Lynch es conocido como un genio, con todo el valor que trae dicha palabra, primero pintor que en búsqueda de encontrarle movimiento a su pintura entró en territorios de la animación y del cine luego, su camino artístico siempre nació por la búsqueda directa de lo que su idea quisiera expresar, o como definiera en su libro “Catching the Big Fish”, el nacimiento de una idea es atrapar al gran pez de un océano profundo como lo es la mente. En un nuevo quehacer en su arte ha escrito un libro dedicado a su obsesión por la espiritualidad oriental y por la meditación trascendental que practica desde hace muchos años.

Es más que conocido el estilo que tiene este autor en sus películas, un imaginario estético y narrativo que ha calado muy hondo en la cultura popular y hasta en el lenguaje, que ha dado al nacimiento del nuevo adjetivo “lynchiano”, que adquiere valor como epicentro del universo deformado, con su estética alterada, oscura y pragmática.

Así que una vez atrapada esa idea se abandona a la intuición y es la idea la que crea su entorno y su técnica, el artista entonces solo tiene que ser fiel a ella, así es que el autor ha desarrollado capacidades artísticas para la pintura, la animación stop-motion, la ilustración y el cómic, la fotografía, el videoarte, el cine, la actuación dentro de sus obras, la escultura, la música, la escritura, la poesía, el diseño de mobiliario o incluso para otras labores extra-artísticas como ser empresario o filántropo con su fundación que ayuda a personas con estrés post-traumático.

Se le considera más cineasta que cualquier otra cosa por esa realidad artística que posee el cine como compendio de casi todas las artes, tal como la ópera en el siglo XIX, donde la imagen se une al sonido para crear distintas atmósferas creativas, y es en este entorno en donde se ha permitido incursionar en todas estas artes par poder enriquecer su obra fílmica además de cuidar y participar en todos los detalles de la película para que el resultado final sea tan como la concepción de la idea que fue gestando en su mente, en ese sentido es un artista fiel a su forma de ver el mundo y a la creación de los suyos propios. Es un mago de los estados de ánimo, un titiritero de imágenes y sonidos que nos vuelve vulnerables ante su prodigiosa imaginación.

En este documental se explora toda su faceta como pintor y escultor, pero sobre todo descubrimos un narrador que nos cuenta en primera persona, con su característica voz nasal, las historias que lo movieron a hacer todo lo que hizo.

Cuando me enteré hace tiempo que Charlie Kaufman iba a dirigir una película animada en stop motion me carcomía la ansiedad y la curiosidad de saber que podía resultar de eso. Un guionista que siempre juega con el cine como quiere, al cual vengo siguiendo desde su ópera prima como escritor y luego las últimas también como director. Esta película es una anomalía como bien parecen decirnos sus protagonistas en un diálogo increíble.

Es la mejor película animada por lejos que he visto en bastante tiempo, adulta en todo sentido. Es notable que una de las películas más humanas que haya visto este año sea protagonizada por figuras no humanas. Kaufman crea universos en donde todo funciona distinto, no me deja otra chance que dejarme llevar, dejarme vencer por esa anomalía.

Una comedia con un primer acto burlándose de Nicolas Cage, pasa a un segundo acto celebrando todo aquello que le convierte en Nicolas Cage de forma delirante y demasiado efectiva (me declaro fan) pero al final el director se deja seducir por sus caprichos de convertir su película en una película de Nicolas Cage.

El segundo acto de meta cine me parece demasiado disfrutable, reí varias veces con risa estruendosa, econ ese Nick Cage que se parece más al de Adaptation que al de Face Off que termina queriendo ser el tercer acto y no lo logra.

Hablan de hacer una buddy movie solo de dos personajes que recién se conocen y se caen bien, pero que probablemente esa historia la quieran ver pocas personas (yo sería fan), por eso le ponen todo el picante que pueden para hacerla interesante al gran público, la propia película tenía la respuesta.

Pero claro, prefirieron apostar a un gran público que tampoco llegó, quise irla a ver al cine con una amigo y ya la habían sacado de cartel.

La última película del coreano Bong Joon-ho armó una revuelta en el Festival de Cannes sobre sí una película de streaming podría calificar para el premio mayor de la Palma de Oro, varios se rasgaron las vestiduras por el cambio de paradigma de la distribución final de los filmes, sin embargo (por más que estoy a favor de la discusión) bien se la podrían haber ahorrado, pues considero que esta película no vale tanto alboroto.
Tiene algunos conceptos que están geniales que se pongan sobre la mesa al gran público como lo es la industria de la carne y el manejo poco ético y despiadado de las corporaciones que la manejan, pero en lo que a cine se refiere la película hace aguas por todos lados. Cumple con el mínimo que se le pedía, pero considerando a quién está detrás de cámara y del guión esperaba mucho mejores conceptos, estilo y narrativa.
Boon Joon-ho nos trajo a principios de siglo una de las que sería de las mayores obras maestras del cine coreano: Salinui chueok (Memories of Murder) y luego sorprendiera al género fantástico con una obra ecléctica, combo de tantos géneros mezclados como fue la aparición del monstruo Gwoemul (The Host), pero en esta última pieza la obviedad termina ganando por cansancio, a cada escena sucede la siguiente escena más obvia posible en la cadena de sucesos.
Esperaba un ritmo más incisivo, mayor nivel de bizarrez, más considerando que se trata sobre un cerdo transgénico de gigantes proporciones, los personajes están tan estereotipados, incluso Okja, el cerdo en cuestión que parece un hipopótamo mezclado con Totoro, incluso hay una escena que copia a una de dicho personaje.
En la noche del estreno no se sirvió carne en el vernissage previo, para no herir la sensibilidad de los involucrados. Pero creo que lo que más falla es justamente eso, es una película que no quiere herir la sensibilidad y para mí debería ir a mucho más, la corporación dirigida por Tilda Swinton termina siendo demasiado limpia, es un tema que daba realmente para ensuciarse las manos, y mostrar toda la sangre detrás de tanta carne bonita.

Ir al cine a ver “La Sociedad de la Nieve” es toda una experiencia cinematográfica.

Es una película muy concisa, simple y directa, contada y filmada en tiempo real, o sea, un día antes del viaje, 72 días en la nieve y el día después condensados en una película de poco más de 2 horas. Es una experiencia visual y sonora de inmersión completa.

El guion es muy simple y que tiene mucho que ver con el evolucionar de la historia que ha tenido a través de que los sobrevivientes se hayan hecho cargo de sus propios pensamientos a través del libro de Pablo Vierci del que está basada la película.

Hay momentos en algunos diálogos que pareciera tener todo servido para pasarnos un mensaje de esos que nos tienen tan acostumbrados el cine de Hollywood y sin embargo los personajes se callan antes, de aplaudir esos silencios.

He escuchado a los sobrevivientes mil veces hablar sobre cómo han procesado esta historia, y la película bien podría hablarnos sobre todos esos puntos de vista futuros que cada uno procesó y sin embargo se queda solo en los en los hechos sucedidos en 1972.

Me pareció un recurso muy interesante que el punto de vista de la película esté puesto en la figura de Numa y no en el de alguno de los sobrevivientes. Logra hacer más vivido el dolor y lo casi imposible que era sobrevivir a todo eso.

La fotografía es hermosa, esos lentes angulares te meten de lleno dentro del avión o te someten a la inmensidad de ese cruel páramo en el medio de las montañas, aplauso, medalla y beso para la labor de Pedro Luque. Siempre un paso más.

La música también me gustó, bien Giacchino, metiendo algunos sabores musicales propios de Uruguay mezclado con la épica típica de este tipo de películas más grandes.

Las actuaciones todas muy convincentes, y una placer escuchar esta historia en acento uruguayo, aunque la mayoría de actores sean argentinos. Destacada la labor de Enzo Vogrincic y que por suerte si es uruguayo.

Por fin Bayona se está encontrando a sí mismo como un gran director. Soy de los que piensan que su anterior película con la que comparte temática “Lo imposible” me parece un fiasco, todo lo que haría un director extranjero que quiere llegar a Hollywood. Creo que haberlo logrado y filmar la secuela de Jurassic World le hizo entrar en ganas de contar historias más profundas y mejor contadas. Espero con ganas su próxima película, que al parecer va a tratar sobre la guerra civil española.