Hay algún que otro spoiler en la crítica.

Decepción. De esta me esperaba más, mucho más. La metáfora del apartheid adaptada a los extraterrestres está muy bien, además de todo lo que conlleva, como el tráfico de armas, de personas, etc. Sí, sí, muy bueno el tema de fondo. El problema, en mi opinión, es otro. La primera parte es entretenida, con el formato entrevistas y cámara en mano, pero se me hace farragoso igualmente; es una opción que no me convence mucho, pues hace que continuamente esté pensando que estoy viendo las noticias y no una película. Pero reconozco que esto es cosa mía. El verdadero desbarajuste llega a partir de la mitad, cuando el protagonista es infectado. La película, que se vanagloriaba de la originalidad, se encamina otra vez por el camino que tantas otras películas han recorrido ya. El protagonista deja de ser un capullo y se convierte en un héroe que, si bien antes era un palurdo un poco incompetente, ahora es capaz de manejar todo tipo de armas y hacer frente él solito a toda la tropa enemiga (destacar su incursión a lo Rambo en la sede de la multinacional). No sé, la presentación de la primera parte no casa mucho con lo que vemos en la segunda parte y eso hace que no la valore muy positivamente.

No sé cuándo ocurrió exactamente, pero hubo un momento en que en Japón se dejaron de hacer buenos anime. La época de los Cowboy Bebop, GITS SAC, Samurai Champloo, Wolf’s Rain o Mushi-shi quedó atrás; ahora los anime (de los manga no hablo porque no estoy tan metido como antes) parecen todos cortados por el mismo patrón, como si se les hubieran acabado las ideas y tiraran de rentas pasadas. El dibujo se ha uniformado, la animación ya no deja secuencias memorables, los personajes son estereotipos andantes y las historias que nos cuentan son mucho más convencionales, menos arriesgadas y con menos hondura que antes. Antes predominaban los animes cocinados a fuego lento, con mimo, atendiendo siempre a los detalles más ínfimos. Ahora ya no. No es que no haya anime de calidad (esto es un decir, porque soy incapaz de citaros ahora mismo uno), pero hay un viraje a la mediocridad, a la estandarización, que resulta preocupante.

Con el ánimo de encontrar alguna perla entre tanta decepción me puse a indagar cuál había sido el siguiente proyecto de mi queridísimo Shinichirô Watanabe, el creador de dos de mis series de animación favoritas, Cowboy Bebop y Samurai Champloo, y descubrí que había tardado 8 años en volver a ponerse al frente de una producción y que esta era Kids on the Slope (Sakamichi no apollon en japonés), un drama de instituto que combina el romance con la música jazz. Un argumento muy alejado del estilo de sus otras dos obras maestras: mala señal, pensé. Y me equivoqué, pero no por mucho.

Kids on the Slope es un triángulo amoroso de los de tomo y lomo, a ratos excesivamente convencional, empalagoso y previsible, pero a ratos sorprendente, porque aquí lo que se acaba dirimiendo no es quién se queda con quién ni tampoco se centra en recrearse en las peleas triangulares, sino que acaba girando alrededor de si la amistad es mucho más poderosa, valiosa y trascendental que lo que uno pueda tener con alguien a nivel mucho más íntimo. Porque al fin y al cabo, lo que acaba sosteniendo a estos tres personajes es la amistad que se cimienta entre Sentarou (el tipo fuerte y guapo, reacio a los sentimentalismos al principio, que viene de un hogar desestructurado y no se le da muy bien relacionarse con chicas) y Kaoru (el tipo enclenque, retraído y solitario incapaz de relacionarse satisfactoriamente con los demás), y no el papel que ejerce Ritsuko en todo esto (la chica que orbitará entre los dos, tierna y compasiva), tal y como aparentemente pudiéramos pensar en los primeros compases. Es aquí donde Kids on the Slope alza el vuelo y raya el notable, pero es el único palo que acaba tocando con atino, o de una manera que es capaz de remover algo en el espectador, porque todo lo demás acaba diluyéndose en nada.

Porque el jazz es una simple excusa para adornar las situaciones románticas; se echa en falta que los protagonistas lleven más allá su simple pasión por tocar en el sótano de la tienda de discos y se lancen a tocar frente al público más a menudo. Los capítulos pasan y apenas se habla de música y de los grandes del jazz. La BSO es notable, pero Yoko Kanno, al igual que Watanabe, es capaz de ofrecer mucho más (como las BSOs de Cowboy Bebop o Wolf’s Rain, que son dos obras maestras por las que debería pasar a la historia como compositora) y en Kids on the Slope no acaba de firmar un trabajo memorable. Además, fuera del ámbito musical, solo el triángulo y, más concretamente, solo la relación de amistad entre los dos personajes masculinos (y todo gracias a Sentarou, que es la pieza imprescindible para que todo funcione) acaba funcionando; porque la trama secundaria entre Junichi y Yurika es aburrida y previsible, y Ritsuko tiene un carácter excesivamente cándido y sumiso (supongo que el ideal masculino de los japoneses; caso extraño, porque las mujeres de Cowboy Bebop y Samurai Champloo eran mucho más complejas que ésta) que la edulcora en exceso.

En conclusión, estamos ante una serie entretenida, con algunos aciertos parciales, pero que acaba decepcionando; por un lado por lo previsible y acomodaticia que es la propuesta, y por otro lado porque sabemos de quién viene, y de Watanabe solo soy capaz de esperar la excelencia.

@Cinergicos

Simón no sermonea, pero tiene un punto de vista muy claro sobre la situación de la "pagesia" y de un mundo agónico que corre el riesgo de desaparecer. La caída del precio de la fruta está conduciendo a muchos agricultores a malvender sus tierras o a sustituir sus cultivos por placas solares. Y de cómo esas presiones del capitalismo y del libre mercado más feroz afectan al tejido más íntimo de las familias, de cómo las conduce a enfrentamientos fratricidas o a caer directamente en la frustración más absoluta. Esa habilidad de no sermonear se traduce también en el trabajo tras las cámaras, con un uso muy habilidoso del fuera de campo, por el mostrar sin enseñar. Simón y Vilaró capturan algunos momentos cruciales en la vida de esta familia, pero se deja otros, que solo podemos intuir. Porque también es un gran relato coral donde todos los miembros de la familia tienen su espacio, desde el más pequeño hasta el más mayor. Y es emotiva sin recurrir a recursos facilones, dejando respirar a sus personajes. Visca el cinema català!

La cuestión es esta: en un mundo neoliberal como el que empieza a consolidarse en Armaggedon Time y en el que estamos plenamente inmersos a día de hoy, si uno quiere “cosas” i prosperar no puede ser íntegro. Por eso Gray pone el foco en una familia de clase trabajadora que está por encima de la clase más baja (que simboliza el chico negro) y que, con mucho esfuerzo, tiene la opción de acceder al mundo de la élite (la escuela privada). Es una familia que debe escoger entre una cosa o la otra, entre ser íntegros y volver a la precariedad más absoluta, o intentar pertenecer a esa élite que se lucra explotando y destruyendo a los más desfavorecidos y así dejar atrás la precariedad. Es una lucha, consciente o inconsciente, en la que nos encontramos todos los que no estamos en el escalafón más bajo ni formamos parte de la élite, aunque queramos negarlo o mirar para otro lado (aunque, como bien le señala el abuelo, es muy posible que llegue un momento en su vida que vuelva a la casilla de salida y sufra lo que está sufriendo el negro). La solución del abuelo es la de luchar desde dentro: entrar en ese mundo de élite, pero sin olvidar en ningún momento de donde se viene ni perder la integridad por el camino. Y ahí tenemos colocado a nuestro protagonista, que sufre en sus propias carnes ese dilema.

Y Gray lo hace con una maestría tras las cámaras que ya les gustaría a muchos otros directores “sociales”. Además, ninguna escena es gratuita. Si tengo que elegir, me quedo con esas escenas en la escuela (como laboratorio de la vida real) que luego encuentran su réplica en el mundo real más adelante. Sigo en spoiler.

Chicos, por cinco minutos la habéis jodido...pero nos haremos ricos!

1. Si exceptuamos los últimos minutos, estamos ante una serie cocinada a fuego lento, que minuto tras minuto retrata el tormento de la pérdida de un ser querido, el lento proceso que supone una investigación policial (aunque se resuelva en 13 días, pero almenos no lo hace en una mañana como en CSI) y la imperfección de los protagonistas. Sin embargo, también estamos delante de un producto que en algunos momentos resulta tedioso (sobretodo en la trama familiar y política) y con giros argumentales cogidos por los pelos. Un balance que puede hacer que muchos caigan por el camino alegando que la trama no avanza...y los entenderé, pero también recalcar que mejora en su recta final.

2. Pero si añadimos en la crítica esos dichosos minutos finales...todo cambia. Todo lo construido anteriormente carece de sentido entonces (totalmente de acuerdo con la crítica escrita por maxbutch). Si la serie con anterioridad gritaba "No soy un producto policíaco manido", ahora aulla un "¿qué te pensabas? no vas a ver un nuevo producto". Sigo en spoilers con este tema.

Se nota que tras este estupendo final hay la cadena Fox, habilidosa en el arte de estirar el chicle hasta dejar el producto inservible (y si no vean el caso de Lost, que cada dia que pasa me planteo si rebajar la nota aún más).