Blonde nos trae el retrato ficticio de la mujer que se escondía tras el símbolo, Marilyn Monroe, para mostrarnos que no es oro todo lo que reluce. Esta película se adentra en la figura más íntima y personal de Norma Jeane (nombre real de Monroe) y muestra lo que podría haber ocurrido detrás de las sonrisas y posados perfectos de este sex symbol mundial. La obra parte desde su niñez, pasando por la ascensión al éxito y por sus idilios amorosos, para enseñarnos las diversas ocasiones en las que fue maltratada y explotada a lo largo de su vida, provocando en la actriz norteamericana un sentimiento de debilidad y, en momentos puntuales, de verdadero desquiciamiento.Toda la película en su conjunto es triste, con un aire melancólico y destellos de esperanza de que la rubia de Hollywood pueda encontrar la felicidad.

La fotografía de esta obra es realmente sublime. Mediante cascadas de imágenes y mezclas de atmósferas y tonos, saltos entre escenas en blanco y negro y color, o entre planos en distintos formatos, y con partituras delicadamente lúgubres; se esclarece un mundo perturbador con una Marilyn frágil, vulnerable y atemorizada que se aleja del estereotipo de "rubia tonta" que le acompañó desde su triunfo en los años cincuenta. Aunque este estilo extravagante puede llegar a saturar al espectador en algunos momentos, se ha de reconocer que cumple con creces el fin de difuminar la imagen icónica de una Marilyn Monroe sujeta a los deseos de una sociedad que eleva el mito. En su lugar, se hace hincapié en mostrarnos la cara de una mujer con sed de libertad y grandes carencias emocionales que buscaba desesperadamente sentirse amada. Ahí se encuentra el eje vertebrador de Blonde: la desconexión entre el mito sexual y la mujer que intenta sobrevivir aplastada por él.

Andrew Dominik dirige de forma audaz y valiente un proyecto que no pintaba nada fácil, pues se ha de recordar que la obra original escrita por Joyce Carol Oates tiene más de 900 páginas. Respecto al guión, he de admitir que la continua reiteración del padre ausente y los lamentos por los bebés perdidos me ha llegado a cansar en algunos momentos. Por otro lado, quiero destacar en este escrito el trabajo de Ana de Armas que, con su brillante e hipnótica interpretación de la mujer delante y detrás del mito hollywoodiense, ha sido capaz de mostrar las dos caras de la misma moneda, la Marilyn glamurosa y centelleante en la alfombra roja y la Norma Jean rota y despedazada en sus momentos de dolor e intimidad. Todo esto realizado de una manera tan portentosa que me impide imaginar a otra actriz interpretar a esta leyenda de la historia del cine.

Inocencia rebelde (Lawn Dogs) me ha resultado una grata sorpresa. Mischa Barton y Sam Rockwell interpretan a una niña aburrida de clase adinerada y a un pobre jardinero, respectivamente, que forman una relación de amistad única y sorprendente. Ambos son extraños e inadaptados. Ambos se han enfrentado a la muerte y han salido victoriosos. Ambos son espíritus libres que buscan la oportunidad de volar. Rockwell como el locuelo de Trent está más que decente, pero quien realmente impacta es Barton con una interpretación genuina y encantadora que impide quitarle los ojos de encima, y hemos de tener en cuenta que tan solo tenía 10 años en el momento del rodaje.

He de reconocer que el ritmo es lento, pero el filme posee una mirada inteligente y satírica a la angustia suburbana que te atrapa. Describe de forma vívida la animosidad de la lucha de clases y la triste situación de aquellos que se atreven a oponerse al conformismo. A su vez, la obra trata de confianza, no de la muerte de la inocencia o de la corrección política enconada que nos rodea y que ve peligro en cada relación no convencional. Realmente se respira una atmósfera más europea que americana en la historia.

"Strawberry Mansion" es el ejemplo excepcional de que aún se pueden encontrar obras innovadoras y frescas, alejadas del cine convencional, en medio de una coyuntura de estancamiento creativo. Podríamos definir esta película como una explosión excéntrica de imágenes vívidas e ideas imaginativas que van desde lo sorprendentemente conmovedor hasta lo humorísticamente absurdo. La historia camina claramente entre el surrealismo y el mundo fantástico.

Esta película nos muestra una historia existencialista que se desarrolla en un futuro distópico, con una atmósfera retrofuturista, donde el protagonista descubre que los sueños están siendo manipulados por las corporaciones para introducir publicidad subliminal. Partiendo de esa premisa, se explora el mundo de los sueños, un mundo particular y repleto de imaginación, en donde una crítica anticapitalista converge con un dulce romance. En este viaje onírico se esclarece que el más oscuro aprendizaje parte, a veces, desde lo más dulce.

La fotografía sienta las bases de ese onirismo y es que se ha de decir que la estética tan colorida, vibrante y psicodélica es lo que marca la diferencia. No obstante, este deleite audiovisual de cariz surrealista se queda corto en cuanto al mensaje. Parece haber un mayor interés en desarrollar la trama amorosa que en realizar un análisis provocativo que sobrepase la capa superficial y que, verdaderamente, critique a los sistemas de control social ejercidos por el gobierno.

Película realmente ingeniosa e impredecible que explora de forma satírica las vidas de yuppies egocéntricos y extravagantes de Los Ángeles que se encuentran al borde del colapso económico y moral y, de alguna manera, tratan de buscar una salvación espiritual.

Desde mi punto de vista, he interpretado esta obra como una crítica social a diversos problemas que suceden hoy en día: relaciones interpersonales tóxicas, el hastío de la riqueza inútil, el pánico a caer en la pobreza y la obsesión por trabajar... Todo ello está tratado, quizás, con poca profundidad y con una expresión estética demasiado superficial.

Cabe destacar la precisión con la que Peter Weller y Judy Davis han interpretado estos personajes. Entienden lo que sucede de manera elocuente y sarcástica. Y disfrutan con ello.

La historia de Ruth Ellis, la última mujer ejecutada en el Reino Unido, le sirvió a Mike Newell para hacer un retrato ácido de la sociedad británica del momento, un mundo sórdido y amargo en el que el amor imposible entre dos personas de distintas clases sociales conduce a la inevitable tragedia. Una relación tempestuosa, marcada por violentas peleas e infortunios, que culminó el domingo de Pascua de 1955. El controvertido legado de Ruth Ellis avergüenza hoy a toda una nación.

Miranda Richardson está magnífica como Ruth Ellis, la madre soltera y glamurosa chica de alterne, ofreciéndonos una espectacular actuación en cada escena de la obra. Richardson consigue plasmar a las mil maravillas el tono emocional de una mujer enloquecida y obsesionada por su amante y transmitir la difícil situación como mujer atrapada por las circunstancias y castigada por una moral mezquina. Rupert Everett está más que decente en su interpretación de David Blakely, un joven apuesto que proviene de una familia acomodada. Everett captura la naturaleza autocompasiva y el esnobismo innato de Blakely, y nos presenta a un jóven petulante, inmaduro y egoísta demasiado acostumbrado a salirse con la suya y que nunca ha experimentado las duras realidades del mundo de la forma en que lo ha hecho Ellis.

Los protagonistas tienen una química que inunda la pantalla en esta historia en la que el amor todo lo consume. Afortunadamente, el director sabe sacar partido de esa química a la hora de exponer todos los altibajos emocionales de esta tóxica relación. La puesta de escena es elegante y fría y los diálogos, ingeniosos. La dirección de Newell es muy buena por su hincapié en las expresiones faciales de los protagonistas mientras mantiene esa atmósfera fastuosa y oscura. Newell transmite con precisión ese clima reprimido de la austeridad de la posguerra, que encontró una liberación de su tedio embrutecedor en el sórdido glamour y los malos modales. Entre otros aspectos técnicos, destacaría que la óptima fotografía en determinadas ubicaciones y en concretos momentos tensos y dramáticos se convierte en un elemento crucial que ensalza la obra.

No obstante, la belleza de esta película radica en un conjunto más amplio de cuestiones. Bailar con un extraño no trata únicamente sobre dos amantes miserables y desafortunados o sobre las relaciones tóxicas y lo rápido que descarrilan, sino que lanza una reflexión sobre el clasismo que incluso sigue inherente a la Inglaterra actual. Durante el metraje, podemos observar como a la protagonista le asusta y le paraliza constantemente su posición de clase baja y su reputación manchada, aunque sea perfectamente consciente de que el sistema está podrido. Cuando Blakely le presta tanta atención, ella sigue tratando de justificarse a sí misma como algo positivo. Realmente, lo que la impulsa a matar a su amante es la triste comprensión de que él nunca la ha visto como un ser humano igual.