Uno de los indiscutibles e indiscutidos clásicos del cine español, a partir de la novela de un clásico moderno de nuestra literatura, la obra homónima del Nobel ya finado Camilo José Cela.
Es una adaptación ejemplar, soberbia y admirable de la novela, un magistral retablo, mosaico, reflejo y espejo de la posguerra española. A partir de una colmena de personajes y con el centro neurálgico del café de Doña Rosa (que fuera anteriormente cementerio, pues las mesas de mármol no son sino lápidas una vez descubiertas por el hambriento grupo de poetas que allí se reunen; una audaz metáfora de la situación del momento, pues no se equivocaba mucho Dámaso Alonso cuando escribía aquello de "Madrid es una ciudad de un millón de cadáveres...") como hilo narrativo más importante se hace una radiografía, una fotografía impecable de la situación económica, política y social del momento, un justísimo y soberbio documento histórico, como lo era, en mayor medida y mérito, la novela.
Camus obtuvo su éxito (junto a la inolvidable "Los santos inocentes", otra adaptación literaria ejemplar de la misma etapa pero en ambiente rústico) mayor y más reconocido, el Oso de Oro en Berlín, y logró la más afortunada plasmación de su estilo: un cine sobrio, detallista, de precisa y nada exuberante puesta en escena, narrativo por encima de todo. Dibildos, también productor, escribió un guión excelente con la ayuda de Cela, quien se reserva un pequeño papel como inventor de palabras, y a la película no la falta ni sobra absolutamente el más mínimo detalle. El desigual ambiente de los cafés, con los trasnochados y bohemios poetas sin un céntimo, los falsos hombres poseedores de cierto poder económico y social, los engreídos tipos llenos de duros egoístas, la hipocresía de los que más tienen, las casas/refugio de prostitutas, el hambre, los rencores de los vencedores y los vencidos, el frío, las enfermedades de la época, la represión y el miedo, la rutina, la vida, todo, practicamente todo, está captado magistralmente en esta obra maestra de nuestro cine, que cuenta además con el más vasto y antológico reparto que se recuerda; añadan a los ya indicados los siguientes entre otros: María Luisa Ponte (que está impresionante), Emilio Gutiérrez Caba, Luis Escobar, Francisco Algora, José Vivo, José Bódalo, Mario Pando, Manolo Zarzo, Luis Ciges, Mari Carrillo, Agustín González, Rafael Alonso, Antonio Resines, Imanol Arias, etc...

Quizás sea por mi lógica, loable y casi obligada animadversión, repulsa y practicamente asco a un tipejo como el "honorable" presidente de los EE.UU, el señor George W. Bush, por lo que ésta, justificadamente polémica, a la vez que alabada película de Michael Moore me parezca tan buena y necesaria.
Por supuesto que Moore arrima el ascua a su sardina y ofrece un documental con vitriólica vocación de ser un arma de destrucción masiva contra Bush y su pantomima, pero no cabe duda que lo que ofrece aquí el cineasta americano es un conjunto de hechos demostrados y contrastados, también molestos, pero que tomados verdaderamente en serio harían concluir que entre el sátrapa Sadam Hussein y el zote de Bush no hay tantas diferencias, más bien al contrario.
Moore demuestra la mediocridad del presidente americano, su discutible elección, su patosa carrera de empresario del petróleo, el cobijo que su "papá" ha dado, da y dará (a cambio de dólares) a la familia Ben Laden (¡!), el uso partidista y sesgado de los terribles atentados del 11-S, la invención del "miedo" para invadir un país y más que derribar a un sanguinario dictador, lucrarse de petróleo y dólares a la par que envilecer al detestable integrismo fundamentalista árabe...
Moore desmonta al monigote de Bush, a su círculo putrefacto, a sus mentiras de destrucción masiva, a su falta de talento y de talante. Desmonta a un asesino procesable. Así de claro. Con dos cojones, parcialmente y desde el odio, pero validamente.
Y no comento de nuestro inmaculado, canonizable y pluscuamperfecto Mister Ansar...

A un tranquilo, religioso y tradicionalista pueblo de la campiña francesa llegan una guapa y liberal mujer (Binoche) y su hija, a fin de alquilar la vieja pastelería del lugar a la anciana y diabética Judi Dench, y convertir el local en una chocolatería y en el centro de reunión del pueblo...
Una notable película del noruego Hallstrom, bien necesaria en estos tiempos y reivindicadora de placeres eternos, por encima de su incierto y despreciable caracter pecaminoso: el sexo, la comida, el chocolate, los amores tardíos, el baile, un beso, hasta el sabor dulce de la muerte.
"Chocolat" es una delicia de ver por su ambientación sabrosa y chocolatera, lo que unido a un poso de cuento de hadas de los de antaño, de esas entrañables historias de nuestros abuelos al calor de la lumbre, con una taza de chocolate caliente entre las manos, hacen de ella una gustosa forma de pasar el tiempo.
Entre líneas, "Chocolat" también habla de la intolerancia, del derribo de nuestros temores, del valor de la personalidad de cada uno, del linchamiento al reaccionarismo, de la oposición al "pensamiento único" (con el que nos quieren embobar en este puto mundo).
Muy buenas interpretaciones, con una estupenda Juliette Binoche como psiquiatra/confidente que con su varita mágica de chocolatera afrodisíaca resuelve problemas y revive a ese pueblo lleno de vida subterránea pero amortajado por un alcalde absurdo y patético (bien Alfred Molina). Destacan también Judi Dench, Carrie-Anne Moss, Lenna Olin o Peter Stormare en un reparto en el que Johnny Depp participa en un papel de truhán de buen corazón y viajero, demostrando, una vez más, su buen olfato para meterse en proyectos interesantes y desligados de la línea marcada y recta de Hollywood (y "Chocolat" lo es, sin duda alguna).
La música melancólica, cercana y rayana lo folclórico de Rachel Portman completan el bonito y gustoso espectáculo.

"Fitzcarraldo" forma con "Aguirre, la cólera de Dios" un díptico con muchas cosas en común en la filmografía del imaginativo y particular Werner Herzog:1) las dos están centradas muy marcadamente en 2 seres humanos oscurecidos, a la par que iluminados hasta la ceguera y la locura, por la consecución de un sueño, con más pinta de pesadilla; 2) ambas están interpretadas por Klaus Kinski; 3) las dos se desarrollan en la selva amazónica, un contexto, mezcla perfecta de aventura exterior e interior, de peligros e improvisadas situaciones.
Aquí el sueño/pesadilla es la construcción por un millonario irlandés arruinado, gran amante de la ópera, de un palacio de la Ópera en Iquitos, en el corazón de la selva amazónica, para que lo inaugure su adorado Enrico Caruso.
Secuencias como las de transportar caucho de la zona más inaccesible del Amazonas, cruzando el barco de río a río, ¡a través de una montaña!) son de lo más llamativo en una película tan singular como de infernal rodaje, con un Kinski insoportable, pero dónde el resultado, quién sabe si precisamente por esto, es muy sólido, dónde lo quimérico, la locura, la obsesión como único asidero vital, la megalomanía, se dan cita al convite preparado y condimentado por un cineasta francamente muy poco común en sus nada conservadores proyectos.

Un hombre (Eastwood) salva de una paliza a manos de los matarifes del cacique local a otro hombre que vive junto a un grupo en un pequeño campamento buscando oro. El cacique está intentando monopolizar la zona y por eso busca echar de allí ese campamento. El hombre se hace pasar por reverendo y se une al campamento, ocultando en realidad un pasado de heridas y no olvidado, por el que ahora precisamente se encuentra allí...
Una película maravillosa que empalidece con su sola existencia (habría que unir el "Sin perdón" del propio Eastwood) todo lo que el western haya dicho o querido decir desde la época gloriosa de éste - Aldrich, Mann, Ford, Sturges - hasta la realización de ésta.
Sirviéndose del argumento del inolvidable clásico de Stevens "Raíces profundas" (cambiando el personaje del niño por el de una chica adolescente y a los campesinos por mineros) Eastwood hace una película solidísima y cabal, una obra maestra que derrama sapiencia de western, un sentido de madurez y del equilibrio, que rescata los mejores rasgos del género (el uso de los paisajes, la figura del heroe que luego renuncia a todo una vez cumplida su venganza y tranquilizada su alma, los buenos y los malos, los débiles y los poderosos, la presencia del pasado en el heroe, que guarda un secreto...) a la que Eastwood añade un tono tenebrista en los interiores que redondean el significado último de la película: tras el clímax final no se admite la más nimia concesión ni el más pequeño recodo a que el pistolero, ya con la conciencia tranquila, se detenga siquiera a escuchar como le dicen gracias. Eso habla a las claras del tono pesimista, muy pesimista, de la película, que por otra parte no deja de ser una alabanza a la resistencia y persistencia por objetivos legítimos y humanos, a la solidaridad altruista, al espíritu humano y a la capacidad de iniciativa, y una reflexión melancólica, pese a todo ello también, sobre el individualismo. Son contradicciones que se emparejan y por ello hacen más grande y compleja a la película.
Con "El jinete pálido" (título precioso, poético y certero) Eastwood compone, probablemente su mejor papel: un heroe solitario, disfrazado de predicador, desencantado y maduro, elegante y con barba de transeúnte y mesiánica, curtido e impasible, un pistolero de oscuro pasado defensor de los débiles, espectral y desengañado.
Película soberbia, un clásico para quien esto escribe, de fenomenal fotografía de Bruce Surteen y formidable guión de Michael Butler y Dennis Shryac, que es la enésima demostración de que su director/actor/protagonista es absolutamente imprescindible en los tiempo que vivimos. Amo esta película.