El Valley Forge es una impresionante y catedralícia nave de transporte espacial que almacena, mediantes unas enormes burbujas-invernadero, los únicos resquicios de biosfera terrestre que ha podido salvar de un planeta Tierra sucio y anclado en un altísimo nivel de vida que, no obstante, ha extinguido mediante la Tecnología, con contaminación a rastras , el Ecosistema natural del que durante siglos el hombre ha vivido y valorado en su más completa paz y serenidad. Pero son otros tiempos y el Futuro ha abrazado a la raza humana con el fin de no preocuparse por su entorno sinó por sí mismo. Y eso es en lo que se ha convertido el hombre: en un ser despreocupado y egoísta, que desconoce el olor, los colores y la portentosidad de la que en su día se llamó Madre Naturaleza.

Pero unos pocos como Freeman Lowell (Bruce Dern) confían en la desesperada misión de llevar los únicos restos de ecosistema a planetas más habitables. Pero después de seis meses de exploración por el espacio sideral, recibe con sus compañeros la orden de abortar la misión; regresar a la Tierra después de deshacerse de los invernaderos desacoplándonos de la nave nodriza y destruirlos fuera de su alcanze. Lowell, como un convencido San Francisco de Asís galáctico, impedirá cumplir drásticas órdenes ya que ha puesto sus expectativas en conservar en los únicos reductos que quedan de la amada Tierra, almacenadas en esas "burbujas", y que custodia con la ayuda de unos simpáticos androides cubículos.

Película que quedaría como un producto simplemente simpático pero que en su conclusión emociona a los acordes de los temas de Joan Baez, "Silent Running" y la preciosísima "Rejoice In The Sun" que resuenan en su angelical voz a través del espacio sideral donde Lowell evitará a toda costa que se elimine cualquier forma de vida no-humana aunque tenga que pagar con la suya. Su mensaje ecologista es el plato fuerte de un largometraje dirigido a principios de los setenta bebiendo de las fuentes de la generación "hippie" y la Primavera del Amor.

El especialista en efectos especiales Douglas Trumbull, nacido en California en 1942, y que había resaltado su currículum colaborando en "2001; Una Odisea del Espacio" (1968) de Stanley Kubrick, convirtiéndose en un todo un artesano en el género de la Ciencia-Ficción, elaboró en su escasa filmografía "Silent Running", su película más personal y con más o menos fortuna que la posterior y visionaria "Proyecto Brainstorm".

Arropado por Kathleen Kennedy y Frank Marshall, ambos mecenas de Steven Spielberg en su mejor época, el director que creó escuela con las atmósferas turbias y siniestras de "Seven", "The Game", "El Club de la Lucha" y la sobresaliente "Zodiac", adapta aquí un relato breve de F. Scott Fitzgerald que no viene a ser más un larguísimo paseo por la Norteamérica contemporánea de un ciudadano al estilo "Forrest Gump" sólo que su particularidad se destaca en su desarrollo de crecimiento físico a la inversa (nace con el cuerpo de un hombre de ochenta años y de allí para adelante, o para atrás, como se mire...).

Es destacable la labor del maquillaje; torturar la cara de Brad Pitt no es como para alegrar a sus fans, pero Fincher se las ha ingeniado con Eric Roth en el guión para que el protagonista de la función y su amada Daisy tengan sus momentos más íntimos a la mediana edad (y buena parte del film), por lo que sobran motivos de encandilamiento y emoción como si estuvieran repartidas en una enorme y pesada tarta de cumpleaños. Tampoco escasea en recursos aventureros (las evasiones y viajes de Benjamin y su amada, cada uno por su lado) enlaguidiciendo el metraje a casi tres horas y dejar de lado el suspiro para pasar al bostezo.

Lo Mejor: la fotografía
Lo Peor: ¿Por qué tan larga?

Amarga comedia dramática que refleja a modo de tema tabú las desventuras de Marco, alias "Patrice" (Eric Caravaca), gigoló que roza con futuras clientas llevando al margen una vida ajena que su propia mujer Fanny (excelente Isabelle Carré) ignora, a sabiendas que el sustento de su marido ayuda a llevar a buen recaudo la peluquería que ella regenta. Pero por eso nuestro sufrido ciudadano se encuentra con Judith (Nathalie Baye) una potencial clienta presentadora de un programa de Televenda que le reporta unos beneficios de trescientos euros por cita dos o tres veces por semana. Así ¿Quién no se apuntaría?

La directora de "Felpudo Maldito" que se permite un papel secundario como hermana de la madura protagonista que sucumbirá a los encantos de su amante, aborda una hisotria que desde siempre se ha enfocado desde la masculinidad chocante pero políticamente correcta(Pretty Woman) o en su diseccionada apariencia para acabar relatando un sentimiento de tormento (American Gigoló). Pero Balasko discurre en una realidad social (el ambiente familiar del que respira Marco) frente a otra más evasiva (los apacibles ratos del amante con Judith) y alternar así los distintos encuentros hasta fusionarlos en un conflicto entre tres, por lo que tan tema tabú sobre las relaciones de pago queda en nada. Josiane Balasko nos presenta un melodramón con ton y son.

Lo Mejor: el triángulo Baye-Caravaca-Carré.
Lo Peor: La jeanlucgodardiana e incordiante hermana de Fanny, Karin, interpretada por la actriz Marilou Berry hija en la vida real de la directora y vista en la película "Comme une Image" de Agnès Jaoui.

Producción italiana rodada en Estados Unidos y en Egipto que como pieza sobreexplotada del género fantástico al retomar cintas como “El Exorcista” (The Exorcist, 1973) de William Friedkin o “Poltergeist” (1982) de Tobe Hooper, es indiscutible. Aún así se trata de una cinta no tan “explotation” como pretende aunque sí que fue rodada por un italiano como Lucio Fulci, de lo más peculiar que pretendió ir más allá de los dogmatismos instaurados por maestros de su país como Mario Bava (la Máscara del Demonio) o Dario Argento (Suspiria) dejando su particular y sangriento sello, que por ser exportable le fue la mar de bien. Lucio Fulci fluía, en los ochenta, sus momentos de inspiración más altos convirtiendo los argumentos de sus historias en un amasijo de telas de araña que a veces se contradecía o perdía el sentido. De allí relucen joyas putrefactas como “Aquella Casa al Lado del Cementerio” (Quella Villa Accanto al Cimitero, 1981).

Rodada con la surrealista “El Más Allá” (lÁldilà; el tu vivrai nel Terrore, 1981), y haciendo empleo de la misma banda sonora a cargo de Fabrizio de Angelis, Fulci volvió a contar con su guionista Dardano Sachetti para sacarle jugo hemoglobínico a su nuevo disparate: una familia americana viaja a Egipto y mientras el padre investiga en el interior, lleno de sorpresas para amenizar una función que se prevé larga, de unas ruinas arqueológicas, su mujer y la hija hacen turismo. Una baratija que adquieren, por parte de la niña, se convierte en el ojo del huracán de una maldición concentrada en su regocijante apartamento neoyorkino a su llegada: puertas al inframundo, pájaros disecados que regresan a la vida, el protagonista aquejado de una extraña ceguera que lo atormentará hasta que se desvelen las intenciones de lextraña maldición,… Forman parte de éste trueque, no olvidable pero sí algo cansino en su composición. Pero qué hay que esperar de la mano de Fulci? Pues eso: lo inexplicable por explicable que éste grande del “gore” italiano podía entender a través de su ego.

Si en los años cincuenta y sesenta los péplums y superproducciones manufacturadas en EEUU pero rodadas, en su mayoría, en España e Italia, la entonces oculta cinematografía del Este (países bajo protectorado soviético) no repararon en gastos para rodar films de índole épico aunque algo modestos pero no ausentes de un subliminal mensaje socialista y orientado al pueblo.

Una gran película, metódica, abstracta y poéticamente marciana. Tomen nota en el plano inicial de los escarabajos peloteros, y en que claramente resume el estado de sumisión del pueblo por una minoría privilegiada, y que se traduce en la desfachatez de éstos pocos al ignorar, por ejemplo, las inútiles súplicas de un anciano para que no le destruyan el canal por dónde debría pasar agua y que ha construido durante años con sus propias manos.

“Faraón” es el ejemplo más claro de lo que Jerzy Kawalerowicz sugirió a los cinéfilos occidentales que ya empezaban a cansarse con discursos y moralinas pseudoreligiosas “made in Hollywood” ofrecidas en las estampitas retrógadas aunque bien logradas y convincentes “Quo vadis” (1951) de Mervyn Leroy, “Ben-Hur” de William Wyler (1959) o “La Historia más Grande Jamás Contada” (1966) de George Stevens. La película de Kawalerowicz también podría anteponerse a la colosal “Cleopatra” (1963) de Joseph L. Mankiewicz en cuanto a exposición de espectáculo. Y queda a años luz, obsoleto. Pero aún así el director polaco juega con la ventaja de enriquecernos con un discurso de contenido social intachable. La película nos introduce en las arenas ardientes de Egipto y Uzbekistán (exteriores rodados) así como los fríos y claustrofóbicos decorados que escenifican el palacio y el laberinto ya rodados en Polonia, una áustera alegoría sobre la lucha de poderes en contra de las convicciones de un pueblo (representado por un fictício Ramsés XIII que representa la esperanza de las masas) frente a los Sumos Sacerdotes de Osiris que custodian un Tesoro que podría salvar al pueblo egipcio de la hambruna y a punto de decaer en las garras de los enemigos sirios.