Al parecer la influencia de José Luis Borau como guionista y productor fue fundamental. Algo que ya se remarcó en su época de estreno. Posiblemente la mezcla de influencias de Borau y Armiñán se equilibraron, complementándose.

Obra compleja, tratada con seriedad, delicadeza, muestra con tacto y de forma respetuosa la situación de Adela, de quien no podemos burlarnos, pues vaya desgracia que tiene.
Sobria, sin exageraciones, no busca el morbo mas bien lo rehuye. No hay sermón ni moralina.

Como tal, no es una “comedia costumbrista”, pero contiene los mejores aspectos de este tipo de obras. Resulta un clavado retrato de la sociedad de entonces, (el llamado tardo-franquismo)
Muy buen guión.
Cuidados detalles, a todo lo largo de la película. Sobria, y sin caer en histrionismos
Excelente ritmo narrativo.
Las interpretaciones… de quitarse el sombrero.
Fotografía. Localizaciones etc. muy bien escogidas. La primera parte es en una población de la costa de Galicia,

Damos por hecho que Adela debe ser consciente de que no es una mujer normal (tiene que afeitarse), por lo tanto, le acechan muchas inseguridades. Queda alarmada al tener un pretendiente.
Como persona religiosa y socialmente respetable que es, está muy cercana a la Iglesia, y un joven sacerdote cuyo buen comportamiento está fuera de dudas, le orienta a solventar su problema, vía consultas médicas.

Y Adela se convierte en Juan. La palabra trauma se queda corta.

Tiene que convertirse en otra persona y cambiar radicalmente de vida, costumbres, rutinas… con todo lo que eso conlleva. Es muy difícil adaptarse. Si como Adela era difícil, como Juan en Madrid, otro tanto, pues ni siquiera tiene preparación para ganarse un salario.

Pero no todo va a ser mala suerte y desgracias. Primero, aunque transcurre un tiempo, pasa a ser varón legalmente (lo que le da acceso a sus cuentas en el banco y disponer de sus propiedades)
Y también porque hay quienes le han querido, y le seguirán queriendo (amando) que es el caso de Isabelita.

Varios grandes directores del cine, tales como Cuckor, se deshicieron en elogios con la película, director y actor protagonista, cuando la vieron, por estar entre las 5 seleccionadas al Oscar de “película de habla no inglesa”.

Considero una suerte ver esta película teniendo ya una cierta información de a que estilo pertenece.
Es lo que me ocurrió, que al haber leído algunas criticas elogiosas y bien razonadas (no recuerdo cuando, ni por quien estaban escritas) me ayudó a poder apreciarla, porque de lo contrario yo habría quedado desorientado, sin entender de que va.

Es cine experimental? Tal vez sí, desde luego contiene bastantes características.
Es cine Personal? Sin duda alguna.
¿En que se inspiró? Es una incógnita, dado que Gonzalo Suarez es un creador activo y de prodigiosa imaginación.

La forma de narrar es “a su aire” pero con detalles bien cuidados, aunque pueda dar la impresión de que es descuidada y que no se la tomaron en serio cuando la filmaron.
Nada de eso. (Ver spolier)

La viuda de un escritor que ha conocido la hipocresía del éxito, contrata a Ditirambo (el mismo día del entierro de su marido) para llevar a cabo una venganza.
Yelena Samarina interpreta a este personaje que aparece al principio, muy bien dibujado y consecuente, pues no se trata de una mujer estrambótica - aunque por su comportamiento lo parezca- quien al despedirse de Ditirambo, le aconseja “Afeitate!” frase o actitud que, aunque parece que no viene a cuento, resulta algo propio de una persona con los pies en el suelo, que se fija en detalles “intangibles”. Algo que encaja perfectamente tanto con la historia como con los personajes que a continuación veremos aparecer, en buena medida ridículos o con un toque de locura.

También al principio, ya con Ditirambo trabajando para lo que se le ha contratado, está la sátira del moribundo poseedor de mucho dinero y la maleta que llenan con billetes. Podría decirse que la secuencia es un tanto boba, pero sumada a otras secuencias medio absurdas, irán enriqueciendo la narración.

Todas las relaciones o encuentros con otras personas son atípicos en el sentido de inesperados o ilógicos para el espectador, pero Ditirambo reacciona como si fuese lo mas normal (habitual)

La banda sonora, un acierto.

Al parecer Helenio Herrera, fue parte importante de la producción.

Como referencia:

De las mas de 25 versiones que conozco de la canción “Nobody knows you when you are down and out” las mejores son aquellas que el/la cantante transmite la sensación de haber pasado tiempos difíciles, humillaciones y otros sufrimientos. La letra y el carácter triste y de queja que se llegue a dar en su interpretación, nos advierte de lo mal que se pasa cuando nadie quiere saber nada de tí, porque has caído en la pobreza y necesitas ayuda.

Pues lo mismo en esta obra: Un alma hermosa luchando contra la soledad, miseria, y otras difultades.
La actriz principal transmite muy bien estar agobiada por problemas económicos que le empujan a la indignidad.
Por otra parte, el protagonista masculino borda el papel de joven impulsivo e idealista, y así en general.

Se trata de una tragedia donde sobraría el glamour.

Sin embargo no le falta elegancia, ni tampoco intriga. La narración (sucesión de escenas y secuencias) es ágil y algunas situaciones, espontaneas e incluso realistas.
Teniendo en cuenta que es cine, pues se trata una película, y no de una tesis doctoral ni un documento firmado ante notario; de ahí que no han de considerarse como fallos, ciertas inexactitudes y licencias, pues convendría tomarla como una historia de amor imposible, y dado que “la realidad suele superar a la ficción” no hay problema en aceptar algunas exageraciones, pues en general está narrada con una conseguida sensación de realismo y autenticidad.

Como trasfondo tiene el enigma de que ciertas cosas, que en tiempos de paz ni se plantearían, en tiempos de guerra, cuando los acontecimientos se desarrollan mas acelerados y se aceptan otras circunstancias excepcionales, puedan funcionar bien.

Tanto en el Séptimo Arte como en otros aspectos (religión, por ejemplo) saber usar símbolos o mitos es fundamental, precisamente para transmitir información por otras vías aparte de las intelectuales. Es decir emociones.

Un detalle menor, pero que yo lo valoro: la sordera de cierto personaje, que en otras circunstancias resultaría una pelmada repetitiva para el espectador, está bien manejado. Confirma que Whale era un excelente director de teatro y cine. Y por el conjunto de su obra, no se le puede negar sensibilidad

Se le llegó a comparar con Orson Wells: de joven fue un gran dibujante y de adulto un gran pintor.
Antes de director de teatro fue actor y decorador. Sus éxitos en el teatro inglés (dio el empujón de salida al actor Lawrence Olivier) y luego norteamericano llamaron la atención de Hollywood, entre otros trabajó para Howard Hugues en los diálogos de las primeras películas sonoras. Tambien colaboró a que grandes actores europeos, como Claude Rains etc. tuviesen carrera en EEUU.
Puesto que venía del mundo del teatro, y no del cine mudo, brilla su capacidad de usar y aprovechar las capacidades del cine sonoro, (los ya mentados diálogos) pero es que además captó rápidamente las técnicas de filmación ya existentes. La representación visual del monstruo de Frankestein, convertida en icono cultural, es obra suya (cráneo plano, cicatrices, ropas que no son de su talla…)

Película correcta y bien resuelta, contada por caminos nada trillados, sino lo contrario: atrevida y por lo tanto arriesgada, es decir valiente, al mismo tiempo que llena de sensibilidad.

Una característica de la Cinematografia: entre las herramientas de las que se dispone, está la insinuación, que bien usada da lugar a obras de gran calidad (por ejemplo “Lolita” de Stanley Kubrikc)

“En Manticora” el director Carlos Vermut, ha manejado muy bien la interpretación, ritmo, silencios, montaje, elipsis etc. para contar una historia, destacando el acertado uso de las metáforas, haciendo que sea un film casi “redondo” donde todo compagina, con la excepción del final (o secuencias finales) un tanto forzadas

El que pueda resultar una película incomoda es un logro. Que sea triste es “conditio sine qua non”

Comprensible que decepcione a muchos espectadores, pues no trata de cómo Howard pudo crear historias míticas, con un estilo propio, que le dio tantos admiradores, sino de la relación entre el joven pero ya reconocido Howard que tiene mucha fe en si mismo como escritor, pero socialmente tiene comportamientos de inadaptado, pues vive en su mundo literario y una joven maestra, Novaline Price, de afirmado carácter.
Dicha relación no puede ser rutinaria, hay periodos difíciles, sin embargo devienen grandes Amigos.

Está bien contada (y filmada) con diálogos llenos de sustancia, que además los guionistas han sabido proporcionarles un toque de espontáneidad.

Es justo valorar a Robert E. Howard por su imaginación (Artística) y por el uso de las palabras para expresar ideas o sentimientos (lo que pueda tener de Poesia, que no es poco)
Por otra parte, él era como un niño grande, con muchas de las características, principalmente positivas, de los niños. Pero este aspecto no se idealiza, ya que le ocasiona sufrimientos.
(Tal vez poseyera un alto coeficiente intelectual)

Único defecto, que es un poco repetitiva.

La mejor obra de su director Dan Ireland, Seguro que Onofrio como productor, influyó positivamente.