Esta es una película muy bien lograda, no es de mi gusto –debo aclararlo-, pero sin duda está bien lograda. La película es agobiante, y sin duda eso buscaba la directora, retratar la agobiante vida de sus personajes, agobiantes no por stress o hiperventilación, agobiante de lo intrascendente de sus vidas, de lo sucio de su entorno, de lo mugriento de su vivir.
Llena de situaciones enfermiza, la película logra en todo momento transmitir la situación asfixiante. El clima de la zona: caluroso, húmedo, templado y gran pluviosidad, se transforma en el principal actor de la película, va marcando los tiempos y el vigor del relato. La película es calurosa, húmeda y sucia, sobretodo eso: húmeda y sucia, una atmósfera irrespirable, vidas irrespirables. Sudor pegajoso, personajes estén continuamente abanicándose, locaciones pero a la vez situaciones sucias y mugrientas. La película no tiene la hay más mínima escena de sexo explicita, ni siquiera un miserable desnudo, pero sutiles insinuaciones generan tensión sexual en los espectadores. Sin mostrar nada, sin decir nada, se respira lesbianismo, incesto, suciedad, sobretodo suciedad.

Creo yo, en lo personal, que la película trata sobre personas que buscan escapar de sus mediocres realidades a través de puertas de escape. Esa es mi interpretación personal del film, no me consta, ni he leído a la directora referirse al respecto, es sólo mi interpretación. Bajo mi perspectiva la autora muestra que los artilugios que emplean los personajes para desesperadamente salir de ese hoyo, son eso: “artilugios”. Falsos escapes, que no le dan sentido a sus vidas: algunos buscan escapar mediante viajes recreativos, otros mediante apariciones marianas. Sin duda este es un punto central de la autora, el ateísmo de la película, la religión vista como un escape autogenerado por el hombre. En ese sentido la película es pobre al retratar la “Fé popular”, pues bien, la trata de mostrar desde una perspectiva: la atea. En ese sentido es una película “militante”, con un claro punto de vista del autor, retrato de esto es la última frase de la película: "fui a donde se aparecía la Virgen, pero no vi nada", la demoledora frase con que termina una búsqueda infructuosa, búsqueda de la que trata el film.

Habiendo dicho todo lo anterior, reconociendo lo bien lograda que está, lo sutil del relato, alejado de elementos cursis, reconociendo todos los méritos de la película, debo decirlo….me aburrí. La película es fome, no hay cambios de ritmo, falta un argumento más explícito que le dé solides al relato. Falto fuerza en las actuaciones y personajes más atractivos. Siento que pese a lo bien logrado, pese a la excelente ambientación, la película carece de la trascendencia emotiva.

“Ocho apellidos vascos” no era una gran película, sin dudas era una comedia del montón. Pero al menos era llevadera durante la película, se hacía entretenida y divertida para pasar el rato. La película “hacia juego”, tenía algo de química y entretenía al espectador, que sea un rato (porque memorable o algo por estilo estaba muy lejana de serlo).

Esta segunda parte simplemente está demás. Quizás el éxito comercial de la primera impulso a crear este bodrio, con el único fin de recaudar dinero. Esa es la única explicación posible como motivación para hacer esta película. Porque no posee historia que contar, no hay química, el relato es absurdo y ridículo, es una película completamente intrascendente y además es aburrida. Si, aburre, se hace larga y tediosa, si sale alguna risa es algo muy muy muy esporádico y aislado. Lo que antes funciono ya no funciona. Simplemente lo podemos resumir como forzar una historia para ganar dinero, presentando un cuento repetido y absurdo.

La película se hace difícil de llevar y de aguantarla, me tarde tres tandas para poderla terminar. Pero el suplicio no era sólo para mí, también lo era para los actores. En todo momento las caras de los actores parecían decir: ¿por qué estamos haciendo esto? ¿Cuánto falta para que esto termine?. La actuación de Clara Lago y de Karra Elejalde, sobretodo de la primera, no es que sea mala, es abiertamente desinteresada (se nota que su motivación por estar ahí era nula, sólo prestarse para recibir el pago en unos días).

Por favor no pierda su tiempo, no vea este bodrio.

Múltiples críticos consideran esta película una obra cinematográfica sin mayor calidad en cuanto a la factura del film. En mi opinión personal, estas críticas son sumamente injustas, bajo mi perspectiva esta es una película magistral.
“Ya no basta con rezar” es una película sencilla, sin duda; sin mayores artilugios rebuscados, sin duda; con diálogos sutiles, sin duda; pero en parte esa es su gracia. Aldo Francia hace -sin esbozos de siutiquería, pero en forma completamente expresiva- una descripción rica en humanidad de un periodo histórico bien retratado por la sencillez de la cinta. Los críticos de la película, que la tratan de artesanal al parecer no visualizaron la sensibilidad de cada una de sus tomas -sencillas pero profundamente conmovedoras- y la sutileza de sus diálogos.
No hay duda que Aldo Francia es un cineasta comprometido con la causa política -de finales de los sesenta e inicios de los setenta- de la izquierda en Chile y este film tiene un fuerte compromiso con los sectores de “cristianos para el socialismo”. Algunos han empleado este vínculo para acusar al film de ser poco objetivo. Obviamente este hecho es verídico, pero es injusto juzgar la calidad del film en base a exigirle una “neutralidad” imposible, el autor tiene una clara preferencia y era inadmisible pedirle que no quedara graficada.
El desarrollo del film cuenta, a través de la historia del padre Jaime, todas las tensiones que vivía la Iglesia Chilena en aquellos años.
El conflicto al interior del catolicismo en Chile se presenta mediante las posiciones representadas en cuatro sacerdotes: Padre Justo (Tennyson Ferrada), Padre Jaime (Marcelo Romo)-, Padre Gabriel (Leonardo Perucci) y el Obispo (Eugenio Guzmán). Si bien Aldo Francia favorece y se abandera con la posición del Padre Jaime, no ridiculiza en forma burda las posturas de los otros tres sacerdotes, lo cual se agradece.

El Obispo representa a aquél miembro de la curia, que administra el poder mediante la disuasión -bajándole la intensidad al conflicto-, se esboza (no es explicito el film) que vive rodeado de lujo y alejado de la realidad social. El padre Justo es el párroco que aprovecha los beneficios de su condición: sus feligreses son su familia y así los aprovecha -siendo invitado a degustar comidas abundantes y múltiples comodidades-. El padre Gabriel, quien se desempeña entre los obreros de Valparaíso le da un sentido distinto a su apostolado social –respecto al que termina tomando el Padre Jaime de acción política-, optando por orientar a los obreros en la fe más que a participar políticamente en el conflicto.
Obviamente estos tres personajes reciben la crítica del director, dado que este último se inclina mucho más por una postura cercana a algunas corrientes de la teología de la liberación y el mesianismo histórico. Aldo Francia pone en el personaje del padre Jaime su anhelo de “cristianos para el socialismo”.
Se trata del sacerdote que se cansa de ser agasajado por los feligreses de la parroquia, el sacerdote cansado del conformismo, se cansa de compartir con personas de situación económica más adinerada que permanecen indiferentes. El padre Jaime se marcha de las comodidades de su parroquia a vivir en las poblaciones, como los curas obreros, en los cerros de Valparaíso y allí clava la cruz de su nueva Iglesia (esa “figura” tan propia de las corrientes “renovadoras” de la Iglesia Latinoamericana).

La transformación que va enfrentando el Padre Jaime son tratados con toda la humanidad del protagonista. Los diálogos son pequeños y sutiles y se entremezclan con imágenes finamente seleccionadas, para darle sentido al espectador de todo el complejo desarrollo que está sucediendo frente a él. No hay necesidad de ser explícitos, con sutileza todo se da a entender.
Para muchos podrá parecer inclusive ingenua la sencillez y simpleza con que la película toca un tema tan complejo como el diálogo cristiano-marxista. Incluso para algunos puede ser nocivo que para un público desinformado se toque el tema en forma tan simple, es decir, tras el colorido atractivo del filme no se ve realmente el bosque ideológico del conflicto. Es cierto, el filme no hace un análisis exhaustivo del conflicto, ni defiende en toda su dimensión la posición contraria a la causa revolucionaria. Pero la pregunta es: ¿era esa la intención de Aldo Francia?. Claramente la respuesta es no. El director es honesto, el de él es un cine militante, abanderado con una causa. Especifica sus motivaciones, no las de su contrincante –pero como ya se ha dicho se hace con la decencia de no ridiculizarlas-. Aldo Francia va mostrando sutilmente (mediante hechos reveladores) la transformación del Padre Juan, es eso lo que él quiere mostrar, porque el director quiere convencer a la audiencia, en ni un momento plantea ser neutral en el conflicto. El director es claramente crítico del rol inicial del sacerdote, el Padre Jaime inicialmente utiliza los métodos regulares –propios de la Iglesia Católica para producir un cambio social-: promoción de la caridad, trabajo con las comunidades y diplomacia con la empresa involucrada en la huelga. Aldo Francia muestra a medida que Jaime al ir tomando comprensión del problema, comprende también la necesidad de romper sus propios esquemas para generar un cambio. ¿Esta es una postura cuestionable? Sin duda, pero es la hipótesis que Aldo Francia quiere mostrar.
En otro acierto incomparable del autor, el film le da un pequeño espacio a un personaje interpretado por la leyenda de la música folklórica chilena: Osvaldo “gitano” Rodríguez. El compositor y cantante con su personaje canta en la película una canción que resume muy bien el espíritu que va transformando al padre Jaime: “Ya no basta con rezar… es en la lucha, en la acción, donde se prueba el cristiano, luchando por sus hermanos, avanza en su religión”.

La última vez que estaba viendo Barbarella, la estaba viendo en un canal de televisión de películas antiguas en Estados Unidos, y pasaba algo más menos así (no lo recuerdo bien):

Durante los comerciales (entremedio de la película) salió “Estas viendo…. Barbarella” y luego mostraban una escena de bastante más delante de la película y salía (“Hey esto es un spoiler”) y otro le contestaba: “Esto es Barbarella, sí que la trama no importa”. Como insinuando que daba lo mismo saber el final o bien fijarse o no en los diálogos.

Creo que esa es la descripción más exacta que conozco para esta película. La verdad que los diálogos, la trama, el desenlace, etc da lo mismo, lo importante es otra cosa. Barbarella es de culto por cualquier cosa menos sus diálogos, su trama o sus sucesos.

Barbarella es una estética (¿puede haber algo más psicodélico que Barbarella?), Barbarella es una época (está llena de errores, textos inconexos, efectos especiales deplorables, decoraciones mal terminadas, etc, pero aún con todo eso es una época), Barbarella es una provocación delirante (a quien se le ocurre hablar de orgasmos mediante pastillas o morir de lo grande que puede ser un orgasmo, en fin), Barbarella es Jane Fonda (porque si bien puede tener mucho mejores películas y mejores actuaciones, ella siempre será símbolo sexual a nivel internacional de Barbarella). Barbarella no es una gran película, no es ni tan entretenida ni tan reflexiva, pero es atrapante mediante cosas que cuesta explicar. Si bien es indudable que la película ha envejecido bastante mal, de hecho si somos honestos ha envejecido pésimo, es una obra de culto del género fantástico.

El cine de Nicolás López se puede describir sin excepción por los siguientes adjetivos: Películas intrascendentes, poco pretenciosas, rápidas, cotidianas (historias poco elaboradas), cómicas y un cine poco memorable. ”Sin filtro” no se escapa de ni uno de esos adjetivos, sello registrado de este mediocre director.

Pese a lo anterior, el comienzo de la película está sobre el estándar cine de López, una crítica a la banalidad de la sociedad de la imagen (de las redes sociales, del Instagram y del Facebook) vidas miserables sin mayor humanidad. Un personaje rodeado de gente freak, realmente absurda, pero resulta graciosa: de pareja un vago artista, el hijo de su pareja un degenerado sin ni un criterio, un jefe súper estúpido (personaje bastante fome este en partículas, mal actuado y de poco alcance cómico), su mejor amiga una obsesiva de las redes sociales rayada con su ex, su hermana una mujer ultra freak amante de sus gatos y su exnovio -y mejor amigo- un auténtico lechón. A todo esto hay que sumarle una buena interpretación de Paz Bascuñán, que hace un persona idéntico al que realizo en “Soltera Otra Vez” y en cuanta otra producción actué (la ductilidad no es lo suyo), pero que le sale bien.

No se imagine una crítica digna de una joya del séptimo arte (es López!!), no se imagine grandes personajes que recordará por siempre, ni una crítica extraordinaria, pero al menos algo aporta este comienzo de película.
Hasta ahí bien, ni una joya, pero al menos más rescatable que el resto de sus películas. Hasta que la protagonista asiste a una extraña terapia (con un Chino freak interpretado por Ramón Llao, que como siempre destaca por ser un pésimo actor, ridículamente malo) que la hará no tener filtro, generando un vuelco en la trama. Ahí todo vuelve a ser como siempre (en el cine de López), intrascendente, profundamente intrascendente, gracioso a medias, porque oscila entre diálogos graciosos y otros muy fomes, predecible y empezar a contar los segundos para que esto acabe.

Buen comienzo y predeciblemente pésimo desarrollo y final. Sobrevalorada por el público, esto se puede explicar por lo liviana y rápida que es, nada memorable para el amante del cine.