Todo videojugador que se precie habrá probado o por lo menos oído hablar de la recreativa de Sega nacida como respuesta al tremendo éxito cosechado por Capcom con su 'Resident Evil'. Esta gloriosa máquina de disparos te proponía lidiarte a tiros con docenas de zombies y otras bestezuelas la mar de desagradables dentro de una de esas mansiones donde solo ocurrían cosas extrañas. Hay que reconocer que resultaba la mar de divertido canalizar la agresividad desmembrando a esos bicharracos, al fin y al cabo esa era la premisa fundamental de la dichosa maquinita, pero un director alemán, doctorado en literatura, debió ver algo más en ella que el resto del mundo…

Y entonces… sucedió.

Malgastar las palabras tratando de explicar porque esta "obra" es probablemente la más infecta de los últimos tiempos sería ir contra la naturaleza intrínseca de la misma; no puedo ver racionalidad en lo irracional; no puedo perder el tiempo gastando mis habilidades cognitivas para analizar esta subnormalidad (al contrario de lo que hice con la crítica a 'Troll 2', así que imaginaos el nivel de fetidez del filme a comentar). Así pues, anulada cualquier capacidad racional y cognitiva solo puedo decir que este ¿filme? es… una fusión de cine-videojuego-basura que mezcla escenas del juego con la película de forma perfecta, que utiliza trampolines para las escenas de acción sin molestarse en taparlos, que tiene la escena de acción más impactante jamás rodada…es… es… arte, es gloria, es misericordia, aporta calma al espíritu y colma los corazones, por muy contradictorio que suene, dudo mucho que exista alguien a quien no le guste esta película, y si dice lo contrario, miente, pues es absolutamente imposible no disfrutar de esta ensalada de mierda. Si Boll quería escribir su nombre en la historia del cine, lo ha conseguido, aquí comienza 'House of Dead', aquí comienza su leyenda.

*Como he dicho antes, no pienso hablar de "esto", pues hay que verlo para creerlo, pero para que os hagáis una idea os voy a dejar tres citas extraídas de una entrevista al dr.Boll, las cuales podéis encontrar en el DVD (¡Yo ya tengo el mio! ¿A que esperáis para adquirirlo?) que deben trascender obligatoriamente a la historia del cine:


-“Es fácil leer el guión, lo difícil es rodarlo, por ejemplo tu lees en el guión “el zombie cruza la esquina y descuartiza al hombre,” pero… ¿Cómo se descuartiza un hombre?”

-“"La dificultad principal era que en el videojuego, es el jugador el que dispara, en la película no podíamos hacer eso, necesitábamos una historia”

-"Hay muchas explosiones, creo que tenemos 280 efectos alrededor de unas 25.000 balas volando en total, y un mínimo de 200 zombis muertos en pantalla. Voladuras, explosiones, 15 explosiones, muchas localizaciones diferentes como, una vieja mina, una cueva, un laboratorio, una casa, un patio, una ciénaga, una playa, agua, bueno, de todo”

Jodida "obra maestra", siempre me sacará una sonrisa :)

@DavidCarideS

Hal Hartley, consagrado y actualmente en decadencia autor de cine independiente, siempre me ha parecido uno de los directores que mejor han sabido establecer vínculos emocionales con el verdadera corazón humano, a través la proyección de personajes atormentados sobre un mundo hostil. ¿Acaso hay más épico que la propia vida, y más valiente que el día a día? Su visión, por lo menos en su primeros trabajos a principios de los noventa, fluye deliciosamente emocionante entre los engranajes del melodrama trivializado; situaciones surreales, y protagonistas majaderos y felizmente papanatas forman un empaque tornado leitmotiv en dos notables películas (‘La increíble verdad’ y ‘A simple men’) y una obra maestra (la bellísima 'Trust') siempre bajo el estigma de las relaciones interpersonales, el amor entre parejas, padres e hijos, hermanos y amigos, como claro paradigma.


En 'Amateur', un Thriller de identidades perdidas y segundas oportunidades, Hartley cambia el paisaje de sus precedentes obras, sin renunciar a su propia identidad; su estilo realizativo, ingenio y alteridad no se venden al abordaje, del ya de por si, difícilmente definible, por amplitud, cine negro, sino que este configura la excusa perfecta para poner sus cartas sobre la mesa y hacer lo que mejor sabe: regalarnos una historia extraña, delirante, dulce, emocionante, muy humana, donde brilla Isabelle Huppert entre otros. Un empaque con la inherente reflexión del a menudo olvido de nuestra propia identidad; de lo que lo que queda más allá de la apariencia condicionada por la sociedad occidental, tejida por la economía, sobre la que articulamos nuestra propia vida. Hartley nos recuerda que son las personas quienes deberían influir en el sistema, y no a viceversa, tomando el género negro sin renunciar a su propia conciencia.

@DavidCarideS

blog: http://lazona-b.blogspot.com.es

‘El cosmonauta’, el primer largo de Nicolás Alcalá financiado íntegramente gracias al crowfunding (o eso dicen por ahí) se presenta bajo los estandartes del drama romántico intimista superpuesto sobre la excusa de la aventura espacial.

La producción, cuyo gasto ronda el millón de euros, resulta cuanto menos insólita por ambiciosa para tan escueto presupuesto; Alcalá se revela como un realizador de buena conciencia visual capaz de crear pulcros planos y encuadres que recubren de sensibilidad los escasos 79 minutos de película, a los que se añade un uso elegante de los efectos visuales. Desgraciadamente, aquí se termina lo destacable; la poesía solo se vislumbra como mera neblina en un desarrollo que no hace justicia al original concepto sugerido en un principio. El guión, escrito por el propio Alcalá, naufraga en su intento por emular el estilo acuñado por Terrence Malick en ‘Tree of Life’, a porrazo de un montaje extremo y situaciones melodramáticas envueltas en tristeza musical y romance hasta lo empalagoso.

Las sensaciones generales son de obra confusa y desestructurada en su desarrollo y montaje. Una película más preocupada por lograr la trascendencia que por tener los pies en el suelo.

@DavidCarideS

blog: http://lazona-b.blogspot.com.es

Probablemente el de WildStorm sea uno de los universos comiqueros con menos tirada en la pequeña y gran pantalla; y no es porque no desprendan la suficiente calidad series como ‘Planetary’ o ‘The Authority’. ‘WildCats’ vio su adaptación televisiva en una serie de animación poco conocida y bastante maja que apenas sobrevivió una temporada, mientras que la inmersión del universo en el campo del largometraje cinematográfico se ejecutó con la presente ‘Gen 13’.

Esta versión del cómic de Jim Lee interpreta con libertades el primer arco argumental del cómic construyendo un producto disfrutable pero definitivamente menor. No es que el propio ‘Gen 13’ original sea la panacea; personalmente me parece todo lo contrario. Ciertamente algunos números tienen dibujos bastante decentes, pero la siempre presente sensualidad me empachaba, me saca de contexto y consigue que durante sus primeros compases no me tome la historia demasiado en serio. Después se descarnaría la vena socarrona y la serie se volvería mucho más divertida (para mi gusto).

La película se asienta sobre esos pilares conservando lo bueno y lo malo sin que la balanza termine por decantarse por ninguno de los dos valores. Más que una película para cine, parece un episodio piloto alargado para una serie de TV con el agravante de que el final deliberadamente abierto no encontrará continuación. Destaca una correcta animación, de la que emana ese olorcillo de las series de superhéroes de los 90 y algún que otro momento divertido, sin alardes. ‘Gen 13’ es trágicamente el único exponente cinematográfico de un universo que pudo dar para mucho más.

@DavidCarideS

Steve McQueen se señalizó en el panorama cinéfilo en 2008 con ‘Hunger’. Su potentísimo relato sobre los presos del IRA con Michael Fassbender como protagonista, encerraba una suerte de tesis sobre lo absurdo de la violencia. En ‘Shame’ conserva la misma retórica formal, el mismo preciosismo estético, escénico e iconográfico, y por supuesto, al aclamado Michael Fassbender como parte fundamental; pero transforma la esencia de la historia difuminando el relato en retrato.

En su anterior filme, McQueen, narra la degradación física de un individuo causa de su fuerte convicción ideológica; su batalla desesperada por satisfacer las pretensiones del colectivo del que forma parte, o su cruzada por convertirse en mártir, dependiendo de como, o quien interprete la película. En todo caso, el cambio, para bien o para mal, es el destino de la historia de su protagonista. Por contra, en ‘Shame’, McQueen no narra historia, sino acontecimiento; no relata, retrata, con pulso de escultor, un círculo se cierra sobre los valores de la adicción y la salvación: la historia de un hombre que ha visto en el sexo una forma de escapar de sus traumas. Respecto a eso, no existe la necesidad de escarbar en su pasado. Siguiendo las pautas de la minitrama, y las convenciones previamente establecidas y ejemplificadas en filmes como 'Leaving Las Vengas', basta saber, que cuanto más grande sea la herida, mayor dosis de “curación” será necesaria. La salvación se tronca necesidad, y después… adicción.

Este conflicto interno recae sobre la piel de Fassbender, cuya interpretación, refuerza la caracterización e implicación emocional del personaje y lo vuelve a situar, tras ‘Hunger’, un escalón por encima de la mayoría de actores, y por supuesto, fuera de las convenciones de los galardones comerciales (es lo tiene hacer un desnudo integral en pantalla). Carey Mulligan completa el díptico protagónico con un caracter alejado de la mera pretensión de completar a Fassbender; se desnuda física y psicológicamente en un gran personaje de engranajes independientes, pero definitivamente relacionados con su compañero. La chica de ‘Drive’ consigue una interpretación dulcemente inocente, intensificando su naturaleza humana, casi “virginal” contrapuesta a la del personaje de Fassbender. Algo esencial para cimentar una atmósfera de conflicto mutuo que abarca múltiples espectros de su relación, sexualidad y sufrimiento.

El director de ‘Hunger’ trata con suma delicadeza un tema tan complicado como controvertido y la consecución de su trabajo tras las cámaras se advierte majestuosa: encuadres perfectos, gran simbolismo en sus imágenes; y una sensibilidad, particular en las escenas de sexo, que no confunde la veracidad con la verdad. Este último punto, hace de ‘Shame’ un ejercicio que idealiza y perfecciona la imagen de esta debilidad humana sin que se pierda en los laureles de la provocación. Es en esta reducción de la fe a los valores carnales donde se discierne la paradoja de adición terrenal contrapuesta con la creencia en los valores metafísicos constructivos y donde el retrato cargado de sensibilidad pintado por McQueen, asciende hasta el olimpo cinematográfico.

@DavidCarideS