Fritz Lang uno de los grandes genios del séptimo arte, nos regala una nueva entrega de cine negro tras alcanzar un éxito notable con "La mujer del cuadro" y "Perversidad". Polifacético como pocos, esta vez la trama se centra en las altas esferas sociales, ofreciendo un thriller policíaco como pocos. Movidos por la ira, la muerte y los deseos de venganza, los personajes discurren bajo una dirección sobresaliente a lo largo de la oscura atmósfera.

Dave Bannion, un sargento de policía interpretado por Glenn Ford, encarna el buen desarrollo de los actores a lo largo del film, transformando y evolucionando el guión. Así, el sabueso de traje y sombrero pasa de ser un hombre afable y hogareño a la peor pesadilla de los culpables, sirviéndose de la ayuda de Moll Debby, de feliz esposa a despiadada y vengativa mujer. Cada plano está cuidadosamente diseñado, para no hacernos olvidar que Lang viene del puro expresionismo alemán, hablando con imágenes aun cuando las palabras adquieren trascendencia.

Por lo tanto, si a unas interpretaciones notables, una fotografía excelente y una dirección inmaculada, le añadimos un guión a la altura de giros narrativos eficaces y poderosos, nos queda una de las grandes obras de la década de los 50. El círculo se cierra y continúa, puesto que todo puede esperar mientras siga la lucha contra el crimen, cueste lo que cueste.

Desde que Kirk Douglas de la mano de Stanley Kubrick y Marlon Brando una década después pusieran de manifiesto las amenazas de la vida militar llevada a cabo como ideología patriótica y símbolo de honor humano, nadie había tratado con tanta sutileza el concepto de las consecuencias humanas, sociales y morales que proyecta el lado más oscuro del hombre para con sus semejantes y por ende consigo mismo, derivadas del factor bélico.

Desde un inicio populista que suena casi a mofa dentro del marco de la cinta, hasta el: "Usted no ha estado en la guerra, es normal que se desahoguen los muchachos con una pelea a la salida del bar" con el que Hank, ajeno de las consecuencias que cada acción lleva consigo, pronuncia impunemente. Se trata con punzón suave e hilo fino, pero se masca agriamente en el aire respirado por cada poro de camuflaje que impregna el uniforme, poniendo en evidencia algunas cintas avergonzantes del género, como (y que me perdonen los seguidores de Eastwood) "El Sargento de Hierro" o la más reciente y vomitiva "Acto de Valor" (2012).

Los senderos, que esta vez discurren por el mitológico Valle de Elah, encabezados en la marcha por Tommy Lee Jones y en la que solo Charlize Theron parece quedarse atrás-, viajan a largas millas de distancia estableciendo el marco geográfico en dos fronteras que todos hemos vivido en un marco temporal no tan lejano, poniendo de manifiesto que las barreras humanas sobrepasan el vínculo emocional, a miles de kilómetros de lejanía entre aquellos que a su vez se sienten más unidos y cercanos sentimentalmente. Puede que en el valle David no tuviera miedo de Goliath pero cuando nuestros esfuerzos quedan separados, cuando más creemos que es necesario y cuanto más dejamos de pensar en nosotros y miramos por algo abstracto, que se puede sentir pero no tocar, más impotencia sentimos con nosotros mismos y con los demás. Será mejor cambiar el rumbo de nuestro viaje.

Ópera prima de Juan Carlos Fresnadillo, que, tal y como le sucedió con “28 semanas después” (2007), se queda a medio camino entre la originalidad y la torpeza, la genialidad y el fracaso, la potencia sin control, que no le sirve de nada. Y es que la película ya camina sola entre lo fantástico y lo dramático, en un extraño bagaje con tintes tan atrevidos como absurdos. En el intento de ver una doble moral que juegue con la psicología del espectador para plantearse hasta qué punto estamos asistiendo a un compendio de ambigüedades que ponga a prueba su fortaleza mental, queda la vaga sensación de que son ideas que desde un buen punto acaban perdiéndose en un mar de árboles que conforman un bosque demasiado frondoso como para tenerlo claro.

Es cierto que el director demuestra una cierta capacidad para filmar determinadas situaciones y su manejo de la cámara no pasa desapercibido. Además, cuenta con la colaboración de un buen puñado de actores sobresalientes, entre los que tenemos el gusto de presenciar a Von Sydow. Sin embargo, el guión es engañoso, la trama está cogida con pinzas y los personajes muestran una pasividad inaudita en dicho trayecto. No hay interés, no hay razonamiento, no hay un objetivo claro hacia el que dirigir una obra que, siendo interesante a nivel primario, no alcanza la totalidad para considerarla una buena película, permaneciendo fría y distante.

Se atisba la cartelera recién estrenada la primavera con el mismo recelo con el que florecen los campos a la llegada del buen tiempo. Es complicado encontrar grandes producciones a estas alturas de la temporada, pero sin duda, Anna Karenina parecía una bomba de relojería en un desértico panorama cinematográfico. Sin embargo, no hubo que preocuparse de elegir el color del cable a cortar, puesto que el artefacto era puro fuego de artificio.

No será porque el trailler no prometía, ni tampoco por el buen resultado que suelen dar los dramas de época, pero la cinta no acaba de explotar por ninguno de sus cuatro costados. Lo que prometía ser la tragedia soviética del año, tiende a convertirse en una especie de comedia teatral con inoportunos cambios de ritmos que terminan por estropear una muy buena dirección. Los complejos decorados y cambios de escena, son como una obra faraónica con inmensas pretensiones pero que se quedan a mitad de camino en la práctica, permitiendo confundirlos como una pérdida de realismo.

No parece tampoco triunfar a la hora de descifrar los aspectos sociales, las diferencias de clases o la situación política de la Rusia a finales del siglo XIX, siendo muy complicado poder destacar a qué público va dirigida la cinta. No obstante, el espectador no tardará mucho en admirar el trabajo que hay detrás de las cámaras, puesto que los esfuerzos se ven recompensados en un magnífico vestuario, con una banda sonora muy bien llevada, además de una fotografía y puesta en escena muy notable. En cuanto al reparto, parece más interesante lo que hay en el banquillo que en el equipo titular, donde Jude Law está muy desaprovechado y Aaron Johnson no termina de encajar en una alineación liderada por Keira Knigtley, la verdadera mecha de todo el mecanismo, que enamora lo suficiente como para tener un buen recuerdo de la película.

Cuando en Filmaffinity entras a "votar los tours", el primero que te sale es el de "Películas Controvertidas". No andaré muy lejos si afirmo que "Los Miserables" es candidata a ocupar un puesto en las futuras votaciones de dicho elenco y es por ello que no se me escapa que tratamos un film absorbente o decepcionante. Y eso también me encanta.

Seré sincero: es la primera vez que me entrego de lleno a un musical, y esto supone una experiencia nueva para mí. Entiendo que sólo una obra maestra puede embriagar a un virginal seguidor del género, e hipnotizarme en la butaca ante la extraordinaria puesta en escena audiovisual. Y si esto es posible a mis sentidos, no dudaré en defender la propuesta de Hooper como uno de los medios para salvar al cine, y más siendo tan necesaria en estos tiempos. Es una nueva adaptación, sí, pero parece de otra época.

El ritmo de la película es alto, casi por momentos jugando a historias cruzadas, sentimental sin llegar a ser sensiblera, y emocionante, más cruda que de lágrima fácil. Sorprenden incluso las fases humorísticas, teniendo incluso cabida la acción. Y todo esto cantando. Es un testigo complicado de recoger, pero Tom se ha arriesgado tanto, que parece increíble pensar que ha llegado a rodar una película de fútbol (The Dumned United) tres años antes. Metámosle una quinta marcha al séptimo arte: bien hecho.

Abusa del plano corto y es cierto. Pero esto nos permite al fin ver a actores de verdad donde no cabe ningún truco cinematográfico. Es un bis a bis, piel de gallina, cantas a pelo, tú solo frente al cine, por lo que un actor necesita ser actor para trabajar en la película. Ya no vale salir de la serie de televisión, tienes que mezclar todo lo que tienes con todo lo aprendido en la escuela de arte dramático. Supongo que ver a Anne Hathaway cantando "I Dreamed a Dream", hace que muchos otros sientan vergüenza de cómo han llegado a la gran pantalla, a la par que enorgullece a las verdaderas figuras del cine. Sólo desentona Eddie Redmayne, entre un catálogo de actores que verdaderamente deben sentirse agotados, pues han sido exprimidos al límite de sus posibilidades.

Sólo quizá el exceso de metraje termine de convencer a los indiferentes al film, porque como hemos apuntado, o a los pocos minutos desfilas hacia la salida o te quedas hasta el final para aplaudir. Pudo o no haber consenso en los miembros de la academia, pudo o no tener más nominaciones o alzar algún que otro Óscar, pero lo importante es que ya hemos escuchado a la voz del pueblo.