¿Cuántas películas hemos visto ambientadas en París teñidas de romanticismo y protagonizadas por una pareja que encuentra o recupera el amor en su sofisticado e inconfundible entorno? Decenas, sin duda, y a pesar de eso aún es posible contar una nueva historia con esas características, que logre cautivar o conectar con el público aunque en teoría no ofrezca nada nuevo, incluso por sobre los clichés y lugares comunes. En buena medida eso pasa con este largometraje, en el que Nick y Meg, un maduro matrimonio británico algo venido a menos, viajan por unos días a la Ciudad Luz buscando recuperar algo de la magia de la luna de miel que vivieran hace mucho tiempo en la capital francesa. Pero una vez allí no todo será tan ideal como esperaban, y al tiempo que intentan darse diversos gustos y disfrutar algunos lujos, deberán enfrentarse con sus propios temores, dudas, inseguridades y resentimientos.

Así planteado, el argumento podría dar para un clásico drama existencial de esos que abundan en el cine galo, pero lo que hace más atractivo a este "Un fin de semana en París" es cómo su director, Roger Michell, despliega toques de humor a lo largo de la historia; mal que mal, en su filmografía iniciada hace ya más de dos décadas, el realizador podrá tener como crédito más popular la recordada comedia romántica "Un lugar llamado Notting Hill", pero en sus filmes han primado mayormente los elementos dramáticos. En rigor, los afilados diálogos y el tono agridulce e irónico -por momentos incluso amargo y desencantado- de este trabajo se emparenta mejor con la subvalorada "Venus", donde Michell ya exploraba los altibajos de la tercera edad y aprovechó al máximo a un memorable y septuagenario Peter O'Toole. Tal vez no es casual que en ambos casos el guión fuera escrito por el reconocido escritor inglés Hanif Kureishi.

La habilidad del cineasta como director de actores vuelve a quedar de manifiesto en este retrato otoñal de una pareja en crisis, que no es complaciente y no teme explorar lo íntimo; sobre todo porque deja su relato prácticamente por completo en manos de dos intérpretes tan talentosos y comprometidos como la escocesa Lindsay Duncan -a quien hemos visto habitualmente en roles secundarios, como por ejemplo la implacable crítica teatral de "Birdman"- y el siempre sólido Jim Broadbent, figura ineludible en el cine británico de las últimas décadas y quien ganó la Concha de Plata en el Festival de San Sebastián por su sensible y humana encarnación de este rol.

Puede que este largometraje no sea apto para espectadores impacientes -sobre todo al comienzo, se toma su tiempo y hay que saber adaptarse a su ritmo reposado- y a ratos parezca perder el rumbo, pero a cambio da sus recompensas y regala detalles y pequeños momentos que se agradecen. Y con mayor razón si además el marco visual es la cara más amable de esa maravillosa ciudad que es París.

Exhibido en certámenes como Venecia y Toronto, este nuevo documental de la realizadora Amy J. Berg -nominada al Oscar en 2007 por "Deliver Us from Evil"- está centrado en la inolvidable cantante estadounidense fallecida en 1970, cuando sólo tenía 27 años. El film es convencional en su forma, pero a pesar de eso tremendamente revelador y emotivo en su recorrido biográfico de una estrella musical compleja, única e irrepetible. Al fin una película logra reflejarla como artista y ser humano, y más allá de las luces y sombras de su personalidad y su vida privada, lo que prevalece es su energía interpretativa y su inmenso talento.

En menos de una década y con una carrera fílmica que ya abarcaba seis largometrajes, al momento del estreno de este nuevo film el cineasta y guionista chileno Sebastián Silva había desarrollado un estilo y una forma de abordar visual y narrativamente sus historias que no sólo lo hacen destacar notoriamente en el contexto del cine chileno, sino además le han permitido obtener el reconocimiento en el panorama internacional, en particular en el circuito independiente estadounidense y la competencia World Cinema del Festival de Sundance, donde fue premiado tanto por su elogiada "La nana" como por "Crystal Fairy y el cactus mágico". Y fue precisamente en ese certamen donde en 2015 debutó mundialmente "Nasty Baby", que también participó en el Festival de Berlín, donde ganó el premio Teddy.

En esta ocasión, Silva asume nuevos riesgos, partiendo por interpretar él mismo al protagonista y además filmar por primera vez un largometraje fuera de Chile, a pesar de las conexiones que conserva con su país de origen, tanto en algunos nombres del equipo artístico y técnico -como el director de fotografía Sergio Armstrong y la montajista Sofía Subercaseaux- como en el hecho de que tanto su personaje, Freddy, como su hermano "Chino" (interpretado por el hermano en la vida real de Silva, Agustín, quien ya ha aparecido en otros títulos suyos) son chilenos viviendo en Estados Unidos, quienes en algunas oportunidades aprovechan de soltar algunos chilenismos en medio de los diálogos en inglés.

La historia se centra en dos inquietudes de Freddy, un artista que vive con su pareja, el tranquilo y amable Mo, en un bonito departamento en Brooklyn: por un lado, poder convertirse en padres gracias a la ayuda de su mejor amiga, Polly, y por otro, una suerte de cortometraje-performance que está desarrollando para una galería de arte, en la que precisamente piensa reproducir e imitar la gestualidad y comportamiento de los recién nacidos.

Con frescura, una mirada ingeniosa y lúdica y un buen uso de las locaciones neoyorquinas, Silva cuenta con un sólido elenco de actores secundarios estadounidenses y desarrolla su relato con un tono de comedia de costumbres, en la que aparecen de nuevo algunas constantes de sus anteriores títulos: cierto humor absurdo y situaciones juguetonas -acá contextualizando temáticas tan interesantes y actuales como la paternidad gay-, así como su detallista estudio de personalidades y relaciones humanas que define a sus personajes a través de gestos, miradas, actitudes y silencios. Pero el director tiene reservada más de una sorpresa para el espectador, y como ya ha ocurrido antes con otros filmes suyos, los giros de la trama y la forma en que concluye no convencen por completo, aunque hay que reconocerle su riesgo al introducir variaciones en el tono amable que predomina. Puede que el resultado final ni muy sutil ni tan divertido como parecía, o que el protagonismo del propio Silva no sea para todos los gustos, pero de todos modos es muy coherente con la libertad formal y creativa que caracteriza su cine.

Estrenado mundialmente en el Festival de San Sebastián, en este debut en el largometraje de los realizadores Enrique Farías y Rosario Espinosa quizás se puede hacer reparos puntuales a algunos detalles del guión o la dirección, pero de todos modos se trata de una atendible ópera prima. En tono menor, su puesta en escena destaca por su retrato de la cotidianidad y su atmósfera contenida y desencantada, acorde al conflicto interno y la rutinaria y gris existencia de su protagonista, María Olga Matte, quien encabeza un sólido elenco donde se luce especialmente un grupo de veteranas actrices chilenas: Shenda Román, Violeta Vidaurre y Sonia Mena.

En 2006 el realizador estadounidense Davis Guggenheim llamó la atención internacional gracias a "Una verdad incómoda", ganadora del Oscar como mejor documental, un premio que recibió más que nada por su temática, centrada en la amenaza del calentamiento global a partir de la campaña de Al Gore. Luego seguirían trabajos como "It Might Get Loud" y en 2010 "Waiting for Superman", y ya sea con la ecología, la música o la educación, Guggenheim siempre logra dar que hablar con sus documentales, aunque más allá de los temas que toca, en lo estrictamente cinematográfico su aporte no sea demasiado relevante.

Justamente eso ocurre en este caso, con este film centrado en Malala Yousafzai, la joven estudiante y activista pakistaní que denunciaba en un blog los abusos del régimen talibán, quien saltó a la fama mundial en 2012 cuando le dispararon en un atentado, y cuya lucha por la libertad de enseñanza incluso la llevó a ganar el Nobel de la Paz 2014; porque si bien el personaje que aborda y la realidad que simboliza son muy importantes, en lo formal como documental es tremendamente convencional y hasta podría confundirse perfectamente con un especial televisivo, tiene escaso vuelo y espesor -desde la forma en que se desarrolla hasta cómo está subrayado emocionalmente por la predecible música de Thomas Newman- e incluso se llega a hacer monótono, pese a que dura menos de una hora y media.