Incomprensión, dibujos, superpoderes, pubertad, incompetencia paterna, destrucción.

Una pareja que vive en el campo y no puede tener hijos biológicamente ve como un bebé cae del cielo a la puerta de su casa. Los observatorios habían seguido la trayectoria del “meteorito”, pero a nadie se le ocurre ir a visitar el lugar del impacto. Y los únicos testigos no solo no avisan a las autoridades o a algún especialista, sino que deciden adoptar al alienígena (no me explico mediante qué procedimiento) en vez de adoptar a una chinita o un haitiano.

Hasta aquí, nada que diferencie la historia de “Brightburn” de la de Superman. Hasta han puesto al niño un nombre con gancho de cómic: Brandon Breyer.

Los problemas llegan cuando los padres empiezan a intuir de lo que es capaz su hijo y no tienen estrategias para gestionarlo, lo cual ayuda a dar a este Superman un trasfondo más oscuro y realista, menos edulcorado.

Por desgracia, “Brightburn” es de esas producciones que dan por hecho que con una idea atractiva es suficiente, y se conforma con un guion perezoso que se sigue con poco interés. Contribuyen a su fracaso unos diálogos gastados (que no funcionaban ni cuando se inventaron) y una revisitación de lugares comunes del cine de terror y del cine superheroico sin llegar a ser ninguna de las dos cosas. Al menos la salvan algunas imágenes de sangre bastante logradas (una mandíbula por aquí, un ojo por allá...).

La frase: «A veces cuando a la gente le ocurren cosas malas es por alguna razón.»
El personaje: la “novia” (Emmie Hunter) de Brandon; pese a que empieza haciéndose repelente, va ganando.
La escena para el recuerdo: los créditos finales (sospecho que habrían sido mejor película que todo lo que nos hemos tragado antes).

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Profesores universitarios, mudanza, Johnny Walker etiqueta verde, chimenea, preguntas, confesiones.

Eso son un historiador, un antropólogo, un arqueólogo, una historiadora, una historiadora del arte, un psicólogo y una estudiante que se reúnen en una casa en las afueras y no son un chiste.

El motivo de la reunión es despedir al profesor John Oldman, que se va después de haber estado trabajando diez años en la universidad con esos compañeros. Se nota que John esconde algo, y finalmente se atreve a hacerles una confesión, o más bien plantearles una cuestión, que les mantendrá entretenidos toda la tarde.

Sí, la película entera es una conversación, pero una conversación verosímil que no se acomoda en el elemento sorpresa, que se desarrolla hábilmente y que ofrece algunos momentos emocionantes. Difícilmente podría estar mejor exprimida.

Los personajes que hay en escena, esnobs de manual, conforman la audiencia perfecta para responder a la cuestión que les propone el anfitrión, y se encargan de hacerlo contraatacando con todas las preguntas obligatorias para que la historia tome consistencia. Además, también sirven para mostrar distintas formas de afrontar la situación, con reacciones que van de la más juguetona a la más sentida y teatral. Eso sí, lo que todos se preguntan, en el fondo, es si John se ha vuelto loco, si no es quien creían, o si simplemente les está tomando el pelo.

"The Man from Earth" es una producción forzosamente modesta que se ha convertido en película de culto por sus propios méritos. Evitad todos los spoilers que podáis, y buscadla, si aún no lo habéis hecho. Ya veréis como en pocos minutos habrá captado vuestra atención y querréis participar en la conversación con John Oldman.


El personaje: John, claramente.
La frase: «¿Cuántos de vosotros conocéis a cinco genios de su campo con quienes no estáis de acuerdo?, ¿uno a quien no estrangularíais?»
La escena para el recuerdo: el momento de la revelación más… fuerte.

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Esta es una película en la que Caperucita se topa con el lobo e intenta escapar de él atravesando el bosque… y con el apoyo del bosque. La naturaleza será el aliado que le prestará ayuda hasta que ella aprenda a valerse por sí misma, supere al lobo y logre la libertad.

“Hunted” es una fábula reinventada con lectura feminista y pasada por el filtro “slasher”. Sí, es previsible (es una fábula), y sí, puede parecer que tiene algún golpe de guion demasiado conveniente (es un “survival”), pero no le faltan crudeza ni simbolismo, como tampoco escenas para enmarcar.

No dudéis en acompañar a Caperucita en este entretenidísimo viaje “gore” y con alicientes de sobra para destacar por encima de otras propuestas parecidas.


La frase: «¿Te duele?»
El personaje: el lobo, un personaje que ha sacado matrícula de honor en un cursillo de cómo ser el malo más malo.
La escena para el recuerdo: la intervención divina del jabalí homófobo.


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Antiguamente el mito del hombre lobo representaba las pulsiones salvajes del hombre, de la bestia que todos llevamos dentro y que intentamos ocultar y disfrazar con el fin de poder vivir en sociedad. Modernamente, la licantropía se ha reciclado como alegoría de los cambios hormonales de la adolescencia y postadolescencia (lo cual en realidad no dista tanto de los actos irracionales e instintivos).

En ese terreno, “Teddy” no descubre nada nuevo: nos habla de la transformación progresiva del humano en bestia a través de una sucesión de episodios relacionados con los sueños, los instintos, el ansia de carne cruda, la amnesia, etc. Aunque no sea original en la estructura, su principal atractivo es que entremezcla todo eso con una corrosiva crítica a la sociedad, a las tradiciones, a los jóvenes y a tantas otras cosas a las cuales basta poner un espejo delante para ver lo ridículas que llegan a ser.

Es una película con una factura técnica pulida, un buen uso de la música, planos juguetones y un gran reparto, pero donde brilla especialmente es en su capacidad para conseguir la reacción del espectador cuando se lo propone, ya sea una reacción de asco, cómica o de tensión.

El presupuesto limitado de la producción tan solo se evidencia en el último acto, y no permite a “Teddy” ofrecer un final a la altura de las expectativas generadas. Aun así, estamos ante una aproximación al personaje del hombre lobo que sobresale fácilmente por encima de la media a la que nos tienen acostumbrados sus adaptaciones cinematográficas.


La frase: «Pero si siempre comes Chocapic.»
El personaje: el tío Pépin (Ludovic Torrent).
La escena para el recuerdo: sin pelos en la lengua.


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Una tormenta eléctrica, un agujero de gusano, un televisor con antena, un matadero.

Si Nacho Vigalondo abrió la puerta al cine español de viajes en el tiempo con “Los cronocrímenes”, una película ingeniosa de bajo presupuesto, “Durante la tormenta” arriesga en la misma temática pero con justo lo contrario: un presupuesto elevado, muchos personajes, una amalgama de géneros y un metraje alargado. Y pierde.

Hasta “Sin fin”, con todos sus defectos, tiene un acabado más redondo y creíble que “Durante la tormenta”.

¿El problema principal? Sorpresa: el guion.

A partir de una premisa inspirada en “Frequency”, “Donny Darko” o “La casa del lago”, Oriol Paulo configura un drama romántico de ciencia ficción y policíaco que te va a plantear un montón de interrogantes… ¿Por qué el inspector (Chino Darín) habla casi todo el rato como si estuviera leyendo en voz baja? ¿Por qué se oyen risas en la sala cuando se hacen las explicaciones sobre los viajes en el tiempo? ¿Por qué se disfraza de gran “sorpresa” final lo que era evidente desde el minuto 1? ¿Por qué vuelven a oírse risas en el interminable clímax final? Hay demasiadas cosas que no funcionan, entre ellas la mezcla de géneros, y tampoco ayuda el efectismo de medio pelo en el que cae reiteradamente el director.

La parte de thriller aprueba, pero la de ciencia ficción satisfará únicamente a los neófitos en el género y la romántica es apta solo para fans del melodrama.

La frase: «Si no tienes hijos, tienes tiempo para ser el mejor.» Gran moraleja, sí señor.
El personaje: los de Javier Gutiérrez y Nora Navas, porque están en la trama más interesante y dicen más con menos palabras.
La escena para el recuerdo: padre, madre, hijo, espíritu santo y motosierra.

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