El cine catalán tiene un problema. Excelente cantera de buenos actores y con un teatro lleno de talento y creatividad, la producción cinematográfica catalana agoniza desde hace años y tan solo de vez en cuando aparece una perla en medio de un océano de dejadez y mediocridad. La aparición de Mar Coll y las buenas críticas que había arrancado sus “Tres días con la familia” me habían levantado personalmente unas esperanzas que se han difuminado con la rapidez con la que uno consume un film que destila todo lo malo y poco de lo bueno que se le supone a una debutante.

Mar Coll asegura sentirse altamente influenciada por el cine francés. Se advierte en su película cierto gusto por la contención, por la crítica a una clase social que hace de la hipocresía y la doble moral patente de corso y esto y el deseo de alejarse del cine más comercial dan fe de la apuesta por un cine de marca francesa de la directora catalana. Pero lamentablemente, las virtudes de esta película empiezan y acaban ahí. No hay nada original en “Tres días con la familia”. No cuenta nada nuevo y aunque a priori esto no debería suponer nada grave, pues se puede argumentar que tampoco era precisamente esa la intención de Mar Coll, sino dar su particular visión de la actual burguesía catalana, tampoco aparece por ningún lado algún atisbo de originalidad en el modo de expresarse. No hay invención ni riesgo en la propuesta de Mar Coll, y sólo la categoría de un reparto que mezcla con acierto veteranía y nuevas caras salva la nave del naufragio total. Eduard Fernández (gran actor pero que a fuerza de repetir una y otra vez el mismo papel, empieza a correr el riesgo del encasillamiento) y sobre todo, Ramon Fontserè aportan algo de solidez a un producto que se muestra famélico de ideas y garra desde buen comienzo, ayudados por la contención dramática que sabe darle Nausicaa Bonnín a su personaje.

“Tres días con la familia” podría pasar por la película alimenticia de un director veterano falto de inspiración, pero tratándose de una ópera prima se torna en pecado mortal. A una debutante se le puede perdonar casi todo, menos la falta de ideas e imaginación. Precisamente de esto hay que ir sobrado, y Mar Coll muestra en su debut una absoluta carencia de todo ello. Alguien debería advertirle que para hacer carrera en el cine no basta con repetir esquemas y situaciones vistas una y mil veces. Hay que imprimirles un sello propio. Por su bien y el de todos nosotros, esperemos que más adelante lo consiga.

Lo mejor: Ramon Fontserè dando su discurso al resto de la familia.

Lo peor: que esté tan vacía tanto de continente como de contenido.

En realidad esta película no inventa ni descubre nada nuevo. El género de las parodias es tan viejo como el de las películas a parodiar. Y el hecho de cambiar el rol habitualmente masculino de los protagonistas por dos chicas tampoco es algo realmente novedoso. Aquí el secreto es confeccionar un guión que funcione y donde los chistes, los gags y la ironía ejerzan de engranaje para que la historia discurra a la perfección. El problema de “El espía que me plantó” es que apenas tiene gracia. Lo cual tratándose de una película de parodias es una sentencia de muerte. Ni la esforzada interpretación de su duo protagonista, en sus respectivos papeles de payasa gamberra y payasa seria hacen desencallar una historia que avanza a trompicones y a golpe de fuegos artificiales. Tampoco las gotas de transgresión ni el espectacular diseño de producción logran sacar al film de la mediocridad. Pero quizás lo peor es que, tratándose de un intento por barnizar de feminismo un género tan masculino como el cine de espías, al final las heroínas tengan que ser rescatadas, una vez más, por el guapo héroe de turno.

Lo mejor: ese lápiz de labios tuneado.

Lo peor: que tanto recurso sirva para tan poco.

¿Quién no ha tenido algún día un problema con su vecino? Este hecho, tan habitual, es llevado al extremo por el director islandés Hafsteinn Gunnar Sigurdsson para denunciar la hipocresía y la pérdida de valores que caracterizan a la actual sociedad. Una sociedad donde el individualismo y la falta de empatía con el prójimo pueden convertir el problema más banal en un desacuerdo que conduzca al drama. Donde las envidias y las propias frustraciones personales se proyectan en forma de arma arrojadiza hacia el vecino más próximo en una sucesión de actos de acción y reacción. Sigurdsson lo filma desde la distancia, exponiendo los hechos sin tomar partido por unos u otros. Dejando claro que el problema es global, asimismo aplicable tanto a las personas como a las naciones. No en vano, muchas de las guerras entre países empezaron por disputas de poca relevancia. Algo que ya reflejaba Polanski en su estupenda “Un dios salvaje”, aquí en versión nórdica y sin la brillantez dialogada que ofrecía aquella, pero con la misma mala baba y el mismo dominio de la ironía. Una película para reflexionar sobre cómo la pulcritud de nuestro entorno más civilizado puede esconder toneladas de miseria humana.

Lo mejor: la naturalidad de las interpretaciones.

Lo peor: la irregularidad del guión y algunos momentos demasiados forzados.

“A propósito de Elly” pertenece a esas películas sobre las cuales es mejor tener las mínimas referencias a la hora de sentarse a verlas. Incluso es recomendable no haber visto el trailer para que la sorpresa y el disfrute sean aun mayores. Y no solo porque estemos ante una película iraní que no tiene nada que ver con el modelo que habitualmente nos llega de esa cinematografía, si no porque lo que empieza como la crónica ligera de una excursión de fin de semana acaba de un modo que nada podía hacer sospechar. Asghar Farhadi sabe darle el tono adecuado a su película en todo momento y construye un relato en el que la figura de su personaje principal se erige en enigmático eje (con su presencia, pero también con su ausencia) sobre el que giran el resto de personajes componiendo un retrato coral en el cual las distintas personalidades de cada uno irán apareciendo para mostrar la cara menos amable de las personas puestas en una situación límite.

El verdadero mérito, no obstante, de “A propósito de Elly” es conseguir que el espectador llegue a sentirse parte del grupo, viviendo y sufriendo del mismo modo que si estuviera realmente en el centro del conflicto. Y esto se logra sobre todo gracias al excelente trabajo de todo el elenco, el cual con su interpretación cargada de naturalidad acerca el drama a la platea y hace que sus dudas, miedos y tensiones traspasen la pantalla y contagien a esta . Y todo ello sin recurrir a falsos artificios ni golpes de efecto, con la única y constante presencia del ruido de las olas como banda sonora. Solo un desenlace que queda algo por debajo de las expectativas que el desarrollo del film acaba levantando, merma un poco el nivel de una cinta que es todo un ejemplo de cine bien elaborado. Una pieza de artesanía que se agradece en medio de tanto producto elaborado en las factorías hollywodienses.

Lo mejor: la estupenda escena del rescate.

Lo peor: que las reticencias por venir de donde viene le reste público potencial.

Sigue sin convencerme el cine de Lucrecia Martel. Si tanto “La ciénaga” como “La niña santa” me parecieron ejercicios de cine personal, con una profunda habilidad para crear universos íntimos y sensoriales pero teñidos de un pesimismo que hacía difícil digerirlos, “La mujer rubia” no es una excepción y sigue los pasos que marcaron sus predecesoras. Martel carga todo el peso de la historia en el buen trabajo de María Onetto, la cual intenta transmitir todo el desconcierto en el que se ve sumido su personaje al espectador, consiguiéndolo solo a medias bajo mi punto de vista. Es cierto que la directora tiene la suficiente habilidad para escondernos datos y pistas, para lograr que no lleguemos a saber nada que la protagonista no sepa, para que nos acerquemos a su grado de aturdimiento y sus dudas sean también nuestras. Pero por otro lado, esto ocasiona una dificultad añadida a entrar de lleno en la historia, provoca un distanciamiento que se agranda conforme llega el final de la película, llegando a importar más bien poco la resolución final de la misma.

Lucrecia Martel insiste por otra parte en retratar a una cierta clase alta argentina en constante decadencia en cuanto a valores morales se refiere. Solo los lazos familiares parecen aguantar el peso de unas vidas anodinas y ociosas, pobladas de los mismos personajes pasivos y desencantados que deambulaban por “La ciénaga”. Quizás sea su manera de reflejar el estado social de un país, de una época, de una sociedad que a falta de respuestas opta por el conformismo y el estancamiento en si misma. Lo malo es que el discurso suena a repetido y uno acaba con la sensación de que una vez vista, la película le ha aportado poca cosa, por no decir nada.

Lo mejor: el uso que hace Martel del sonido.

Lo peor: que la historia principal apenas importe nada.