientes laborales patéticos en el mundo de los bares.

Así que diremos que es una peli simpática, que se ve fácilmente con un final malo, sobre todo el papel que juega el policía, les encantará a los amantes de los perros, con un guión efecticista y peliculero pero con cierta sobriedad narrativa y estética.

La fotografía es bastante irregular y exagerada, con mucha intención pero le faltó presupuesto. Y no solo es excesiva en su estética y en su duración, sino que lo es en todo: mucho humor, mucha sangre, mucho drama, mucho decorado, mucho color, mucho efecto, mucho plano, mucho montaje, mucha cancioncilla... y no terminas de pillar hasta dónde llegará.. digamos que la gracia de la película es que capítulo a capítulo se hace impredecible. Y con todas sus imperfecciones, es una película con personalidad, interesante en su discurso, muy redonda en cuánto al desarrollo de los personajes, las relaciones familiares y sociales en general. También nos deja claro el homenaje y la sátira al melodrama televisivo que no sólo se compone de telenovelas, también de noticias e hitos históricos y populares.

El amor y la ausencia de él es el gran tema de nuestra época y hay películas japonesas que como ningunas otras saben reflejar perfectamente lo perdidos que estamos en cuánto a los afectos y la importancia de ellos, sobre todo el de los padres hacia los hijos y entre ellos.

Es la primera película que veo de este director, y dan ganas de ver más, un señor que filma con bastante ingenio que cuenta una historia dispersa pero que sabe unir de un modo muy espectacular e inteligente. Una película con alma e intención, cutre y divertida.

Secuestro-Síndrome Estocolmo. Parejas-Síndrome de Estocolmo.

Cuando la pareja gana aislándose del mundo. ¿Hay tanta diferencia entre las relaciones de parejas convencionales y lo que vemos en esta película? Un hombre que no es capaz de empatizar con su víctima/objeto de deseo, un ser con complejos de inferioridad que siente que para tener alguna oportunidad de que lo quieran, debe aislar del mundo al otro (donde no exista comparación, competencia ni compartir con otras personas). Una víctima que engaña para sobrevivir. Una mujer aterrorizada, pero con capacidad de engañar, de hacer creer lo que haga falta para intentar librarse sana y salva. Un hombre que no le importa que el otro no se sienta libre, que sufra, lo importante es que sienta lo que el quiere, obligarlo a sentir lo que él quiere, todo es egoísmo. Manipula una y otra vez: con la furia de no tener lo que quiere aterroriza pero mide su terror y vuelve con la mejor cara, la mejor actitud, eso crea un desgaste monstruoso, por un lado hace que ella baje sus defensas y por otro que vuelva a subirlas. Minando las capacidades, destruyendo la fuerza interior de una persona. Vamos, chantajes emocionales de una vinculación tan intima y tan poderosa que se va metiendo en el inconsciente.
Se es todo lo amable que se pueda ser sólo si se obtiene lo que se quiere, solo si la víctima hace lo que se quiere.

La psicopatía es la incapacidad de ponerse en los zapatos de otro, de no sentir una pizca de culpa. Nada tiene que ver con el amor este tipo de relación, es más bien la necesidad de tener a otro, de estar acompañado, limitando la vida del otro, aislándolo de amigos y familia.

El reflejo de las enfermizas relaciones de pareja donde el amor (que es generosidad) no existe.

Corto pero útil documental para iniciados con una de las entrevistas más torpes que he visto, con una valentía de parte de los muchachos realizadores de atreverse a quedar mal parados en pos de obtener unas respuestas sencillas pero gratificantes de parte del realizador Bresson.
Recomendaría verla después de un repaso por su filmografía y sobre todo de su última película El dinero.
No hay que confundir pesimismo con lucidez nos dice Bresson. Cuando tienes a un director con tanto que poder contar sobre sus ideas es evidente que no puede salir tan mal. Encuentro que este material es torpe y por lo mismo me parece notable y curioso. Bastante imperfecto pero que tiene elementos valiosos si lo ves como lo que es y no lo que podría ser. Un par de muchachos muy jóvenes un tanto perdidos pero con cierto instinto y una total admiración.
Te deja con ganas de leer sus libros y profundizar más en su cine.