Es evidente que para los amantes, como es mi caso, del cine musical clásico esta película tiene un gran valor y resulta cuanto menos recomendable. Los puntos negros viene por su tono bastante ñoño y la acumulación de tópicos que el desconocido director Laszlo Kardos no sabe sublimar (no es y ni siquiera se parece a SIdney o Minelli) y a pesar de unos números musicales antológicos, y formidablemente rodados (estando Ann Miller por allí eso no extraña en absolluto) la trama toma demasiada importancia y se ve con una mezcla de risueño escepticismo e incluso de condescendencia casi sociológica.
Con todos los pero que quiera ponérsele, se trata de un título que no se merece el olvido en que se encuentra, ya que visto sin prejuicios se disfruta y mucho como otro ejemplo señero del buen hacer de la Metro en el cine musical, que incluso cuando hacía pelis de segunda daba como resultado obras mayores.
Destaca, como siempre que aparece, la extraordinaria Ann Miller (muchos descubriran que números muy famosos de la historia del musical pertenecen a esta ignorada peli) y un excesivamente candoroso Farley Granger bastante despistadillo que no obstante aguanta muy bien el tipo ante la presencia empalagosamente inquietante de la mucho más difícil de llevar Jane Powell, y las intervenciones estelares de mitos como Nat King Cole o la olvidada y fabulosa Fay Wray.
Por todo esto y a pesar de sus limitaciones "Una chica de pueblo" es imprescindible para amantes del musical clásico y recomendable para degustadores del cine de la época .
Como pasa con muchos otros títulos de aquellos años sus buenos sentimientos, relamidos tópicos y triunfo de los valores mas superficiales del conservadurismo americano le restan fuerza, pero no impiden que sin ser una joya la peli brille en muchos momentos como si lo fuera, y de las mejores además. Que el conjunto no llegue tan lejos quizás sea una pena pero un musical tan MGM como este jamás debería pasar desapercibido.

Muy curiosa aunque fallida comedia negrísima de una violencia y tremendismo abrumadores, lo que la hizo convertirse en un pequeño escándalo en el momento de su estreno. Con un extraordinario reparto y unas considerables dosis de incisiva mala leche, lo que podría haber sido una comedia eficaz acaba fagoctándose de muy mala manera y convirtiéndose en un sanguinario gran guiñol de poco alcance pero de indudable simpatía por lo extremo de sus postulados y un sentido crítico hacia los convencionalismos burguesesy familiares realmente notable.
Sin duda necesitaba detrás a un director mucho más cínico que el habitualmente demasiado discreto Francis Girod, que no obstante rueda una de sus mejores películas, lo que tampoco es decir demasiado.
Recomendable por lo tanto solo para estómagos muy curtidos (tardo mucho en estrenarse en España y cuando lo hizo fue bajo el signo de la inefable clasificación S con que se advertia en la época de la transición que podía herir la sensibilidad del espectador) y para fans de la maravillosa Romy Schneider que realiza, y, por varios motivos, una interpretación para helarte la sangre.

Fassbinder, Nabokov, Bogarde, Stoppard.... nombres todos de gran solvencia intelectual se dan cita en una película tan confusa como incomprendida, y en la que la batuta del maestro Fassbinder, quizás confiando en exceso en la capacidad de los espectadores, es incapaz de empastar todos los elementos para conferirles una congruencia que supere el desasosiego existencial de un protagonista a quien nunca acabamos de entender del todo.
Es evidente que el director alemán se movía mucho mejor en otros terrenos y que lo que debía haber sido un proyecto que le consolidara en la industrial europea se salda con su obra más desconocida y menos apreciada por los seguidores del maestro. Y eso que el año del rodaje, 1978, es uno de sus años más productivos y en el cual rodó una de sus obras capitales, la mucho más redonda y personal "Un año con trece lunas".
A pesar de todo Desesperación es una obra de indudable interés, y las peripecias del personaje magistralmente interpretado por Dirk Bogarde, possen un hálito entre el arribismo y el nihilismo tan extraño como cautivador, pero al mismo tiempo difícil de seguir por un público mucho más acostumbrado a la linealidad narrativa o al desasosiego de la marginalidad en donde Fassbinder se mueve mucho mejor.Pero si nos enfrentamos a esta obra obviando las apariencias nos daremos cuenta de que en el fondo las semejanzas entre este hombre capaz de reiventarse a si mismo a cualquier precio y la mayor parte de los protagonistas de otras películas de Fassbinder, son muchas y deja constancia de la tremenda coherencia que esta obra olvidada y repudiada tiene para entender globalmente la obra del genio alemán, y por que se fijó en una obra de Vladimir Nabokov que no se encuentra entre lo mejor escrito por el famoso autor de "Lolita".
Por ello, y sin elevarla a la categoría de sus mejores obras, Desesperación es todo un ejercicio de cinismo, pesimismo y crítica arribista que se merece mucha más consideración de la que tiene, y cuyo redescubrimiento quizás no llegue a apasionar, por su confuso tratamiento de una historia que en realidad fijándose con detenimiento tiene muchos menos cabos sueltos de los que parenta, pero que resulta un poco farragosa, quizás por que el guión de Tom Stoppard tampoco consigue desencriptar adecuadamente la obra original literaria.
Mención especial para la intervención de Andrea Ferreol, una gran presencia del cine europeo de la época, hoy injustamente olvidada.

Excelente película documental cuyo visionado pone de manifiesto no solo la historia de la homosexualidad en el cine americano, si no los nivles de tolerancia y los tremendos vaivenes morales que ha sufrido el siglo XX y que quedan plasmados en esta película de forma realmente notable.
Haciendo quizás un cierto ejercicio de nostalgia, dogmatismo y una reivindicación excesivamente proselitista (puede que fuese la mejor forma de acercarse a tan escondida interpretación) del tema, la obra que por momentos parece el resultado de una sesuda tesis sobre la homosexualidad en el cine más o menos clásico, se sigue con gran interés y consigue algo que parecía difícil que es captar el interés de personas que en principio no podría interesarles nada el asunto tratado o cuya sensibilidad se aleja totlamente de lo retratado en la cinta.
Por lo tanto si su visión es casi obligada para militantes gays con ciertas inquietudes intelectuales, también es muy recomendable para cualquier tipo de espectador, interesado en la historia del cine y en la evolución sociológica del pasado siglo. Lo que podría separar el panfleto o la reivindicación chapucera del rigor y la mirada humana y entrañable del tema es traspasado por los autores y da como resultado una obra tan curiosa, respetuosa,deliciosa y en determinados momentos tan intensa que no puede por menos que reivindicarse fervorosamente.

Curiosa y desopilante mezcla de géneros que el talento del gran Robert Aldrich saca adelante con bastante mérito, habida cuenta del muy resbaladizo material con el que trabajaba. Así esta mezcla de crítica del sistema hollywoodiense, con toques parapsicológicos, elementos melodramáticos casi de folletín, unas gotitas del mejor Grand Guignol (género del que Aldrich es maestro indiscutible), ciertos toques sexuales muy sesenteros y algunos efectos visuales de "pretendida" modernidad consiguen encajar y dan como resultado una película tan disfrutable por su absoluta falta de complejos como frustrante por la incapacidad de sublimar con cierta elegancia tanto error y tanto disparate.
Productores, directores, estrellas, gacetilleras, parásitos varios... todos van pareciendo en esta mórbida cara reversa de El Crepusculo de los Dioses, que fantasea sobre el negocio del cine con diálogos muy ácidos, y sobre la construcción y destrucción de los mitos que sustentan la industria del cine, sin parase en momento alguno en buscar la verosimilitud pero sin renunciar tampoco a ella plenamente lo que hace que muchos de sus personajes recuerden a otros reales (Steneberg/Dietrich sería el más fácil de reconocer) lo que supone un valor añadido patra disfrute de mitómanos morbosos y decadentes.
Sin ser una de las mejores películas de su director, este demuestra ser capaz de sacar brillo de la bella pero tremendamente inexpresiva Kim Novak, pero se muestra inflexible en hacer más simpáticos lo papeles de Peter Finch o Ernst Borgnine lo cual redunda en un resultado arisco, duro y agresivo, del cual sería perfecto ejemplo el tremebundo final que deja claro que por encima de todo Hollywood es una violenta jauria de perros siempre dispuesto a devorar las delicias que se le puedan ofrecer.
Con todo una película muy disfrutable, si se hace sin pretensiones, y uno está dispuesto a creerse a Kim Novak, de nuevo (como en Vertigo) pretendidamente poseida por el fantasma de otra mujer, en ambos casos mucho mas interesante que ella misma.