Después de la exitosa trilogía de El Señor de los Anillos y del más que aceptable remake de King Kong, Peter Jackson se embarcó en la adaptación de la obra literaria The Lovely Bones, escrita por Alice Sebold. A pesar de que leyendo el libro ya se podía adivinar por dónde iban a ir los tiros, muchos acérrimos de su cine asistieron pasmados a una película que poco o nada tenía que ver con las anteriores, y mucho menos con aquel espectáculo gore de los 90 llamado Braindead.

Bajo una dirección efectista, Jackson nos ofrece el relato de cómo una adolescente, tras ser asesinada, contempla desde un punto intermedio entre el cielo y el infierno la progresiva destrucción de su familia. Después de un primer tercio de película donde la intriga es la principal protagonista, una dosis de surrealismo se apodera de la pantalla, algo que no debería ser necesariamente un punto negativo, pero que en esta ocasión obliga al espectador a adaptarse a un nuevo terreno. De aquí no sale bien parado el guión, que se tambalea con cada paso que da, dejando misterios sin resolver y abriendo otros que son innecesarios. Hay escenas que por su carácter infantiloide parecen sacadas de un filme de los domingos por la tarde, y son a todas luces incomprensibles si observamos el currículum del director neozelandés.

Hay que valorar positivamente la actuación de Ronan, que cumple con nota lo que se espera de ella, recordando en su triste interpretación a aquella que realizó en Expiación. La poderosa a la par que intrascendente interpretación de la bella y cálida Rachel Weisz, sin embargo, contrasta con la fría actuación de un Wahlberg que desaprovecha un buen papel, otro más en su (de momento) infructuosa carrera. Por encima de todos ellos transita un arrollador Stanley Tucci, que nos envuelve de odio e irritación bajo su angustiosa mirada asesina, y que acaba siendo el verdadero artífice de que la intriga no decaiga en la parte final.

Un día cualquiera los habitantes de La Tierra miran al cielo fascinados, contemplando la aparición de un nuevo planeta. Sus potentes colores, mezcla de azul, blanco y verde, captan la atención de los focos mediáticos, preguntándose si habrá vida allí arriba. A consecuencia de ese cúmulo de asombro que invade al mundo, Rhoda sufre un terrible accidente que trastocará duramente su vida, y que a la vez le permitirá conocer al músico John Borroughs, víctima de una horrible tragedia.

A grandes rasgos, ese es el argumento de Otra Tierra. No es nada que no se haya visto antes en el panorama cinematográfico, más allá de alguna que otra pincelada en el guión y del enigmático final que nos depara. Por el contrario, es la fantástica atmósfera que crea el director en torno al personaje de Rhoda la que merece todos los aplausos. Cahill es capaz de construir todo un relato en base únicamente a los dos hechos centrales comentados anteriormente, y lo hace con tal maestría que no parece que Otra Tierra sea su segundo largometraje. Tampoco parece lógico que un guión tan pobre haya sido escrito por un director tan sobrio como él, que corta cada escena cuando hay que hacerlo, que no ofrece relatos intrascendentes que pudieran cortar el ritmo del filme, que nutre de personalidad a todo ser humano que aparece por muy espontáneo que sea. No es algo perfecto, evidentemente, y posee algunas lagunas derivadas del mismo papel de Rhoda.

Capítulo aparte merece la poderosa actuación de Marling. El cómo una joven, con un pasado brillante pero que tiene un aterrador futuro, es capaz de fascinar escena tras escena, es algo difícil de explicar, en tanto que es su primer papel en una película estrenada mundialmente. El premio a la mejor actriz del pasado Festival de Sitges no es en absoluto casualidad, y no sería descabellado verla entre la primera terna de candidatos a los Oscar. Tampoco es nada desdeñable la interpretación de Mapother (que hizo de Ethan en Lost), que caracteriza de forma totalmente creíble a un desgraciado padre de familia, aunque se ve afectado por los numerosos tópicos que arrastra el filme, y que indudablemente perjudican a su papel.

Al arrancar el pasado Festival de Cannes, Lars von Trier sorprendía (o no) a medio mundo con unas declaraciones en las que manifestaba abiertamente su simpatía hacia Adolf Hitler. Con la polémica generada y su posterior descalificación del concurso, poco o nada se habló de lo que a todos concernía: su última obra, Melancolía.

Y es que la extravagante personalidad del director danés parece reflejarse a pies juntillas en los argumentos de sus películas. En Dogville, su obra cumbre hasta el momento, ya demostraba su desconfianza en la figura del ser humano mediante un drama psicológico fuertemente atado en su guión. Anticristo, pese a sus altibajos, también dejaba entrever que algo no funcionaba en el cerebro de las personas. Pero en la obra que nos atañe el asunto ya es algo más serio: La Tierra se ve amenazada por el planeta Melancolía, y por ende la civilización humana corre serio riesgo de aparecer. Los cinco primeros minutos nos dejan claro el final, y sin embargo durante las últimas tomas de la película, von Trier consigue que se nos forme un nudo en la garganta ante tan angustiosa situación.

Quitando la mencionada escena inicial, lo cierto es que durante la primera mitad de la cinta no se nos ofrece plano alguno del planeta. Von Trier se centra plenamente en describirnos la feliz boda de Justine y Michael, rodeados de unos familiares que no parecen tal cosa, ya que cada uno representa un estilo personal de lo más variopinto. Asistimos sin embargo, y a pesar del distendido ambiente, a la progresiva destrucción de Justine, que en principio nos hará meditar, pero que en la segunda parte de la cinta quedará plenamente explicado.

La solidez del guión es, precisamente, el punto clave de la obra. Hay quien dijo que la fortaleza de una película reside en que el director y el guionista sean la misma persona. Von Trier parece haberse tomado esto a rajatabla, ya que ha escrito todas y cada una de sus películas. Melancolía no ofrece apenas resquicios en los que colarse, más allá de las interpretaciones que cada uno quiera dar al fenómeno científico que constituye el eje del filme. El director danés se ha preocupado de dotar a su película de un alma y ritmo propios, y las escenas van danzando una detrás de otra sin que de la sensación de habernos perdido nada.

Como apunte final, hay que señalar que Dunst está casi perfecta en su papel, lo que confirma nuevamente que es la película la que engrandece a los actores y no al revés. El plantel de secundarios del que se ha dotado von Trier también es realmente fascinante: Hurt, Skarsgård, Sutherland, Gainsbourg… Todos ellos, tal y como acostumbran, están sublimes.

Reconozco que no tenía demasiadas expectativas en esta película. Queramos o no, la publicidad sigue teniendo mucha fuerza en lo que a la promoción del cine se refiere, y en este caso tampoco ha ayudado que la obra haya llegado a nuestro país más de un año después de su estreno en EEUU (parece de risa si miramos el título). Pero después de ver los quince primeros minutos, descubres que estás ante algo realmente bueno.

Lo cierto es que, echando un vistazo a lo más profundo de la peli, no descubrimos nada que no hubiéramos visto antes. Son las interpretaciones y el ritmo que otorga Leigh lo que la hace grande. Lesley Manville está realmente extraordinaria, algo que no es nada fácil, ya que su papel podría haber resultado demasiado exagerado, casi avergonzante. Me parece una broma que ni siquiera la nominasen al Óscar, aunque ya sabemos como funciona la Academia. Broadbent y Sheen están perfectos, clavan lo que siempre he pensado que debía ser una feliz pareja que entra en la vejez definitiva. Todos los secundarios están realmente bien, pero destaco al breve y a posteriori sorprendente papel de Staunton, que ofrece un terrible punto de vista y mediante el cual se podría resumir toda la obra.

Como decía, tampoco se aporta nada nuevo desde el punto de vista argumental. Ya se nos ha ofrecido muchas veces lo que es la vejez, el cómo asimilar que uno ya no es el que era, ni desde el punto de vista personal ni mucho menos físicamente. Es Leigh quien agranda esta obra. Lo hace todo creíble, cortando cada escena donde no es necesario, con diálogos normales, sin frases prefabricadas. En ningún momento he pensado "esto es una película, no es real", porque de verdad creo que no sólo puede ser real, sino que situaciones como estas ocurren día a día.

Comento algo del final en el spoiler.

Vaya por delante que considero muy difícil sorprender en un campo tan trillado como es el terror. Las tropecientas películas que han tenido a zombies como el eje central pueden respaldar en cierto modo esta afirmación. Sin embargo, después de haber visto '28 semanas después', cabía esperar bastante más de Fresnadillo, el cual se ha limitado a hacer un copy-paste de todo lo visto desde el nacimiento del género, incluyendo la BSO, los rostros demacrados, el uso de ropa negra, los típicos sustitos que ya no sorprenden a nadie y un sinfín de aspectos que no cito para no sobrecargar el ancho de banda de FA.

El gran mérito que le atribuyo al director es haber elegido para uno de los papeles protagonistas a Ella Purnell, que calca plano a plano todo lo que se espera de una niña-adolescente en un filme de terror. Habrá que seguirla con atención porque tiene pinta de poder convertirse en una buena actriz dentro de unos años. En general, todo el reparto es correcto, aunque podrían haberse ahorrado un par de sueldos*, y debido al doble idioma en que está rodada (ENG-SPA) hay ciertos momentos un tanto confusos** (ambas cosas las pongo en spoiler por si las moscas).

Pero, sin duda, el mayor pero que le encuentro a la película es su resolución (tranquis, aquí no hay spoilers), previsible hasta decir basta. A los 15 minutos ya ves más o menos por donde van los tiros, y pasada la mitad prácticamente te puedes levantar e irte, porque lo que te queda por ver seguramente ya lo hayas adivinado. Pero por si acaso no lo has hecho, Fresnadillo te lo entrega todo mascado en el final, tanto que suena hasta insultante.

Huelga decir que me parece de lujo que el cine español no sea un mejunje de comedias chorra y dramas barriobajeros, y películas que intenten aportar un soplo de aire fresco son bienvenidas (como, en cierta manera, fue Celda 211), pero Intruders no aporta absolutamente nada nuevo al terror en nuestro país. Si quieres pasar miedo, es preferible poner Telecinco un sábado por la noche, porque el "malo" de esta película no asusta ni a un tierno niño.