Sería una gran película si el protagonista fuera más interesante, pero Patricia Arquette, Ethan Hawke y Lorelei Linklater lo devoran. Sin llegar a obra maestra, es un buen drama de lo cotidiano.

Que nadie embauque a los espectadores: los festivales y los críticos ponen los ojos en blanco ante este largometraje por el particular experimento de la producción, que rodó el guion durante un periodo de doce años. El único fin: que los actores fueran los mismos sin necesitar maquillaje ni caracterización. Sería un magnífico trabajo si se tratara de un documental que describiera la vida real de un grupo de personas a lo largo del tiempo. Pero no olvidemos que es una historia de ficción. El rodar durante doce años se enmarca en la extravagancia del director y guionista Richard Linklater. Un valor añadido engañoso de sorprendente efecto publicitario que otorga mérito para la organización de la producción y para los intérpretes, pero es una pírrica ventaja para el relato.

Si desmantelamos el artificio del cansino rodaje, nos queda un drama realista, unas veces emotivo, otras sobrecogedor, rutinario, tierno o exasperante: como la vida misma. La historia es una epopeya de lo cotidiano, de personas de carne y hueso, con defectos y virtudes, que viven y sobreviven. La buena narración cuenta además con una magnífica Patricia Arquette que encarna magistralmente a la madre, a la esposa, a la luchadora vulnerable, a la vez fuerte y frágil. Ethan Hawke dispone de espacio suficiente para dibujar al prototipo del soñador, y Lorelei Linklater, hija del director, sorprende con una viveza interpretativa que borra del plano cada vez que coinciden a su hermano en la ficción, Ellar Coltrane.

Este muchacho protagonista se limita a aparecer delante de la cámara. Según va creciendo parece perder interés en actuar y finalmente sólo nos sirve como nexo entre los personajes realmente atractivos de la película: todos los demás. El peso de los 164 minutos de metraje también puede hacer mella en el público. Sería de agradecer media hora menos.

Recomendada para quien guste de los dramas familiares y cotidianos, pero también para aquellos que busquen historias sólidas, cine de momentos cálidos, sin oropeles pero con talento.

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Alejandro González Iñárritu da el do de pecho como director, Michael Keaton lo da como actor y Emmanuel Lubezki como director de fotografía. La firma multitudinaria del guion también ha permitido una obra que excede la mayor parte de las expectativas que la audiencia pueda tener al acudir a una sala de cine. Una audiencia que debe despojarse de prejuicios y lugares comunes para entender la poco (o nada) etiquetable Birdman.

Múltiples lecturas, interpretaciones y subtextos se encierran en esta película que difícilmente se enmarca en un único género. Con ritmo de comedia, intención de parodia, profundidad de drama y brillante puesta en escena de acción, son tantas sus virtudes técnicas como las artísticas, entre las que destaca el trabajo actoral. Lejos de amilanarse ante una fulgurante competencia formal y un difícil registro de matices oníricos, los intérpretes regalan al espectador unos fantásticos personajes, elocuentes, a veces excesivos, quizá histriónicos, pero siempre justificados. Como muestra un botón: el magnífico duelo entre Keaton y Norton tiene tanto de auto crítica como de auto exaltación.

De nuevo nos encontramos ante un film difícil. Agotador tanto en su presentación audiovisual (ese falso y trepidante plano secuencia en el que se articula la narración) como en la intensidad de su contenido, no es recomendable para estados de ánimo indolentes. Exige atención y consciencia, porque no es un relato que adormezca las mentes: las sacude, las empuja, las patalea, incluso se ríe de ellas mientras se ríe de sí mismo. Como Michael Keaton huyendo de Batman. Perdón, de Birdman. En qué estaría pensando.

La senda es empinada, pero magistral. La meta, sin embargo, cierra en falso el gran recorrido trazado: la conclusión se queda relativamente por debajo del metraje que la precede. Hecho que no resta méritos a este drama existencial en el que la búsqueda de redención nunca puede ser satisfecha plenamente.

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«La violencia está infravalorada». Eso solía decir uno de mis ex compañeros de trabajo mientras escribíamos biblias de programas de televisión para «bienpensantes». Especulábamos sobre la propiedad, no de exhibir la violencia en pantalla, sino de justificar esos actos impulsivos e inherentes de la condición humana que, a veces, delatan una situación previa de desequilibrio e injusticia. Pero, sobre todo, que profundizan en nuestra propia naturaleza, en la ira, el odio y la venganza.

Relatos salvajes propone un viaje perfectamente planeado, bien narrado y dosificado con maestría para llegar a esa naturaleza violenta del ser humano desde el prisma del humor. Damián Szifrón ha construido, desde el guion y la realización, una colección de cuentos independientes que, al margen de poder ser disfrutados por separado, forman una sola historia sobre la revancha, explorando distintos aspectos de la rabia: los celos amorosos, la impotencia del individuo contra el deshumanizado sistema administrativo, la justicia contra los ejecutores del abuso social, etc.

Cada relato impele al espectador a una irremisible identificación con su protagonista: ¿quién puede resistir la tentación de fantasear con ser el justiciero de la fiesta, de la carretera, del mundo? Además de la empatía, el guion logra un ritmo in crescendo singular: sorprendente cómo una historia supera a la anterior constantemente, con un ingenioso sistema de duraciones crecientes que permiten desarrollar personajes y situaciones. La variedad de escenarios y circunstancias aleja el film de las moralejas planas y vacuas, sirviendo de sincera reflexión sobre las diversas consecuencias de desatar irreflexivamente la violencia: de la reconciliación a la muerte, pasando por la heroicidad, el absurdo y el retorcimiento. Todo tiene cabida.

Espectaculares también los actores en su interpretación. De la normalidad de situaciones cotidianas pasan con verosimilitud a la manifestación de un salvajismo primigenio. Los largos y vaporosos vestidos de novia o los coches de lujo sirven de apoyo a su impostura inicial, para revelar finalmente brutales pulsiones animales en gestos, palabras y actos. Grande todo el reparto.

Relatos salvajes es perfecta para reír, reflexionar y planificar cómo solucionar el conflicto con el vecino de abajo. Imposible perdérsela.

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Desde luego lo de firmar como guionista de semejante historia debería hacerse con pseudónimo. Cobrar, eso sí, pero que nadie sepa que tu capacidad creativa es la misma que la de un mono juntando letras del Apalabrados (respetando a nuestros queridos animalitos de El amanecer del planeta de los simios). Porque la quinta entrega de la saga de baile conocida como Step Up tiene el mismo argumento que todas ellas, pero incluso más simple (y parecía imposible). Hasta tal punto que si eliminásemos todos los diálogos para dejar sólo los números de los bailarines nadie notaría la diferencia. Incluso saldrías mucho más contento de la sala de cine.

Ninguna química entre los actores protagonistas, aunque con los secundarios te puedes echar unas risas. Coreografías fabulosas con música festivalera, efectos visuales de luz y color circense y espectáculo acrobático garantizado. Como ver la final de un programa televisivo de talentos. Interesante sólo para quien quiera contar las abdominales de Ryan Guzman.

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Santiago Segura no pretende crear obras maestras. Quiere cine que haga taquilla y sea rentable. Y para ello no debe defraudar a su público. Descubrió hace ya 16 años la fórmula de Torrente, y mientras siga gustando y dando frutos no se va a ver en la necesidad de crear una nueva franquicia.

La sátira y la comedia esperpéntica vuelven a enseñorearse del argumento, que describe una España sin Cataluña, expulsada de la Unión Europea, retornada a la peseta y cuyo único futuro es venderse en las mesas de juego de casinos manejados por corruptos y mafias. Torrente, el antihéroe, planea un robo en uno de esos casinos como revancha por su encarcelamiento: un robo digno de esa España de pandereta, morcilla y torreznos. Una chapuza, vamos.

Humor grosero y sin concesiones, con algún buen golpe cómico, pero cercano a la caducidad. La crítica, ya sea por filia a la inteligencia y simpatía de Santiago Segura o por fobia a ser tachado de snob, no va a decir que la historia pierde gancho en seguida, rindiéndose al desfile de estrellas invitadas que pasean su palmito por escena. A mitad del metraje parece que éste sea el fin último de la película: esperar a la siguiente cara conocida. Aunque bien es cierto que alguna sorprende bastante en su vis cómica.

Todavía queda algo de gamberro, pero el guion es tan consciente de esa expectativa que se vuelve predecible tanto en sus actos como en su intención. Con todo, posiblemente siga siendo necesario este Torrente 5: Operación Eurovegas. Para seguir mentalizando al cine español de que la industria del cine tiene que ser eso, industria; pero también porque sin Santiago Segura nadie se atrevería a realizar una sátira tan brutal y sincera, a dar un sopapo con la mano abierta a tanto papanatas como anda suelto.

Hay otra razón incluso más poderosa: que tiene fans que demandan una nueva aventura de este canalla de poca monta, de este trasunto de pícaro español. Santiago Segura ha sabido aglutinar un numeroso grupo de devotos. ¡Si hasta podemos encontrar algún guiño para los cinéfilos de pro! Como unos títulos de crédito que parecen asomarse a la tradición de 007 en Casino Royale y donde se puede disfrutar de una cantante de lujo: Mónica Naranjo.

Resumiendo: si ya se es fan de Torrente, no hay ninguna duda.

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