Intenso y apasionado melodrama con ribetes de tragedia griega. Obra maestra de infinita belleza “Rocco y sus hermanos” es un film fundamental dentro de la filmografía de su autor que emerge como la esencia melodramática del mejor Visconti y como el punto de inflexión y cambio donde se unen pasado y futuro del cineasta milanés.
Rosaria (Katina Paxinou) y sus cuatro hijos, Simone, Rocco, Ciro y Luca abandonan su Lucania natal y emigran a Milán donde vive Vincenzo, el hijo mayor, en busca de una vida mejor. Poco a poco la gran ciudad ira socavando el núcleo familiar hasta destruirlo. Film con un trasfondo de fuerte carga social, bajo la sensible y operística dirección de Visconti se eleva desde planteamientos asentados en el neorrealismo hacia un melodrama realista, no por eso exento de poesía y de un intenso lirismo. Ambientada en los suburbios de la gran ciudad, los bajos fondos y el sórdido mundo del boxeo, en “Rocco y sus hermanos” encontramos algunos de los temas más queridos por Visconti, la figura de la madre, la degradación física y moral y la redención de la culpa, donde conceptos como amor, odio, pasión, violencia y muerte cobran de repente todo “su sentido” y se transforman en el hilo conductor del itinerario vital de unos personajes en busca de la redención. Imposible olvidar a Rocco -un espléndido Alain Delon, el único Rocco posible según Visconti- viva imagen de la renuncia, a Simone (Renato Salvatori) un perdedor nato y a Nadia (Annie Girardot) personaje sin futuro y solo una salida posible. El extraordinario guión, la soberbia dirección de actores y la inmortal y nostálgica música de Nino Rota hacen de este inmenso fresco que es “Rocco y sus hermanos” una de las obras maestras de Visconti y del CINE con mayúsculas.

La capacidad que han tenido algunos directores para transgredir las normas de los géneros que abordaban en sus films es legendaria. Nicholas Ray fue uno de ellos y “Johnny Guitar” es un claro exponente de esta afirmación. Western atípico dentro de la historia del cine es ante todo un film de Ray con todos las signos de identidad propios de su cine. Film mítico como pocos se le han querido buscar interpretaciones diversas, incluida una vertiente de denuncia de la “caza de brujas”. Personalmente opino que en esencia “Johnny Guitar” es una intensa, poética y apasionada historia de amor.
Una de las cumbres indiscutibles del cine, rodado en estado de gracia, “Johnny Guitar” es un film extraño y conmovedor que disecciona los sentimientos más íntimos del ser humano sometidos a la separación física y temporal y que nos sumerge en la posibilidad de recuperar el pasado, aún en un medio hostil lleno de odios y de rencores, que atrapa al espectador desde el primer plano. Con secuencias inolvidables y algunos de los diálogos más famosos y míticos de la historia del cine -impagable el del encuentro nocturno- la relación desgarrada y condicionada por el pasado entre Vienna y Johnny Logan es de un romanticismo que cae de lleno en el “amor fou” y se sitúa a caballo entre el amor, el odio y la pasión. Un extraordinario y sólido guión y la soberbia dirección de Nicholas Ray proporcionaron a Joan Crawford uno de los mejores papeles de su vida, y a Sterling Hayden el mejor junto al Dix de “La jungla del asfalto” de John Huston. La deslumbrante fotografía en Truecolor, el sugerente colorido del vestuario enfatizando lo que la imagen ya nos muestra -esa majestuosa Vienna tocando el piano vestida de blanco, por primera y única vez, mientras espera-, la inmortal partitura de Victor Young, el tema de amor y la canción cantada por Peggy Lee forman parte sin ninguna duda de la mítica del film y contribuyen a hacer de “Johnny Guitar” una obra maestra de Ray, del western y del CINE con mayúsculas. Una imprescindible obra maestra total y absoluta del cine de todos los tiempos de obligado visionado.

Francesc Chico Jaimejuan

Barcelona 27 de julio de 2006

Pura leyenda, puro mito, puro CINE con mayúsculas. G. Greene, autor de la historia y del guión, el director C. Reed y O.Welles, con su poderosa presencia, forman el trípode que sustenta este inmortal thriller, obra maestra absoluta del cine de todos los tiempos. Motivo de polémica durante años, hoy casi nadie discute la autoría del film, un C. Reed en la cúspide de su talento creativo, pero a nadie se le escapa que un genio como O. Welles debió de tener mucho que ver en el tratamiento del personaje de Harry Lime y su plasmación en imágenes. Creación arrolladora de Welles, que domina el film de principio a fin, lo marcó de forma definitoria hasta su muerte.
Partiendo de una premisa argumental sencilla, -Martins (Cotten), un escritor de novelas baratas del oeste viaja a Viena donde Lime (Welles) su mejor amigo le ha ofrecido trabajo, para descubrir al llegar que ha muerto atropellado-, que nos sumerge en un alambicado relato de intriga en el marco incomparable de la Viena de la posguerra, poco a poco vamos descubriendo una fascinante galería de personajes que intentan sobrevivir a las secuelas de la guerra. Ante nosotros aparece, con toda su crudeza, un sórdido mundo que transita entre el bien y el mal, lo moral y lo inmoral, lo ético y lo que no lo es. Con un guión extraordinario de míticos diálogos que ya son historia, “El tercer hombre” se erige, bajo la soberbia dirección de C. Reed, como uno de los más lúcidos estudios sobre el egoísmo, el cinismo y la maldad del ser humano, y nos plantea el terrible dilema moral de tener que escoger entre la fidelidad y lo éticamente correcto. Bañada por un extraño halito de romanticismo y con una historia de amor imposible, nos deslumbra por la barroca puesta en escena, la impresionante fotografía expresionista de R. Krasker -opresiva y llena de sombras-, los míticos planos inclinados asociados a la duda, el sensacional montaje, los silencios y ecos que estallan en nuestros oídos, y por la inmortal cítara de A. Karas. Con un espléndido reparto en estado de gracia, desde el discreto pero memorable J. Cotten -en el mejor papel de su carrera-, la bellísima, enigmática y sublime A. Valli, un T. Howard sencillamente perfecto, hasta la impresionante interpretación que ese autentico monstruo de la escena que era O. Welles hace del personaje de Harry Lime, para la inmortalidad nos ha quedado la mejor presentación de un personaje de la historia, el encuentro en la noria del Prater vienes -con el mítico monologo de Welles-, la magistral secuencia de persecución por las cloacas de la ciudad -con ese impagable gesto final de asentimiento-, y ese arriesgadísimo, duro y desolador plano final de más de dos minutos de duración. Una impresionante obra maestra, absolutamente imprescindible.


Francesc Chico Jaimejuan

Barcelona a 4 de octubre de 2005

Apasionado del cine clásico, confieso mi escepticismo hacia las propuestas del cine actual -sujeto a directrices mercantilistas-, y las más de las veces mediocres, faltas de imaginación y de talento. Pero toda regla tiene su excepción que la confirma, y sin duda “Bailar en la oscuridad” es una inesperada, transgresora y lucida excepción que nos atrapa desde el primer al último fotograma. Desolador melodrama que nos encoge el corazón y nos oprime el alma sin ningún tipo de concesión -a ritmo de musical- es una de las propuestas más audaces, imaginativas y deslumbrantes del cine de los últimos años. Rodada en un estilo casi documental, con un montaje seco y cortante que acentúa todavía más el efecto, “Bailar en la oscuridad” es un film que impacta, conmueve, y que remueve nuestras conciencias ante la trágica historia de Selma, inmigrante checa y madre soltera, que sobrevive en los Estados Unidos con su hijo, y que luchará con todas sus fuerzas contra el terrible, y asumido, destino que le espera. Film que alterna la dureza de la historia con los oníricos números de baile -fascinante el del tren- con los que la protagonista se evade del drama en que se ha convertido su vida, Lars Von Trier, autor asimismo del brillante guión, lleva a cabo un arriesgado ejercicio de dirección al servicio de la historia y de la cantante Björk, que compone una Selma conmovedora, de una dignidad y determinación escalofriantes, en una de las interpretaciones más serenas, naturales y contundentes que hemos visto en muchos años. Cine profundo y de gran calado moral, “Bailar en la oscuridad” tiene un final poéticamente agónico que desborda nuestra capacidad de asimilación, pero que nos deja un subliminal mensaje de esperanza. Solo queda remarcar la ceguera, tantas veces probada, de los miembros de la Academia al nominar a esta obra maestra absoluta del cine solo en el apartado de “mejor canción original”. De imprescindible y obligada visión.


Francesc Chico Jaimejuan

Barcelona 30 de septiembre de 2005

Desde los mismos títulos de crédito, subrayados por las poderosas notas del brillante tema musical del gran Alfred Newman, somos conscientes de que estamos a punto de ver algo grande y ciertamente “Que el cielo la juzgue” es CINE con mayúsculas.
Una bellísima mujer -una Gene Tierney inconmensurable- conoce a un escritor de éxito, se enamoran y se casan, pero no tardaran en aparecer los problemas cuando la pasión amorosa de ella, posesiva y patológica vaya destruyendo todo aquello que cree que intenta separarla del objeto de su pasión enfermiza, llegando a las últimas consecuencias, incluso más allá de la misma muerte.
Soberbio melodrama y la obra maestra de John M. Stahl, -un director a reivindicar con urgencia-, que rodaba con “Que el cielo la juzgue” su primer film en color, con una extraordinaria fotografía en Technicolor de Leon Shamroy, nos ofrece el fascinante retrato de una mujer tan bella como patológicamente perversa, jugando hábilmente con la ambigüedad moral de la belleza de una Gene Tierney, sencillamente perfecta, que nos ofrece una interpretación sublime, profunda y de gran complejidad psicológica, en uno de los papeles más emblemáticos de su carrera, en las antípodas del personaje que interpretara en otro de sus grandes films, la mítica “Laura”.
Uno de los mejores melodramas de la Fox y de la historia del cine “Que el cielo la juzgue” demuestra, quizás como ningún otro film, la fascinación que ejercen sobre el espectador los personajes que encarnan el mal. La sobria; imaginativa y eficaz puesta en escena, junto a la formidable dirección; sensible y al mismo tiempo de un gran vigor narrativo de un John M. Stahl en la cumbre de su arte, nos sumergen en esa fascinante historia de perdición, desde las paginas de un brillante guión, a través de un larguísimo flashback, que nos atrapa desde el primer hasta el ultimo fotograma de este film sobrecogedor. Seria injusto resaltar solo algunos de los innumerables momentos antológicos de un film repleto de momentos antológicos, pero no puedo dejar de pensar en esas oníricas e inquietantes imágenes de Ellen, a caballo, esparciendo las cenizas de su padre en medio de un paisaje de salvaje belleza; en la escalofriante secuencia en la que Ellen contempla impasible desde la barca, tras unas gafas negras que ocultan sus ojos, el agónico final de su indefensa victima; en ese momento de mágica maldad en la que es capaz de matar a una vida inocente en pleno delirio de posesión, sin olvidar ese noqueante final de un film antológico que ya forma parte de la mítica del cine de todos los tiempos. Obra maestra absoluta de un director injustamente infravalorado.

Francesc Chico Jaimejuan

Barcelona 2 de abril de 2007