Es aquí cuando Elio toma las riendas y le confiesa a Oliver lo que quiere saber del otro. Hay un momento en el que Oliver desparece del plano y Elio repite lo que siente, lo que no se atrevía a decir, pero que necesita compartir. Elio lo repite con fuerza e inmediatamente somos testigos de lo que sienten y de que quieren lo mismo y por ello los dos pueden retomar su plácido viaje en bicicleta. Una muestra de la calidad del guion que es capaz de emocionar a través de los subtextos y sin necesidad de rellenar las hojas de diálogos (es muy bonita la secuencia en la que Elio llama a su madre, tras despedirse de Oliver, y acaba derrumbándose). Aunque obviamente los guiones están creados a partir de palabras y la secuencia final entre Elio y su padre resulta memorable y enternecedora. Porque Mr Perlman le habla a su hijo de tolerancia y de no arrepentirse de sentir lo que ha sentido, por mucho que en el momento duela o parezca que es extraño.
Todo el guion está repleto de simbolismos de gran belleza y profundo significado. Por ello será importante la mano que encuentran, al inicio, en la playa y que simboliza el inicio de la apertura al otro. También adquiere gran valor simbólico la medallita, con la estrella de David, que lleva Oliver y que sirve como elemento de unión entre ambos. Sin olvidar el reloj que Elio no para de mirar en los momentos previos a su encuentro con Oliver y que su padre le entrega, en un momento simbólico, antes de que se vaya a la cama. Pero también otros momentos, aparentemente menos trascendentes, como cuando el padre de Elio rompe sus reglas y deja que Oliver sea su copiloto, para disgusto de Elio, que quizás no sabe que su padre se ha dado cuenta de todo y por ello se muestra más abierto con su ayudante.
Sin embargo, nada de esto hubiera cuajado sin la maravillosa interpretación de Timothée Chalamet que consigue trasmitir verdad y humanidad, a cada una de las secuencias, a través de su mirada y su expresión corporal. Guadagnino acierta al elegir a Chalamet para dar voz a este personaje anómico, que parece recluido en su literatura, sus tardes al piano y sus baños en el río; pero que en el fondo se muestra como una especie de líder de la resistencia pasiva. Es verdad que Elio mantiene una relación minimalista con el cuerpo, basada en la inseguridad y la exploración, pero al mismo tiempo es una especie de rebelde alejado de la cultura de la imagen y centrado en el cultivo del intelecto. Un rebelde que además tiene éxito en sus relaciones con las chicas y que hace uso de sus conocimientos sin reparos o vergüenzas.

Asimismo resulta muy interesante la relación que se puede establecer entre el concepto de amor líquido, desarrollado por Zygmunt Bauman, y la historia de amor de Call me by your name. Al igual que les sucedía a Céline y Jesse en Antes del amanecer (Richard Linklater, 1995), el romance entre Elio y Oliver se desarrolla por caminos alejados de la tradición y de los modelos típicos de conquista. Los dos hombres no deben aparentar ser quienes no son, sino que obtienen la atracción mutua a través del reflejo de sus pupilas. Y lo que es más importante y emparenta la historia, con la cinta de Linklater es que su amor nace a sabiendas de que su destino es difuso, porque el ayudante del padre abandonará a la familia al final el verano. Así que tanto personajes como espectadores asistimos al atrayente verano, con el famoso carpe diem tatuado en la frente. Pero como sabíamos el verano debe llegar a su fin, para dar una oportunidad al invierno y a la nieve. Un periodo de recluimiento y de introspección que servirá para curar el mal de amores y para darse cuenta de, que como avisaba Mr Perlman, los copos de nieve no caen nunca en el lugar equivocado.
Más en planoamericano.wordpress.com

De alguna forma, al final puede entenderse que Fleming acaba dándose cuenta de que ninguno de los bandos es el acertados, ya que tanto soviéticos como norteamericanos lo único que quieren es utilizar a la criatura para experimentar y ganarle la batalla al enemigo. Por ello muere tranquilo al saber que hizo bien al ayudar a Eliza para que la criatura escapara.
Porque la línea que separa la humanidad de la bestialidad puede ser muy fina. ¿Es más humano Strickland que la criatura? Desde luego su forma de comportarse no es propia de un humano, al carecer de toda empatía y sensibilidad. Igualmente Strickland por mucha casa bonita, mujer e hijos que tiene, no parece ser muy feliz. Más concretamente su trabajo que le permite haber adquirido el llamado “american dream”, no le permite sin embargo disfrutar de lo que ha ganado, haciéndole caer en un estado de insatisfacción perpetua que le lleva al consumismo (tan capitalista) y al corto placer provocado por la compra de un bonito Cadillac. Guillermo del Toro es esquemático, pero directo en su crítica al estilo de vida norteamericano.

Y por otro lado, si la criatura es un ser extraño al que se le puede torturar sin problemas de conciencia ¿quién puede asegurar que en un momento dado alguno de los malos de la historia no podría hacer lo mismo con Eliza? Como bien le dice ella a Giles (Richard Jenkis), su amigo homosexual, cuando le está intentado pedir ayuda para liberar a la criatura, ella tampoco habla y solamente puede expresarse con la cara ¿Por ello se merece que nadie le ayude? Eliza se muestra más clarividente que ningún gran orador y convence instantáneamente al temeroso de Giles. Aunque del Toro no se deja llevar en ningún momento por el pasteleo y retrata a la criatura, al igual que hace con el entorno, desde el realismo y la ausencia de contemplaciones. La criatura es un ser salvaje que vivía en el Amazonas y como tal, cuando Eliza y Giles le llevan a su piso, no puede reprimir su instinto y se acaba comiendo a un gato e hiriendo, sin querer, al bueno de Giles.
Otros aspecto que llama la atención es el protagonismo de los huevos y el color verde. Respecto a los huevos sorprende que Eliza los utilice para proporcionarse placer y que sean lo primero que le ofrece a la criatura para fomentar su acercamiento. De aquí se pueden sacar dos explicaciones. Por un lado, se entienden las claras intenciones de Eliza que a través de los huevos inicia su modelo de conquista con la criatura . Y por otro lado, se puede hacer un símil entre la vida que puede salir del huevo y el amor que nace entre los dos. Y finalmente el verde sobresale en unas localizaciones oscuras y desprovistas de color. Son así verdes las tartas de lima que toman Eliza y Giles, los caramelos de Strickland y el Cadillac que se compra (por mucho que diga que es color esmeralda). Del Toro percibe así esperanza dentro de un ambiente oscuro y lleno de odio.
El final de este cuento resulta consecuente con la esencia de la película, que mezcla a partes iguales la fantasía con la cruda realidad. Eliza y el anfibio consiguen resucitar entre las balas y abandonan el mundo de los bloques y enfrentamientos, para refugiarse en la inmensidad del agua. La niña muda que fue abandona al nacer, junto a un río, y que tiene unas terribles cicatrices en el cuello, confirmará sus características únicas al transformar sus cicatrices en unas mágicas aletas, que le permitan vivir para siempre en el agua junto a su amado. Un final feliz, pero a medias, ya que los dos (que son las víctimas) tienen que abandonar el mundo terrenal y exiliarse.
Más en planoamericano.wordpress.com

Respecto a Carolina, llama la atención la magnífica planificación de la puesta en escena. Como hemos dicho, Carolina es una mujer marcada, a la que buscan los secuaces de su marido y por ello su vestido (en la cena en el italiano con Jackie) no puede ser más apropiado. Carolina lleva un vestido con los tirantes cruzados por la espalda (como si llevara una cruz), lo que anticipa su fatal destino. Algo parecido ocurre en la última secuencia de Ginny, en la que la vemos también con un vestido con los tirantes cruzados. Podemos pensar que tras su omisión del deber de socorro hacia Carolina, alguien pueda vengarse contra ella, pero seguidamente Ginny se cubre con una chaquetilla y así llegamos a la conclusión de que su vida no corre peligro.

Otro elemento que indudablemente destaca en la cinta es su fotografía. Durante todo el metraje Vittorio Storaro combina magníficamente las tonalidades rojas y azules, para contribuir al dramatismo del film. Por un lado, podemos observar planos azulados cuando los personajes están instaurados en la melancolía o la tristeza. Ocurre cuando escuchamos a Ginny hablar de cuando era joven o cuando al final parece en peligro, al observar como su marido vuelve a recaer en la bebida.
Y por el otro lado, vamos a presenciar planos rojos cuando la ira o la frustración entran en escena. Es el caso de las discusiones de Ginny con su marido o de su tenso amorío con Jackie. En relación a esto es sorprendente como Ginny viste mayoritariamente con colores anaranjados. No es sencillo comprender esta ambigüedad entre la fotografía de Storaro y el vestuario de la protagonista, ya que el naranja se suele asociar a la alegría, la felicidad o la ausencia de inseguridad. Más allá de las secuencias en las que Ginny se siente plena junto a Jackie es difícil de comprender la presencia del naranja en su vestuario.
En definitiva, una película entretenida, como acostumbra Allen, con una base teatral muy potente, pero en la que la mezcla de géneros no resulta totalmente victoriosa. Quizás si se hubiera apostado sin fisuras por el drama clásico o por una cinta con mayores dosis de humor negro, la fórmula hubiera resultado más acertada.
Más en planoamericano.wordpress.com