Una jungla de cicatrices

Spike Lee nunca ha hecho cine sencillo o fácil, ha sido un agitador de conciencias y correccionista cultural sobre el cómo se ha retratado a la comunidad afroamericana. Cuando ha dado en el clavo lo ha hecho combinando entretenimiento, risas y rabia en una historia con mensaje claro.

En Das 5 Blood (Hermanos de armas, 2020) vuelve a dar en la diana de manera atinada aunque no sea en el centro. Pero es una película certera, necesaria e ilustradora.

Tras unos años en los que su voz estuvo desconectada de la realidad política de la era Obama, ha sido con la administración Trump cuando su “spilkiness” ha vuelto a ser incisiva y encontrar el por qué, aquí incluso aludiendo directa y frontalmente al llamado “Agente naranja”

En Das 5 Blood Spike Lee nos lleva a la guerra literalmente. Lee revisiona Vietnam para curar cicatrices, una guerra en la que los vietnamitas patearon el culo a franceses, chinos y americanos, aunque traten de cambiar la narrativa.

Aquí se centra en 5 soldados, ya veteranos de guerra que se reúnen para recuperar el cadáver del coronel de su regimiento caído en combate. Esa es una cubierta porque también buscan unos lingotes de oro que nadie conoce y que les harían convertirse en millonarios.

La película se desdobla en dos: por un lado la parte de denuncia crítica e ilustrar cómo la población africo-americana estaba allí luchando por un país y unos ideales que no se les aplicaba a ellos por su color, y por otro la historia de aventuras, entretenimiento y acción alrededor del oro. Como un envoltorio de entretenimiento para hacer accesible al gran público la denuncia social.

Ahí es donde se ven las costuras de la película, viniendo de una cinta tan redonda y bien tejida como BlackKklansman aquí la historia y los cambios tonales no terminan de ser tan redondos.

Pero la parte de denuncia está perfecta. Es emocionante, divertida, inspiradora y aleccionadora el conocer cómo en las tropas de Vietnam había un tercio de militares de color cuando escasamente era un 10% de la población total USA.

También su enfrentamiento frontal a la cultura está muy bien diseñado, el diálogo sobre Rambo, el guiño a Miss Saigon, el sonido de “Ride of Valkyries”, el helicóptero volandosobre el arojo atardecer, el póster en la discoteca, la escena sobre Vietnam convertido ahora en destino turístico y globalizado totalmente… Es una película muy interesante en muchos matices.

La estética muy Lee y con una inteligente manera de jugar con las lineas temporales en este caso haciendo uso del formato cambiando a 4:3 (Vietnam fue la primera gran guerra televisada) y haciendo que los actores mayores se interpreten a sí mismos jugando con la magia del espectador y de la historia.

En resumen, Spike Lee se ha sacado una pellícula que te enfrentan a la realidad y al debate sin fisuras. Quizás la aventura del oro sea superflua pero tiene mucho donde sacudir conciencias y agitar el American establlishment, y esta visión siempre es de agradecer


Valoración: 7/10

Me acerqué a Furiosa con cierto escepticismo, me encantó “Mad Max: fury Road” pero odié “Tres mil años esperándote”, así que volver con una precuela de un personaje dentro de una saga me parecía más una opción de recuperar el dinero perdido en el desastre de la anterior cinta que realmente un reto creativo. Sin embargo el ya casi octogenario George Miller rompe con todas las expectativas y nos da más: más persecuciones, más trucos aéreos, más epicidad, más sentido del espectáculo y más espíritu de empujar los límites de lo que se puede narrar en un encuadre dejándose llevar por una mezcla de gamberrismo transgresor y de iconografía católica y Arturiana que hace que cada simple escena, movimiento de cámara y hasta encuadre encierre sorpresas.

En esta ocasión la historia se nos narra separada en cinco capítulos y se centra en la historia de “Furiosa” el personaje interpretado por Charlize Theron en “Fury Road” que viven en un oasis en medio del desierto. Unos moteros descubren por azar el lugar y entonces ella tratará de detenerles siendo capturada y llevada ante su líder Dementus. Ese será el principio de su odisea y de su enfrentamiento con Dementus que dura más de una década y que le llenará de venganza, duelo y deseo de volver a casa sin tener muy claro dónde o qué significa ese término.

Ese es el argumento porque realmente de lo que va la película es de cómo una virtuosa niña se convierte en una mujer dura. Lo cual es una novedad en una saga en la que normalmente los personajes ya los vemos completamente formados cuando los conocemos. Aquí hay un arco y una motivación a lo largo de los años.

También es un ejercicio de mostrarnos los orígenes de fortalezas como Gas Town y Bullet Farm, así como de Citadel y todos los elementos y personajes que vimos en Fury Road. Miller ha sabido por completo bañarse en su mitología y expandir cada elemento, dar alma, vida y sentido a ese universo que ha construido.

Todo apoyado de un diseño de producción y una dirección de fotografía que justifica el abultadísimo presupuesto de casi 175 millones de dólares que tiene difícil de recaudar.

Porque seamos sinceros, Furiosa es casi un milagro que exista, es una película de nicho, una película de culto, una película muy friky (no hay más que ver los nombres de los personajes) pero hecha a gran escala. Miller ha hecho lo que le da la gana hasta el punto que su actriz principal, la que vende el póster “Anya Taylor-Joy” no aparece hasta bien entrada la hora de metraje. Todo el resto de la cinta cae en las espaldas de Alyla Browne que tiene un aire de Jodie Foster adolescente. Ambas actrices están soberbias en lo que ves la transición entre ambas sin ningún tipo de problema.

También hay un gran cuidado en el arco del villano Dementus, con un Chris Hemsworth que aporta su carisma a través de la nariz prostética. Hay un cuidado hasta en los colores de las capas que utiliza que van mostrando su transición desde líder a traidor y por último sádico demente. Hemsworth me ha sorprende muy gratamente.

Pero sobre todo “Furiosa” es mucho más densa a nivel temático que “Fury Road” y a la vez bebe mucho de la filmografía de Miller de siempre tratar de encontrar tu familia y de familias subrogadas. Es mucho más cataclista, siempre parece que todo está a punto de desaparecer con personajes que cambian el combustible en cuanto cambian de vehículo. Tiene esa sensación de urgencia y aprovechamiento que un escenario postapocalíptico debería tener.

Comparada con “Fury Road”, esta cinta no sorprende y es cierto que tiene muchos más efectos digitales que la anterior que hace perder un poco ese espíritu alucinante de los efectos prácticos. Aquí además hay una retórica y un juego de metáforas en los diálogos grandilocuentes que a veces me pierden un poco en su operística grandiosidad, aunque de repente el Miller demente pone otro personaje llamado “piss boy” cuya función es orinar en los motores y vuelve a esa locura de no saber por dónde o cómo me va a sorprender.

Por eso digo que nadie se alarme, a ese simbolismo le adorna de escenas de acción y persecuciones alucinantes, con un montaje sin fisuras y una banda sonora que elige por la fuerza y la tensión en lugar de lo lírico que consigue quitar ese hierro de sobriedad que contienen las escenas calmadas. Furiosa quiere que alucines con cada plano y lo consigue. Con muchas creces hasta llevar a uno de los finales más dementes que nos ha dado el cine comercial.

En resumen, “Furiosa: A Mad Max Saga” es una película que busca ser más que una precuela, que busca ser más que repetir los esquemas de “Fury Road” y que consigue lo que las mejores secuelas suelen hacer, bañarse en su universo y ampliar de manera lateral el universo y la construcción de personajes sin renunciar a su identidad. Además lo hace de una manera que consigue que te quedes alucinando. Furiosa es una obra demente de una mente demente y financiada por un demente que pensaba que Mad Max es Avatar. Pero demos gracias como cinéfilos que existe la gente así, porque Furiosa es casi un hito destinado a película de culto.

La Caza es divertida cuando no se toma en serio. Es lo suficientemente sangrienta para satisfacer a los fans del género. Sin embargo, la cinta se empeña en ir un poco más allá y crear un discurso político tan básico que terminas pensando que te quieren dar gato por liebre. No es lo suficientemente afilada o divertida como para hacerla destacar.

Es imposible diferenciar la polémica que suscitó “La Caza” (The Hunt) de la propia película que ha llevado a un estreno tardío.

Antes de su estreno y sin haberla visto Donald Trump tuiteó sobre ella, puesto que en una desinformada opinión pensaba que trata sobre un grupo de liberales cazando “Rednecks” como presas y alimentando el odio entre las dos Américas. Diciendo que Hollywood estaba creando odio contra los conservadores.
Trump quejándose de que una película alimentaba el odio. La paradoja.

El caso es que aunque la película va un poco sobre eso aunque el discurso político está tan mal ejecutado y es tan mitad de la cancha que en realidad no había nada que temer. De hecho en la película los cazadores quedan bastante peor que las presas, por lo que Trump tenía poco que decir si hubiese visto la película.

La premisa es básica. Un grupo de pobres conservadores es secuestrado y se despierta en medio de un bosque en el que hay una caja (similar a la cornucopia de los juegos del hambre), pronto se dan cuenta que son presas de un juego macabro.

Todo apunta a una revisión en clave de comedia negra de “A Most dangerous game” que podría funcionar, sin embargo se desdobla en dos cintas: Una comedia de acción salvaje y un discurso político. La primera está bien ejecutada. La segunda es de vergüenza ajena.

Como película de acción salvaje la diversión está ahí en forma de trampas, flechas, disparos y sangre. Es realmente interesante y las escenas de acción violentas consiguen impactar y divertir.

El problema está en la otra mitad de la cinta, la del argumento y el peso político porque tras el shock inicial las sorpresas se disipan. De hecho diría que la gran sorpresa es ver el orden en el que los actores van muriendo.

El discurso político de “La caza” es tan absurdo y de patio de colegio que incluso en un momento de la cinta antes de matar alguien a un personaje dice “Y que sepas que el calentamiento global es real”. Ese es el nivel del discurso o lo sutil que es todo.

Pese a que el guión está firmado por Nick Cuse y Damon Lindelof, que planteó muchas cuestiones políticas de manera muy elegante y reflexiva Leftovers, aquí se muere muy rápido tratando de mantener un equilibrio respetuoso con todo el mundo.

No puedes crear un concepto así y hacer de todos buenos y malos. No hay motivaciones reales y creíbles y la mezcla de las políticas tan básicas y argumentos tan simples y manidos llegan a chirriar por completo hasta que logra hacer perder mi interés.

En lugar de hacer un análisis intelectual sobre cómo es posible llegar a ese punto por parte de la sociedad americana se quedan en diálogos sobre el azúcar en los refrescos o la utilización de los pronombres.

Si algo salva la cinta es Betty Gilpin (de la serie Glow) que consigue dar carisma a una improvisada heroina. Ella y las escenas de acción son lo más disfrutable de un Craig Zbel que sí que supo mantener el pulso de crítica y social en Compliance.

Lo mejor: La diversión sangrienta
Lo peor: Lineas que dan todo el Cringe del mundo

Una de las cosas que tenemos los nacidos en los 80, es que nuestra adolescencia nos la marcó Scream (y derivados) con su resurgir de slashers, su terror desenfadado a base de sustos y esa especie de Whodunit tratando de adivinar el asesino (Siempre es alguien que conoces).

Como siempre la cosa terminó cayendo por su propio peso y secuelas de subproductos de dudosa calidad y referencia (te miramos a ti “Leyenda Urbana”), el terror derivó hacia remakes asiáticos, ante el gore desmedido de los Saw y secuelas y el paso al “cine de terror elevado” que vivimos ahora.

Pero si en algo se desmarcó Scream fue en la inteligencia de su propuesta y guión: Por primera vez los personajes de la película de terror sabían que estaban en una y trataban de jugar con sus reglas para sobrevivir. Una genialidad.

Ahora nos llega su “re-cuela” que como bien explican en la propia película es una secuela que continúa los eventos pero incorpora a nuevos personajes para que cojan las riendas. No es un reboot al uso, pero tiene la suficiente fuerza como para captar a una nueva generación que no ha visto las originales. Y todo esto está más que conseguido.

Scream (2022) logra convencer como regalo a los fans que querían ver a Ghostface de nuevo y como capturador de una nueva generación que quiera un poco de sustos, cachondeo y que no le traten como idiota.

Parte de ello se basa en la decisión de dejar que el trío de las películas originales no cojan excesivo protagonismo (como sí que sucedió en Scre4m), aquí aportan al argumento y le dan valía y peso pero no marcan las acciones. Un poco al estilo de los personajes clásicos de Star Wars en la última trilogía.

Con estos ingredientes y con “Stab (puñalada)” como catalizador marcan un argumento ambientado de nuevo en Woodstock donde de nuevo alguien está matando gente homenajeando los asesinatos originales y dando lugar a varias referencias meta de lo más interesante y divertidas que saben hacer una buena radiografía del cine de terror actual.

Aún así la fiesta no es absoluta y aunque Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett manejan con mucho acierto todos los ingredientes (como ya hicieron en la muy infravalorada “Ready or Not”) aquí los números de terror no les quedan lo suficientemente atados en el apartado terrorífico.

Valoro mucho cómo han construido las piezas con referencias obvias a Psycho o sucintas a Carpenter y sobre todo al maestro Craven, porque lo grande de ahora es que Craven bebía de Hitchcock pero ahora la nueva generación bebe directamente de él.
Pero ese ambiente terrorífico del primer Scream, esa manera de crear imágenes y muertes icónicas que después repetirían y parodiarían hasta la extenuación aquí no suceden. De hecho la película gana muchos enteros en el último acto cuando se desmadra por completo y ahí los directores son capaces de mostrar que su inmenso talento está en otro apartado.

Tampoco han conseguido dar en la tecla de algunas interpretaciones de los más jóvenes que se ven ciertamente patosas o faltas de carisma comparadas con la original.

Esos dos peros son únicas observaciones en lo que en general es una celebración y divertimento. Scream (2022) tiene las piernas suficientes para caminar por sí sola, para divertir, sorprender y sobre todo entretener de manera absoluta. Es una cuarta (!) secuela de una cinta de terror que sabe perfectamente dónde y cómo juega y que termina en todo lo alto. Hay una escena en la que hablan sobre pasar la antorcha, creo que si Wes hubiese estado entre nosotros habría estado orgulloso de entregarla.

Lo mejor: El sentido autoconsciente de entretenimiento y no querer elevarse
Lo peor: Las piezas de terror y ciertas interpretaciones

Valoración: 7,5/10

Judd Apatow se hizo famoso por sus comedias “bros” y crear el System Seth Rogen, Paul Rudd, Jason Segel, Jonah Hill, Dave Franco… Comedias descerebradas de perdedores adictos a la marihuana. Algunas de ellas realmente divertidas, otras verdaderamente repetitivas.

Judd Apatow también ha tratado de buscar su graduación indie y reconocimiento en “dramedias” donde ha creado tantos simpatizantes como detractores. The King of Staten Island cae en este saco y es su película más similar a Funny People.

Si os gustó su tono en aquella es muy probable que os guste este “King of Staten Island”

Pete Davidson ocupa el lugar central de la función y para mí Judd Appatow no consigue darle la profundidad o la ironía para elevar esta historia de perdedores y aunque tiene elementos buenos como el mensaje sobre los bomberos y lo que dejan detrás cada vez que se juegan la vida, la película me resulta excesivamente larga y convencional en su último tercio. De hecho el personaje me resultaba cansino y rozando la tara mental.

En resumen, pese al acertado retrato de Staten Island “If you have money why would you live in Staten Island” Para hacer este drama ligero las bromas tienen que caer bien y el drama debe funcionar por la simpatía hacia los personajes. Y ni una cosa ni la otra acaban de caer en el lado correcto.