“Nunca llegarás a ser un héroe siendo normal” reza la publicidad de “Paranorman”, la segunda película de los estudios de animación LAIKA (Coraline), y no podría haber mejor frase para caracterizar a un niño obsesionado con el cine Clase B, los zombies y las criaturas asquerosas y terroríficas, que de un momento a otro se convierte en la única salvación de su pequeño pueblo.

Combinando animación en stop-motion y 3D, los realizadores de “Paranorman” lograron dar un maravilloso y detallado aspecto (sin duda una sustancial mejora desde “Coraline”) al universo en el que vive Norman, un niño con una habilidad especial: puede ver y hablar con los muertos. Su habilidad, sin embargo, es una maldición para su familia, que debe aguantar los chismes de los vecinos, y para el mismo niño, quien se resigna a ser intimidado y acosado por todos en el colegio. Pero cuando una maldición de siglos atrás amenaza con destruir al pueblo, Norman se ve obligado a usar su poder para evitar la destrucción.

“Paranorman” tiene, sin duda alguna, una gran premisa. Y su historia, hasta cierto punto, se desarrolla con una asombrosa destreza, manejando temas oscuros para una película familiar (la muerte de seres queridos, el bullying y la tristeza de nuestro protagonista, que en momentos llegamos a sentir como nuestra) con una ligereza que le da un toque humorístico sin necesidad de volver frívolos los asuntos de fondo.

Sin embargo, la delicadeza con que la historia es tratada parece salirse de las manos de los realizadores llegando al final del relato, y la trama se vuelve enredada y se toma a sí mismo tan en serio que el equilibrio perfecto que se había alcanzado entre el horror (hay algunas secuencias que cualquier película de terror para adultos envidiaría), las enseñanzas (la importancia del perdón y de no dejarse controlar por el miedo) y el humor (alcanzado en muchas ocasiones mediante un ingenioso juego con los estereotipos del cine de terror), se pierde por completo.

Es una lástima porque “Paranorman” es en el fondo una gran historia con personajes muy bien construidos, realizada con gran destreza técnica y creativa, y con algunas elecciones artísticas precisas: una escena al comienzo, en la que la cámara da una vuelta alrededor de Norman, permitiéndonos ver el mundo a través de sus ojos, resalta por su efectividad. Y esos destellos de genialidad son de los momentos más satisfactorios que han pasado recientemente por el cine animado.

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En un barrio abandonado de Detroit, un hombre aficionado a los instrumentos musicales tiene una particularidad solicitud a su proveedor de rarezas: una bala hecha de la madera más dura. Al otro lado del mundo, en Tánger, Marruecos, una mujer se reúne con un enigmático anciano que la provee de un líquido “del bueno”, del más puro. Él es Adán, ella es Eva, y llevan miles de años sobre la Tierra, sobreviviendo a punta de sangre humana, con sus colmillos afilados y una aversión hacia la luz del día.

La más reciente película de Jim Jarmusch pone en escena, quizás de manera más explícita que nunca, sus preocupaciones y decepciones con la vida. Su versión del cine de vampiros comparte poco con otras películas del género que tanto furor ha causado recientemente, y el “vampirismo” sirve sólo como una excusa para permitir existir y darle peso a las palabras de unos personajes que, por el hecho de haber vivido la historia de la humanidad, tienen mucho que decir y opinar sobre el estado actual del mundo.

De la historia de “Only Lovers Left Alive” no hay mucho que decir. La concatenación de sucesos en la que se ven envueltos los personajes sólo está ahí para que entendamos la manera en que piensan y sienten. Para los Adán y Eva de Jarmusch, los humanos no son humanos sino “zombies”, manipulados con facilidad, violentos, impulsivos y sobre todo negligentes.

Miles de años de guerras, controversias, asesinatos y censuras deberían habernos enseñado algo, piensa Adán, pero no lo han hecho. Los gobiernos como culpables por acción y los zombies como culpables por omisión se han encargado, no de que haya una degradación de la sociedad, porque siempre ha estado degradada, sino de mantener el vicioso estado de las cosas. El hecho de creernos superiores a la naturaleza, a pesar de que somos unos animales más en el mundo (una idea ejemplificada con perfección en la memorable toma final), está jugando en últimas en nuestra contra. Eva le da la razón, pero le recuerda que no es la primera vez que lo sobrecoge una crisis existencialista, y que hay motivos para vivir.

El motivo para vivir de Adán y de Eva, donde el cinismo encuentra por fin un descanso, es el arte. En una hipnótica secuencia en Tánger protagonizada por una talentosa cantante libanesa, está el único destello luminoso a la lúgubre atmósfera que con tanto talento Jarmusch moldea durante todo el largometraje. Existir, parece decir Jarmusch, vale la pena por esos íntimos momentos de conexión humana gracias al arte, esos momentos que existen a pesar del mundo, escondidos a él. Y es esta idea la que parece darle una razón de ser a “Only Lovers Left Alive”, y a la filmografía de Jim Jarmusch en general. Jarmusch nos está diciendo por qué hace lo que hace, y en este sentido ésta es una película en extremo personal.

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Es una mala película. Pero vale la pena verla en cines por los efectos especiales, que merecen sin duda el Oscar y que son algunos de los más impresionantes que he visto en mi vida. La película es larga, aburre desde la mitad hasta el final después de la rapidez de las primeras secuencias, y se centra en tantas historias y temas que termina enfocándose en nada. Lo más prometedor que tenía su trama, que era el tema la pérdida de la humanidad en tiempos de crisis, se trata en un corto monólogo pero no vuelve a reflexionarse sobre el tema durante el resto del filme. Se trata de manera muy breve el tema de la religión, que le hubiera dado algo de profundidad y polémica al largometraje.

Actuaciones regulares y malas, personajes caricaturescos que en ciertos casos funcionan y en la mayoría no, y las típicas líneas cómicas no-cómicas de estas películas hechas para todas las audiencias nunca faltan.

Hay momentos en el cine que están llenos de magia, en los que los sentimientos y las emociones que nos hace sentir una película trascienden su existencia como hecho audiovisual y nos sentimos parte de la historia que estamos experimentando. “Beasts of the Southern Wild”, la historia—vista a través de los ojos de una pequeña niña—de una comunidad costera enfrentada a una tormenta inminente, está llena de esos momentos.

The Bathtub es como los habitantes nombraron a su pequeña isla cercana a la parte continental del sur de Estados Unidos. Con los polos derritiéndose, se cree que el nivel del agua subirá y la isla quedará bajo él, lo cual alarma a una parte de la comunidad. Pero esto podría ser una historia más de crónica social si no estuviera contada por una niña de seis años, el alma y el corazón del filme, Hushpuppy. Y a través de los ojos de la niña, el mundo adquiere significados distintos y el relato se transforma en el mejor ejemplo de que el realismo mágico también tiene cabida en el cine.

Hushpuppy está en el centro de The Bathtub, intentando entender el mundo que la rodea y descubriendo ese sentido de apego por su tierra y por la naturaleza que caracteriza a su comunidad. Sobreviviendo con pocos recursos pero con un carácter forjado por años de luchar contra las adversidades, su padre Wink encarna el espíritu férreo de su pueblo, y cree que es su misión lograr que su hija adquiera ese valor para que crezca con una personalidad que no permita que nada, de entre todo lo malo que puede suceder en su vida, la derrumbe.

Y es en ese cruce de caminos, entre entender su lugar en la comunidad y en el planeta, y adquirir esa necesaria valentía frente a la vida, que Hushpuppy se encuentra, y nos ofrece unas reflexiones que, bajo el disfraz de la inocencia infantil, esconden un significado más profundo. Pero el guión de Benh Zeitlin y Lucy Alibar no tendría el mismo impacto de no ser por las sorprendentes actuaciones de Quvenzhané Wallis y Dwight Henry, la niña y su padre en la película, ambos actores naturales que debutan en el cine.

Filmada con un estilo que recuerda al cine de Terrence Malick y acompañada de una música original que se convierte en un personaje en sí mismo, “Beasts of the Southern Wild” es una historia sobre la valentía de un padre, de un pueblo y de una niña que descubrirá, habitando dentro de ella, a una bestia del salvaje sur.

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“Ya está. Acabas de entrar al cuadro”. Con estas palabras empieza “Le Tableau”. Quien las dice es una mujer, un pequeño personaje en una pintura que recibe al espectador que se adentra en ella. “Creerías que el tiempo se ha detenido, pero nada de eso”, continúa, y se empieza a vislumbrar la genialidad que hay detrás de la película, una historia original e ingeniosa en la que los personajes en los cuadros toman vida y crean su propio mundo.

El cuadro en el que comienza la historia tiene varios escenarios. A un lado, un castillo en el que un grupo de personajes parecen estar en un baile real. Un poco más a la derecha, debajo de la montaña, un bosque frondoso en el cual se ocultan otros personajes, y un poco más allá un jardín de flores enigmáticas al que ningún personaje parece acercarse. Dentro del cuadro hay ya todo un mundo político y social construido: los personajes del castillo se enorgullecen de estar completamente pintados y terminados, y creen un despropósito la existencia de otros que no han sido terminados de pintar (a unos les falta sólo un brochazo) y, más aún, la de los garabatos, unos personajes que son apenas bocetos que parecen haber sido un error del pintor. Tanto los casi-terminados como los garabatos y los terminados se hacen la misma pregunta: ¿dónde está el pintor? ¿Por qué no terminó de pintarlos bien a todos? ¿Volverá a terminar su trabajo?

Ante la amenaza de la esclavización y exterminación de los garabatos por parte de la oligarquía terminada de pintar, un terminado que está enamorado de una casi-terminada (en un pequeño homenaje a “Romeo y Julieta”), un garabato y una casi-terminada emprenden una aventura por fuera de su cuadro para encontrar al pintor y descubrir las razones por las que no terminó todos los personajes, y si volverá a hacerlo. En el pequeño universo de los cuadros afloran, de manera metafórica, varios de los interrogantes que han cautivado a los pensadores de la historia de la humanidad, ¿por qué hay guerras? ¿cómo surgen las diferencias sociales?, y otras más espirituales, ¿por qué estamos aquí?, y religiosas, ¿nos ha abandonado el creador?

Haciendo uso profuso de simbolismo y con un guión lleno de frases punzantes y profundas sobre la identidad y el sentido de la vida enunciadas por personajes de distintos cuadros que tienen, cada quien, su relación particular con el pintor, “Le Tableau” es una efectiva puesta en escena de estas cuestiones que, no obstante, jamás pierde su cualidad cinematográfica. El hecho de que los personajes sean pintados les da una textura particular y una naturaleza que diferencia a los de un cuadro de los de otro, y que funciona muy bien en la película. La música acompaña también a la perfección todos los momentos dándoles el toque necesario de misterio y emoción a las escenas que lo requieren.

Y aunque el final puede llegar a sentirse fuera de tono con el resto de la historia, tal vez más explícito de lo necesario, y con unas técnicas de animación que parecen sacadas de décadas atrás, se le perdona a una película animada que logra tratar grandes temas sin perder de vista el sentido de la aventura, y que sin duda puede apelar a todo tipo de público.

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