Recién salido de la sala me pongo a teclear aturdido y gratamente emocionado a la vez por un poso agridulce que me ha dejado esta comedia dramática paródica que se acaba convirtiendo en una oda a las primeras luchadoras anónimas, las cuales, desde el ámbito más privado —al margen de soportar con una abnegación casi heroica el trato machista y violento de sus parejas— empezaron a poner límites y a romper una cadena de malos tratos esclavizantes a partir de su propia voluntad y el apoyo colectivo de otras mujeres anónimas y solidarias.

Ante todo quiero destacar que "Siempre nos quedará mañana" ha sido un gran éxito en Italia incluso por delante del fenómeno Barbenheimer. Nos situamos, pues, en Roma durante la primavera del año 1946, en una familia muy modesta donde Delia comienza el día recibiendo una bofetada de su marido Ivano cuando todavía están en la cama y antes de iniciar una jornada agotadora de trabajo doméstico y pequeños trabajos puntuales. La familia la completan la joven Marcela, sus dos hermanos más pequeños y el padre convaleciente de Ivano. Un panorama desolador que apunta una chispa de esperanza utilitarista con el noviazgo de Marcela con Giulio, un joven con un negocio familiar aparentemente próspero.

Para aclarar un poco el tono que se crea con la película podemos decir que el dramatismo violento incluido en la trama deja espacio para escenas y momentos que apuntan un absurdo irónico, escenas musicales bastante ingeniosas o la nostalgia de una época singular. La actriz, ahora convertida en directora novel, Paola Cortellesi, en un prometedor debut, viste una cinta con una impronta muy personal aunque a veces la cantidad de edulcorante sea algo excesiva para mi gusto. En cualquier caso, pesa mucho más haber conseguido plantear una historia bastante entretenida, con una trama de intriga en paralelo y perfilando un retrato veraz y reivindicativo del empoderamiento feminista anónimo que logró sembrar las primeras semillas necesarias para que el movimiento y la consecución de derechos básicos sea una realidad incipiente en la actualidad.

Una película bien realizada que nos deja para el recuerdo momentos únicos —destaca la panorámica inicial donde en una caminata hasta el mercado se hace un retrato sociológico diverso de situaciones y personajes del barrio, construyendo una obra irónica llena de esperanza dentro de una época oscura a partir de una mujer protagonista llena de luz y vitalidad. (8)

Javier Macipe convierte a "La estrella azul" en algo más que uno de tantos biopics, los cuales, en muchos casos sólo son unos relatos lineales sin alma. Consigue regalarnos una inmersión en el mundo de la música argentina emulando el viaje iniciático que Mauricio Aznar, cantante y compositor de "Mas birras", realizó allá por los años 90 huyendo del pozo de oscuridad en el que estaba. El director no sólo nos relata la parte final de la vida de Mauricio con una solvencia y una sincera emotividad sino que también nos hace partícipes de dos viajes diferentes y complementarios a la vez.

El primero es el que hizo por Argentina con la intención de conocer a Atahualpa Yupanqui para acabar acogido por la familia Carabajal, una auténtica saga de músicos de la Chacarera con los que congenió al margen de aprender los secretos del estilo para acabar volviendo a la península con la firme intención de montar una gira de esta saga de músicos liderados por Carlos Carabajal.

El segundo viaje sería el de la misma película, en la que podemos destacar unas magníficas y acertadas escenas de metaficción donde toma protagonismo el mismo guion en papel, las sesiones de casting con un reencuentro que conmueve, la aparición genial de toda una orquesta en un bar de barrio o la rotura entrañable dentro de un caos controlado de la cuarta pared en una escena final musical donde buena parte del equipo técnico de la película acaba bailando con la familia Carabajal actual. Una escena que destaco porque, en mi opinión, es una de las más conseguidas y apasionantes de todo el cine que he visto esta temporada. Es en estas escenas donde el director demuestra un atrevimiento y una profesionalidad que no son demasiado habituales en una ópera prima.

No podemos pedir más: una apasionada biografía y dos viajes inmersivos. Y todo ello con una realización admirable y singular, con un respeto inigualable por la parte musical —todo está grabado e interpretado en directo— y consiguiendo con seguridad sacar del anonimato a Mauricio Aznar (ya se habla de una humilde repetición de fenómeno "Sugar man"!). (8,5)

Priscilla Beaulieu vive literalmente encerrada en una base americana en Alemania donde está destinado su padre militar. Para una adolescente de trece años el aburrimiento es inevitable aunque, por casualidades de la vida, puede conocer a un joven soldado que está haciendo el servicio militar pero que ya arrastra una encomiable fama como cantante de rock. A pesar de la diferencia de edad de diez años la extraña conexión se produce de una forma que la directora Sofia Coppola sabe mostrar perfectamente. Ella lo idolatra de una forma inocente y sumisa. Él encuentra consuelo y más bien la considera una posesión donde reflejar la idea de amor romántico perfecto en línea con la imagen que muestra en sus canciones. Una relación envenenada y desigual desde el principio y que, a pesar de la boda y el alumbramiento, la lenta pero firme maduración de ella aunado con el comportamiento —con consumo de drogas de por medio— cada vez más violento de él provoca un inevitable divorcio en 1973.

Veinte años de una vida junto a un hombre idolatrado y egocéntrico donde se retrata con mucho acierto el vacío existencial de vidas aparentemente perfectas y con todas las posibilidades a su alcance. Un retrato y su accidentada evolución que se nos muestra sin golpes de efecto melodramáticos y apelando mucho más a la sutileza de las imágenes y la fotografía para contagiarnos una extraña sensación situada entre el espejismo ilusorio y el temor angustioso. La directora exhibe una extrema habilidad en el montaje y edición tanto de la música —en la banda sonora no hay ningún tema de Elvis tal y como se puede comprobar la lista de Spotify— como en las escenas e imágenes centradas del todo en los aspectos más cotidianos de la Priscilla sin caer en el agujero negro que podría suponer mostrar las giras y filmaciones del ídolo.

La difícil tarea interpretativa para encontrar el tono ajustado queda bien resuelta tanto por la Cailee Spaeny como por Jacop Elordi, quien recordamos por su destacado papel en la serie "Euphoria".

Aunque en la parte final me da la sensación de que hay algo que chirría algo "Priscila" es una película consistente, coherente en las formas y el relato, solidez en los papeles protagonistas y con el magnetismo necesario para transmitir esa atmósfera propia y sutil de unas vivencias íntimas y singulares. (7)

Primera sorpresa al empezar la película: el formato de la pantalla es un 4:3 que concentra la atención mientras deja en los márgenes que no se ven todo un puñado de incógnitas que, a medida que avanza la cinta, se van convirtiendo en auténticos dilemas que superan con creces lo que podría ser más racional. Y si no, parad a pensar unos instantes con la frase que cuelga del aula de la actividad de revista del centro escolar en el que se sitúa toda la trama: "La verdad está por encima de cualquier vínculo". Un lema muy interesante para futuros periodistas pero que puede desconcertar pensándola un poco a fondo.

Estamos en un centro escolar de secundaria alemán, concretamente con Carla Nowak, profesora de matemáticas y de Educación Física y tutora de un grupo de alumnos de unos doce años a los que intenta acompañar con unas buenas dosis de empatía y diálogo permanente. En cuanto las sospechas por una serie de robos recaen en uno de sus alumnos las cosas empezarán a complicarse. A partir de una postura inicial protectora, sus sospechas y su ansia la llevan a ir al fondo de la cuestión sin prevenir en ningún momento que los "efectos colaterales" de sus pesquisas acabarán convirtiéndose en una auténtica pesadilla .

Al margen de la trama en forma de thriller que inicialmente puedes llegar a inquietarnos, la habilidad del director Ilker Çatak recae en plantear desde el principio toda una serie de dilemas morales al poner en un conflicto casi delirante lo que sería una política de tolerancia cero del centro educativo con los pequeños robos frente a los métodos utilizados para una resolución efectiva y rápida. Todo ello, además, con la aparición, a partir que el asunto va agravándose, de toda la variedad de prejuicios y manías de profesorado, alumnado y familias que se van poniendo en evidencia consiguiendo, finalmente, un retrato inquietante de lo que sería un reflejo en pequeño formato de todo el entramado social en el que estamos inmersos.

Que nadie caiga en la trampa de que todo lo que se plantea se limita a los centros escolares. En mi opinión, un mérito a destacar de la cinta recae precisamente en su capacidad para interpelarnos desde el primer minuto sobre disyuntivas presentes en cualquier estructura social con la voluntad de resolver conflictos tan habituales como pequeños robos poniendo en evidencia la fortaleza de la comunidad a la vez que se dejan entrever sus debilidades, prejuicios y desigualdades.

"Sala de profesoras" con un estilo casi de documental intrigante e impecable, dosis de tensión necesarias, buenas interpretaciones y un final que todavía me inquieta consigue enfangarnos hasta el cuello con una serie de cuestionamientos que nos preocupan por la complejidad y las consecuencias de las respuestas, las cuales se dejan para nuestro arbitrio. (8)

He esperado tres días para dejar que bajara el suflé del placer que sentí durante la proyección y por lo menos un día después. El primer comentario que salió de mi boca fue que todavía estaba conmocionado. Solo deseo que el poso que ha dejado "Pobres criaturas" perdure para siempre.

La película es una auténtica desmesura en el aspecto estético y formal a la vez que también lo es a nivel narrativo sin dejar de lado su capacidad para exponer temáticas diversas e interesantes. Podríamos decir que a partir de una reinterpretación del mito de Frankenstein el director griego Yorgos Lanthimos nos arroja a un vertiginoso viaje de aprendizaje a través de Bella Baxter —mujer joven salvada y resucitada con un cerebro nuevo e inmaculado gracias a las especiales habilidades del excéntrico cirujano Godwin Baxter y que tendrá que pasar necesariamente por todas las etapas de crecimiento y maduración. La primera parte en blanco y negro transcurre en la mansión del científico donde Emma Stone da vida de forma magistral a esta nueva persona que, con la inocencia y la ausencia de prejuicios de una niña, lo está aprendiendo todo: desde las coordinaciones básicas a las normas de convivencia social más sencillas. A Bella no se le permite salir de casa aunque a medida que despierta su curiosidad por todo lo que queda en el exterior empieza a realizar algunas salidas acompañada en carruaje.

La segunda parte, donde aparece el color, se inicia con la aparición de Duncan, el abogado de la familia y un auténtico bandarra, que aprovechará el descubrimiento iniciático del placer sexual y las ansias por "ver mundo" de la Bella para raptarla y llevársela de viaje "de eterna luna de miel", donde ella irá saliendo poco a poco del engaño inicial de Duncan para ir descubriendo otros placeres y otras formas de disfrutar de la existencia más allá de un hedonismo endogámico y desenfrenado. En este fantástico viaje por diferentes ciudades del mundo vivirá una auténtica aventura de maduración en la que irán surgiendo variedad de disfrutes, la empatía, la conversación, la solidaridad, la lectura, las diversas formas de afrontar la vida, la amistad y finalmente y, cómo no podía ser de otra forma, la confrontación con su pasado para acabar de empoderarse definitivamente de su destino y quedarse con la amabilidad y la entretenida convivencia.

Toda la línea narrativa se despliega ante nosotros con un universo estético singular, de un barroquismo encantador y que con la utilización de ojos de buey y planos panorámicos acaba resultando una experiencia cinematográfica única por su impacto y su capacidad de transmitir significados de una actualidad y un humanismo sin paliativos.

"Pobres criaturas" lo tiene todo —y no me he extendido en las interpretaciones más que notables encabezadas por un Emma Stone que deslumbra—, es cine que conmueve a través de una narrativa ingeniosa y divertida a la vez que te impacta por la variedad de aquello que transmite, es cine que te deja con ese regusto de haber tenido una experiencia vital con el deseo de que no se olvide. No es poco. (9,5/10)