Es tierna, creo. Es bonita, creo. Salen unos abuelotes entrañables (actorazos todos), que hastiados e incomprendidos deciden disfrutar de su retiro en un exótico hotel de la India. Pero luego llegan y no es tan exótico ni tan hotel. Vamos lo típico, como cuando las inmobiliarias te dicen eso de “Ocasión. Pisazo. A reformar”; pues que si picas te encuentras viviendo en Esta casa es una ruina. A partir de ahí es todo esperable, creo. La verdad es que no la recuerdo bien. Sé que era bastante moña y fácil, creo. Nada, que si queréis ver ancianos haciendo cosas molonas, alquilaros Cocoon (nótese la ironía en lo de “alquilaros”).

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Interesante y crítico documento de la situación actual dirigido por Costa-Gavras. Interesante y crítico hasta donde pude entender, porque es tan denso y complicado de desentrañar como una clase avanzada de matemáticas. Y más para mí, que, al igual que el Ministro Cristóbal Montoro, soy analfabeto numérico. De todas formas, el mensaje del exceso de poder y el poco ético funcionamiento de los bancos no se ve solamente en los números. ¡Qué cabrones!

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Hasta Sabina quiere ser una chica Almodóvar, como la Maura, como Victoria Abril. Y es que a la hora de dirigir mujeres, el director manchego es un auténtico maestro. Rossy de Palma, Chus Lampreave, Bibí Andersen, María Barranco, Penélope Cruz, Loles León, Marisa Paredes, Cecilia Roth, Antonia San Juan y todo el elenco femenino que ha vivido nervios, desamores, fantasmas y secretos dentro del personal metraje de Pedro Almodóvar han terminado convirtiéndose en iconos de su cine. Si hablamos de Todo sobre mi madre, Volver o Mujeres al borde de un ataque de nervios, todas ellas excelentes películas suscritas al difícil género del melodrama, estamos hablando del éxito de sus intérpretes femeninas. Ya es diferente cuando hablamos de ellos. Los Bandera, Bosé, Arias y alguno más, han sido, a veces, adjetivados como almodovarianos. Pero en mi humilde opinión, es con Los amantes pasajeros donde han nacido los auténticos chicos Almodóvar; se llaman Carlos Areces, Javier Cámara y Raúl Arévalo. Eso ya es algo a positivar.

Los amantes pasajeros es una película colorista a lo Ágatha Ruiz, pero cuyas críticas se fraccionan, sin término medio, entre el blanco o el negro. Las metáforas de la crisis son aceptadas desde puntos de vista intelectuales, hipermetafóricos y prácticamente cifrados. O desde el documental directo y sin fisuras. O desde aquellas películas que te hacen salir del cine blasfemando contra el poder y clamando “¡hijos de puta dónde nos habéis metido!”. Almodóvar siempre ha sido diferente y, obviamente, su visión de la realidad vigente no iban a ser barcos que se hunden o enormes sociedades sin escrúpulos; su enfoque iba a ser su enfoque: una clase turista drogada para que no vea lo que está ocurriendo y una primera clase donde actores de culebrón, videntes, banqueros usureros, asesinos a sueldo, madames y jóvenes que parecen sacados de Gandia Shore se despliegan a sus anchas y sin esconder su afán. Todo eso, aderezado con la pluma de altos vuelos que nos proponen los azafatos y pilotos de un avión con destino a dar vueltas y vueltas en busca de un aeropuerto vacío. Premisa lógica a todas luces la de su argumento, es en su guión donde el avión parece en ocasiones un barco que se hunde; pero mira, ahí está la metáfora involuntaria. No es una película para mi estantería, ni siquiera creo que merezca la pena ser descargada. (¡Oye que te estás contradiciendo!). Pero si estás un domingo con dominguitis frente al televisor y ves al Deseo S.A. presentándola, es una alternativa, a ratos muy divertida, a la ociosidad y a la continuada merienda dominical.

Habiendo leído la cruel crítica de Boyero, habiendo escuchado la opinión de bastantes amigos y conocidos y habiendo visto el trailer y la objetiva opinión de Días de cine, a mí no me engañó nadie. Además, el mismo Pedro Almodóvar la comparó con una mezcla de Aterriza como puedas y La jaula de las locas, ahí queda dicho. Y si ha todo esto le unimos que la vi en un cine de reestreno y que redescubrí a un trío de actores en estado de gracia, pues no me dolió pagar la entrada.

Dicho esto, y sabedor de que Almodóvar hace siempre el cine que le sale del coño, yo también he dejado mi subjetiva impronta para que, ahora, el que quiera se suba al avión de Aerolíneas Península. Abstenerse banqueros, políticos y homófobos; amén de todo aquel que siga esperando una película de arte y ensayo. Que empiece la lapidación.

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Lo único que sabía de esta película era que había ganado el Oscar al mejor documental en la última ceremonia de los premios de la Academia y que trataba de un cantante estadounidense, de origen mexicano, que en su país fue un total desconocido y en Sudáfrica, sin que él lo supiera, vendió miles y miles de copias de sus dos únicos discos. No sabía nada más. Ni siquiera sabía que el documental era de origen sueco y dirigido por un desconocido de nombre poco memorable, llamado Malik Bendjelloul. Tampoco era conocedor de su estilo musical: una especie de mezcla entre Bob Dylan y Jefferson Airplane, con unas letras demoledoras y suburbiales llenas de tristeza y crítica social. Y por supuesto, tampoco sabía que ese cantautor que actuaba en antros llenos de niebla de los barrios periféricos de la desolada ciudad de Detroit se llamaba Rodriguez.

Esa historia de extrañas casualidades, y alguna pequeña alusión más, hicieron que me acercará al único cine que la proyectaba. Y menos mal que no leí nada más. Porque contar algo más de lo que pasa en un cuarto de hora de metraje es spoilear una trama llena de giros argumentales y sorpresas. No es sólo un documental al uso, es un thriller, un drama, una comedia, un musical, una película de animación y un biopic. Y si Argo está basada en hechos reales, está es una película real. Y sí, ganó el Oscar en la categoría de largometraje documental, pero podía haber ganado el premio en muchas más categorías; incluso en la categoría reina.

Así que solamente hablaré de esos primeros quince minutos de Searching for Sugar Man: Stephen “Sugar” Segerman, dueño de una tienda de discos en Ciudad del Cabo, nos introduce en tres minutos, y antes de los créditos, en la vida de Rodriguez. A continuación, viajamos hasta Detroit para ver cómo fue descubierto por dos productores en un pequeño local, tocando de espaldas al público. Después de dos discos —Cold Fact (1970) y Coming from reality (1971)—, la ilusión desvanecida de un nuevo Dylan y el silencio total del público, no se supo más de Rodriguez. Sin embargo, a más de 13.000 kilómetros de distancia, gracias a una de las mínimas copias que vendió su primer disco y a un turista comisionado de su palabra, Rodriguez empezó a cambiar a toda una generación y a convertirse en el icono musical contra el apartheid. Willem Möller, un músico sudafricano consultado en el film, comentaba: “A mediados de los 70, si ingresabas al azar en un hogar blanco, progresista, de clase media y que tuviera tocadiscos y una pila de discos de música pop, en esa pila ibas a encontrar, invariablemente: Abbey Road, de los Beatles, Bridge Over Troubled Water, de Simon & Garfunkel, y también, en todos los casos, Cold Fact, de Rodríguez. Para nosotros era uno de los discos más famosos de todas las épocas.”

Y eso es sólo el principio. A partir de ahí entramos en un proceso de indagación sobre el cantante. Una búsqueda de respuestas, perfectamente construida, con la banda sonora obvia y con animaciones en lugar de reconstrucciones. Una enorme película que dura muchísimo más de 85 minutos y que consigue que, al terminar Searching for Sugar Man, seas tú el que busque a ese tal Rodriguez. Yo ya tengo sus dos discos.

A positivar le secuencia en la que… No puedo decirlo, os jodería la película.

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Martha, una joven angustiada y repleta de dudas, abandona una secta en la que lleva cerca de dos años y pide asilo a su hermana y a su marido (¿De secta a secta? Quizá sí). A partir de ahí, el director nos descubre mediante flashbacks cómo ha sido su día a día en la secta, mientras vemos su inestabilidad, su búsqueda de la identidad y su mal rollito constante… Bueno, más o menos.

Positivar este film no es nada difícil, ya que estamos ante una buena película. Leyendo críticas de diversos medios, me he dado cuenta de que quizá el director no quería sacarle tanto partido a su producto. Que si no sé qué de el universo hitchcockniano, que si es como un drama campestre de los de Bergman o que si es un film psicológico y brutal como los de Haneke (toma ya). Yo creo que Sean Durkin, el realizador, debe estar algo asustado con los elogios. Pues una cosa es ganar en Sundance y otra que le comparen con los iconos de cada estilo de cine. Menos mal que en ningún momento del metraje se te escapa una sonrisa, porque si no estaríamos hablando del nuevo Billy Wilder de la América profunda o de un Blake Edwards de corte underground.

La cuestión es que estamos ante una película muy bien narrada, que te atrapa y no te suelta hasta que no ha pasado un ratillo de los créditos, sin manipulación, sin diálogos de esos antinaturales como los de las comedias indies y sin moralejas. Y además de todo, un final espectacular y poco complaciente nos cierra el círculo bastante bien. Eso sí, remarco lo de “poco complaciente”, pues no es una película familiar que va a gustar a todo el mundo. Pero a mí me ha convencido y tengo ganas de ver su siguiente trabajo; a ver si nos hace algo más estilo Antonioni, Kurosawa o del universo Buñuelesco.

Dar las gracias a los que traducen los títulos de las películas al castellano por no titularla La secta del diablo, Desmontando a Martha o Desvaríos junto al lago. Y felicitar a la pequeña de la saga de las Olsen (las gemelas de Padres Forzosos), por pasar de sus hermanas e irse a estudiar al Moscow’s Art Theatre School (sí, a Rusia, flipa); y al malo de la peli por ser tan inquietante y por cantar tan bien.

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