Esta es una buena comedia con la pega de mostrar inteligencia y no haberse atrevido a arriesgar más. Nos llega envuelta en un papel un tanto pastelón, con aires de drama de lagrimita y ciertos roles prototípicos pero está bien llevada, bien medida, con mucha frescura y, al fin y al cabo, con mucha verdad.

Desde el principio uno sabe a dónde va. Sigue los cauces mil veces andados pero en el camino hay muestras de brillantez que te hacen el viaje placentero. No consigue escapar de lo convencional pero sin duda es muy superior a la media. Es una de esas insólitas bellezas que además de estar bien maquilladas te dan conversación. Es fácil enamorarse de ella y dejarse llevar, aunque en el fondo sabes que no puedes conformarte. Se agradece.

Esta es, sin duda, la obra de mayor calado de los hermanos Coen, que logran trascender su cine sirviéndose de sus propias señas de identidad; a saber, una eficaz puesta en escena, un humor perspicaz y servil y una trama argumental resultona. Pero esta vez la película alcanza la auténtica dimensión de entidad, de vida en si misma, descubriendo una auténtica metáfora del proceso creativo.

Tras más de una hora de metraje se produce un importante punto de inflexión donde lo visto hasta ese momento zozobra con un violento cambio de ritmo que lo sacude todo con alevosía. Se produce casi un cambio de registro que nos conduce de forma subliminal hacia un itinerario de la propia creación, con absurdos, coincidencias, encuentros, desencuentros, desengaños, inspiración y, sobre todo, angustia.

Cierto es que los Coen se sirven esencialmente de giros y trampas argumentales baratas, pero por momentos logran acertar con el difícil proceso de desencajarlo todo, romper la baraja y conseguir, con sensaciones, definir lo indefinible. Cabe destacar la gran actuación de John Turturro (y la intensidad de su personaje) y algunas escenas alegóricas totalmente sembradas, como la del productor enfundado en el uniforme militar o el propio Turturro bramando fuera de si en medio del baile y plasmando la incomprensión del creador.

Por cierto, Barton Fink fue la gran triunfadora del festival de Cannes del 91, derrotando a un Lars von Trier que, según cuentan las crónicas, se enfadó y la emprendió contra el presidente del jurado, Roman Polanski. Fue un acto de total necedad y pedantería por parte del danés, ya que Barton Fink es netamente superior en alcance a su pretenciosa y tediosa ‘Europa’.

La filmografía dramática de Woody Allen siempre me ha parecido menor respecto a sus ejercicios cómicos, que generalmente logran esparcir de forma menos apelmazada y más rica su mensaje. No es que Match Point sea un fiasco, ni mucho menos, pero este no es el mejor Allen. Es un Allen sosegado, veterano, que estira su talento narrativo pero contiene su ingenio creativo.

Match Point es, como de costumbre, un conciso encaje de piezas con un cierre fantástico. El desenlace contiene el 90% de la enjundia de este filme y es brillante, lúcido y hondo sin ser estruendoso. Sin embargo, el resto es puro mortero. Forraje. Toda la historia es un relleno, que está bien llevado aunque sus actores protagonistas sean medianías, pero que no deja de moverse en un terreno molido y previsible.

Los personajes son aburridos. Son mediocres. El mundo de la aristocracia es restringido y ya ha sido mil veces retratado. En este sentido, nada nuevo bajo el sol. Tampoco en materia de infidelidades amorosas, de escaladas sociales o de preñadas desahuciadas. Sobriedad, pero no hay ningún enfoque nuevo, ni siquiera acritud. Lo mejor que se puede decir del nudo es que mantendrá en vilo a los amantes de las telenovelas pegadizas. Supongo que esto incluye a la masa en toda su extensión.

No nos engañemos: esta historia se podía solventar con un corto. Y la moraleja se quedaba tan pancha. Hablando en forma de metáfora tenística, como hace todo el mundo: La jugada de Allen es buena. El resultado es satisfactorio. El Match point es antológico, pero el desarrollo del partido ha sido largo y sin golpes brillantes. ¿Hacía falta una parábola de 2 horas sobre lo fortuito?¿Hacía falta resultar tan obvio desde el principio?

Así nació el engendro fílmico llamado David Lynch. El artista que nos pide que desacostumbremos nuestra mirada sumisa y permitamos que sus obras ejerzan un impacto en nuestros sentidos, en el subconsciente, en todo aquello que es irracional y afecta a los mecanismos subrepticios.
Su creación ahoga cualquier estructura argumental, pero quien no sea capaz de desprenderse de ella encontrará restos para malvivir y romperse los sesos. Siempre hay una base que se desarrolla en las pautas de la verosimilitud para que el espectador acceda por la puerta principal caiga en la trampa y finalmente sea desquiciado.
Como muchas otras, Eraserhead es un acto de onanismo, de onirismo, de sonidos remotos, de luz y de sombras y de las formas deformadas; pero como primeriza se presenta quizá más desnuda, más cruda, más desprovista de camuflaje convencional y por ello también más tosca y menos sofisticada que las siguientes.
Las creaciones de Lynch cumplen sobradamente con la máxima que entiende el celuloide como evasión. Son una ofrenda para liberar la mente y dejar que la retina capte libre de prejuicios estos fotogramas de la ensoñación y disfrutarlos o sufrirlos con la condición de que el cerebro no procese nada. ¿Es eso cine? Sin duda. Pero no del que se comprende, sino del que se digiere.

Ni extraordinaria ni imprescindible. Bastante convencional. El intento de realizar un punzante retrato de un camello con dudas morales se queda en conato. El personaje de Dafoe resulta demasiado inverosímil y peca por exceso de carga romántica.
Si lo dejamos en drama con ansias de thriller casi que mejor. Entonces podemos decir lo de "se deja ver" o "con oficio". Schrader sabe manejar bien esa carga dramática, crear personajes desdichados pero que despiertan empatía y medir bien la intensidad de la narración. Y ahí esta este filme. Como uno más.