Resulta desconcertante oir segun que cosas en el mundillo de la crítica. Un ejemplo: un señor decide prescindir de todo artificio, usar luz natural, filmar cámara en mano y masturbarse mentalmente con metáforas sobre aspectos de la sociedad actual. Automáticamente queda catalogado como genio absoluto, martillo de herejes de la comercialidad y referente para todo aquel que quiera presumir de buen paladar cinematográfico.

Otro ejemplo: otro señor, cuyo bagaje cinematográfico es totalmente diferente al eurocentrismo al uso, decide subvertir los cánones habituales del cine asiático. Para ello echa mano de un sentido del humor más acusado, potencia los efectos especiales para dar un aire más manga a las coreografías de artes marciales, y demuestra que domina el mundo cinematográfico con referencias cinéfilas a "Gangs of New York", "Lo que el viento se llevó", "Drácula de Bram Stoker" y "El Padrino" (entre otras).
Pués bien, en este caso se dice que hace bazofia, que sus películas no hacen gracia y que aburren.

¿Tan mal estamos, que necesitamos sobredosis de intelectualidad ? ¿Tan superficiales somos que, si disfrutamos sin la necesidad compulsiva de críticar al sistema, tenemos que renegar de ello?

Si te identificas con el primer ejemplo, es evidente que ni "Kung Fu Sion" es tú película ni esta, tu crítica.
Si por el contrario crees que pensar está bien, pero de vez en cuando hay que poner las neuronas en modo off, felicidades. Habrás disfrutado tanto como yo.

Lo mejor: Que la película nunca se avergüenza de ser la que es
Lo peor: Que haya quién sí sienta vergüenza de verla

Resulta un tanto simplista reducir al género policiaco un película como "Heat". Evidentemente sí, nos hallamos ante un clásico duelo entre policia y ladrón con su dosis de investigación, sus escenas de atracos y su correspondiente juego del gato y el ratón. Pero "Heat" va más allá de todo esto, se trata de un film transversal, que se acerca más al drama intimista que al thriller al uso.

Lo que se nos muestra es casi un tratado filosófico sobre las relaciones humanas. Michael Mann nos presenta toda una galería de personajes cuyo punto en común es su tremenda soledad frente al mundo que le rodea. Unos la desean para poder cumplir lo más profesionalmente posible con su tarea y otros huyen de ella aferrándose a todo aquello que les permita tener un mínimo de compañía.

Aunque el tema central, los pilares básicos del film, se centran en dos personajes centrales entorno a los cuales gira un mundo que está punto de derrumbarse por la misma causa, el celo profesional y las convicciones morales de cada uno. Así Robert de Niro se nos presenta como un hombre frío y desapasionado incapaz de apegarse a nada frente a un Al pacino al que precisamente no puede contener su apasionado torrente de emociones por todo lo que rodea. No son más que las dos caras de una misma moneda, dos románticos que viven en un mundo que no es el suyo, y que en el fondo les une un vínculo más profundo que cualquier diferencia que les pueda separar.

Todo ello se articula en una puesta en escena de tintes poéticos, de largos silencios, de miradas como puñales y de frases que se disparan como si fueran sentencias. Su mayor logro es conseguir que lo hermoso no caiga en lo pedante, que haya equilibrio entre lo lírico y lo violento y sobre todo que de al espectador motivos para la reflexión acerca de las connotaciones morales que su mensaje ofrece.

Con este film, junto con "El dilema", Michael Mann tocó techo en cuanto a la plasmación visual de su forma de entender el cine. Lástima que posteriormente cayera en la autocomplacencia, y aunque firmando notables trabajos, no dejan de ser pálidos reflejos de lo que nos ofrece esta auténtica obra maestra.

Lo mejor: El romanticismo que impregna la propuesta.
Lo peor: Que sólo sea recordada por la escena del atraco.

Hay un cierto paralelismo entre dos obras tan a priori dispares como esta película y "Billy Elliot". En las dos contemplamos las tribulaciones de un niño en el contexto de la Inglaterra Thatcheriana y una constante presencia de la música como motor y voz en off de los sucesos acaecidos.

Lo que diferencia a ambos films, es que mientras las aventuras del niño bailarin caen por la pendiente de lo almibarado aquí todo va de mal en peor, y la mala leche que destila la película va en un in crescendo continuado.

Puede parecer que nos hallemos ante un retrato de un tribu urbana, donde se nos quiera relatar el progresivo distanciamiento de su espíritu original para caer en las filas de la ignorancia, el odio y la xenofobia. Puede que parezca que se nos quiera ofrecer un claro manual de como el espirítu grupal puede captar facilmente a aquellos que necesitan no estar siempre solos. Puede que sea un alegato contra el racismo, puede que sea un alegato contra la guerra. Puede ser. Puede.

Pero todo eso no es más que la superficie de lo que nos ofrece este film, que no es más que una denuncia contra la violencia, sí, pero no una cualquiera, sino la violencia que ejerció el estado inglés de Margaret Thatcher contra sus ciudadanos. Una violencia que sumió a muchos en la confusión cuando no en la pobreza, que destrozó todo un tejido social y que abocó a miles de jovenes, como los de la película, a buscar respuestas donde no las hay. Y es que no hay dicho más cierto que el que dice que la violencia sólo genera violencia y el miedo sólo genera más miedo.

Lo mejor: Su retrato fiel, sin estereotipos, de una época.
Lo peor: Que algunos piensen que es sólo una película de skins.

¿Se puede filmar la muerte? ¿Se puede retratar la agonía? ¿Se puede plasmar en imágenes el dolor ajeno fundido con el propio? ¿Se puede penetrar en el mundo de los traumas interiores? ¿Se puede ser cruel y tierno? ¿Se puede dibujar un mapa donde resida lo más noble y lo más bajo del ser humano? ¿Se puede convertir una experiencia cinematográfica en algo que trascienda la pantalla? ¿Se puede convertir un fotograma en parte de la epidermis?

A todas estas preguntas responde Gaspar Noé con Enter the Void, posiblemente una de las propuestas formales más arriesgadas y efectivas, que no efectistas, rodadas en los últimos tiempos. Es evidente que esta es una producción que no dejará indiferente por su vocación de moverse en el filo de la navaja estética y argumental, sin embargo resultan hasta cierto punto chocantes las reacciones airadas ante lo presenciado teniendo en cuenta que Noé no es un director novel. Efectivamente esperar algo convencional del director de films como Sólo contra todos o Irreversible resulta, cuando menos, de una ingenuidad terrible. No significa que sus obras sean buenas por decreto, pero está claro que tenemos a un cineasta, un autor, de rasgos cinematográficos muy marcados, cuya bandera fundamental es narrar historias cuya base argumental es aparentemente nimia, pero que desmenuzan con una carga de crueldad implacable las miserias del alma humana. Todo ello adornado, como no, con una potencia visual y un pulso narrativo siempre al límite de lo asfixiante, que pretende delimitar un espacio del cual es imposible sustraerse.

Si el travelling es una cuestión moral, cabría preguntarse si con este film Noé no ha transgredido toda frontera ética. Es difícil plantearse donde está el límite, y más cuando la subjetividad del tema (no olvidemos que, de facto, nadie sabe que pase cuando se muere) impide analizar adecuadamente si la proximidad o la lejanía del plano implica cercanía descarnada o distanciamiento irónico. Sin embargo, detrás de la pirueta formal, de la presunta subjetividad aérea se esconde la posición de un demiurgo que lo contempla todo desde arriba. Así al igual que el personaje, Noé nos ofrece una mirada desde la divinidad que le permite explorar cada recoveco de la trama, pero que al mismo tiempo le impide el don de la intervención. (sigue en spoiler)

En el mundo del cine, y más concretamente en el mundo del espectador, ha surgido una nueva subespecie, los podriamos denominar gafapastas, culturetas, intelectualillos del 3 al cuarto..etc.
Son este tipo de espectador que solo disfruta con planos de media hora viendo como una cucaracha se pasea por el desierto (Abbas Kiriostami), con creidillos que se creen que han reinventado el cine y solo hacen pestiños infumables y aburridos (Von Trier) o con el denominado cine social con mensaje (Ken Loach).

Supongo que este tipo de espectador despreciaría sin más un film como los Bingueros. Los motivos? Caspa hispánica, actuaciones patéticas, guión infumable etc etc etc.

Pues bién yo creo que siguiendo los parámetros gafapastiles esta película debería estar en cualquier videoteca o ser exibida regularmente en cualquier filmoteca o cinefórum.La razón es muy simple, esta es una pelicula con MENSAJE. Señores, hay algo evidente, no se puede entender un fenómeno histórico como la transición española sin las pelis de Pajares, Ozores y Esteso. Estas peliculas (y los Bingueros es su mejor exponente) són un claro reflejo de la sociedad española de la época. En ella vemos a hombres feos, bajitos y acomplejados buscando realizarse en un mundo que seabre después de 40 años de gris dictadura. Los intentos continuos de escarceos sexuales con suecas de buen ver no son más que el reflejo de todo sueño humedo del español medio. Lo que se está pidiendo a gritos es: quiero cepillarme a una mujer de verdad, moderna y sexualmente liberada. Estoy harto de irme a Perpignan para poder ver dos tetas y un culo!
Además la pelicula entronca con la tradicional cultura de la picaresca española, del enriquicimiento fácil, del éxito sin pegar golpe. En definitiva, la pelicula va más allá del simple humor de brocha gorda y se convierte, acaso sin saberlo, en un espléndido fresco de la España de finales de los 70. Un ejercicio de realismo que ya quisieran los mojigatos del franquismo feliz de Cuéntame o el demagógico Ken Loach español Fernando León de Aranoa.