Gracias sobretodo a directores como Jose Luis Garcia Berlanga, cuando se piensa en un adjetivo para definir el cine español, uno de los que estaría siempre en las primeras posiciones es “costumbrismo”. Aunque también hay que reconocer que bajo ese adjetivo se han escondido productos bien infames. Sin embargo, el director Jose Luis Garcia Cuerda, se vale de ese costumbrismo para tomarse la licencia de retratar el reino de los cielos “a la española” (pecado!). Ya de entrada, ver en la puerta a San Pedro (Paco Rabal) vestido de Guardia Civil es toda una declaración de intenciones sobre lo que vamos a ver.

Cuerda nos ofrece un film que desde luego no creo que se conserve en la biblioteca del Vaticano. Y es que no deja títere con cabeza. El cielo según cuerda es como un tranquilo pueblecito típico español, donde manda un Dios no demasiado contento con su obra (interpretado por Fernando Fernán Gomez), donde Jesús es un personaje resentido con la humanidad por el calvario que tuvo que soportar (interpretado por Jesús Bonilla), donde el arcángel San Gabriel es un ángel descreído y poco dado a volver a la Tierra a hacer más excursiones anunciatorias..... En fin, en resumidas cuentas, que el cielo no es más que una representación de lo que podemos encontrar en la Tierra, con unos santos desanimados y desencantados, al igual que pasa con los hombres. De alguna forma, el cielo no es más que un reflejo de lo que pasa en la Tierra, donde la gente cada vez es más descreída y atea, y la fé sólo está reservada a unos pocos irreductibles. Cuerda rellena la historia de un Dios que duda entre enviar a otro hijo para arreglar las cosas o mandar a los humanos el Apocalipsis, con múltiples chascarrillos a cuenta de la fé y la religión, aunque aparentemente disfrazado de suave comedia costumbrista. Sin embargo a poco que escarbemos en la superficie encontraremos una sátira feroz no tanto contra la Iglesia (institución que apenas es mencionada) sino más bien contra los hombres, y es que visto lo que cuenta, de alguna forma el director nos está hablando de lo mucho que han cambiado los tiempos, y es que el hombre moderno ya no está para religiones, mesías ni Apocalipsis que valgan.

Una película muy divertida, con un reparto lleno de caras conocidas, a los citados hay que añadir a Luis Ciges, Mónica Molina, Juan Luis Galiardo, Alex Angulo, Isabel Serrano, Gabino Diego o Agustín González, que completan este reparto coral, que de alguna forma, sin blasfemias nos hace pasar un buen rato, a costa de temas que se consideran sagrados.

Aunque....acaso no nos hizo Dios a su imagen y semejanza?

Sin lugar a dudas, la dictadura que sufrimos durante cuarenta años afectó a todos los sectores de la sociedad, y el cine no fue una excepción. El cine no fue excepción. Temas como la homosexualidad, exceptuando las películas de Almodovar han tenido un tratamiento limitido, y cuando se ha tocado el tema ha sido mayoritariamente para hacer humor grueso a su costa.

El director, Gerardo Vera, se atreve con un film en el que nos plantea un triángulo amoroso formado por Alberto (Jordi Mollà) que está casado con Elena (Ariadna Gil), tiene un hijo y una situación laboral bastante acomodada. Sin embargo a escondidas mantiene una relación con Diego (Javier Bardem). Vera, huyendo de polémicas y conflictos sobre la posible moralidad de mostrar una relación homosexual en toda su dimensión (escenas bastante explícitas incluidas), se centra sobretodo en el campo intimista, en el retrato de los personajes implicados.

De hecho el centro de todo es Alberto (estupendo Jordi Mollà), quien está dividido entre el cariño que siente por su mujer y el amor apasionado que siente por Diego (brillantísimo Bardem), al sentimiento de culpabilidad que tiene por engañar a su mujer se le une el desgarro interno, la imposibilidad de ser féliz. Mientras los otros vértices del triángulo también sufren lo suyo. Elena y Diego en el fondo son las dos caras de una misma moneda. Enamorados de la misma persona, pero al mismo tiempo frustrados porque ninguno de los dos consigue su amor total, por lo que son dos personajes que también sufren por la imposibilidad de llegar a Alberto.

El director construye un film, denso, en el que la sobría puesta en escena retrata a la perfección el desamor y la frustración que sienten los personajes, bien sustentado grácias a las más que correctas interpretaciones del trío protagonista (sobretodo de Bardem), y a la presencia de dos muy buenas secundarias como Cecilia Roth y Mercedes Sampietro). No es un film totalmente redondo, le falta quizás un poco de profundidad en general, pero sí se trata de una película atrevida por la temática y por el contenido, tocando un tema desde una perspectiva seria, e incluso trágica.

El director francés Bertrand Tavernier, conocido por sus films de carácter más bien social, nos sorprende de alguna manera con un film ambientado en la Primera Guerra Mundial, aunque centrado en el prácticamente desconocido Ejército de Oriente que Francia mantuvo a orillas del Danubio para combatir contra austríacos, búlgaros, turcos alemanes en un segundo frente que fue menospreciado y que para postre se alargó al verse obligados a luchar contra la propagación del bolchevismo una vez finalizada la contienda.

El film no habla tanto de la guerra como de sus consecuencias, de lo absurdo de los conflictos bélicos. Las primeras imágenes del último fim de Tavernier son sumamente impactantes. Nunca antes se había mostrado desde la pantalla con tanta verosimilitud la vida en unas trincheras donde no se puede comer porque apesta a éter o se bebe para combatir la diarrea, y al mismo tiempo reflejar la desorientación del soldado que no sabe hacia donde avanza, por dónde llueve la metralla o cuál es su objetivo inmediato. Y no contento con ello, el director nos explica la dura vuelta casa de los protagonistas principales, Conan y Norbert ( interpretados por Philippe Torreton, Samuel Le Bihan), ya que después de varios años convertidos en máquinas de matar, la adaptación a un mundo en el que parece que no tienen sitio es tremendamente dura.

El director francés consigue componer una película tremendamente antibélica, en la que no ahorra al espectador momentos realmente duros, que conviven con los aspectos más rutinarios de la guerra de trincheras, dando una escabrosa imagen de cotidianeidad que incluso da más escalofríos que las escenas de batallas, las cuales tampoco nos ahorra el director.

Durante los años 70 aparecieron diversas películas que tenian en común una visión del Estado como un conspirador que mataba y asesinaba para conseguir sus fines.

Este film, dirigido por Alan J. Pakula, se puede encuadrar perfectamente en este tipo de films "conspirativos". La trama gira alrededor de un reportero, Joe Frady (Warren Beatty), quien es testigo del asesinato de un senador. Sin embargo, Frady sospecha que hay algo oscuro en dicho asesinato, por lo que irá tirando de un hilo muy peligroso, ya que su propia vida está en juego.

El director nos ofrece un film que tiene ciertas reminiscencias al asesinato de Kennedy (la idea del segundo tirador y la posterior muerte "accidental" de muchos de los testigos, son claros ejemplos), utilizando el recurso de ocultar información, dejando que sea su personaje principal el que sirva del guia al espectador en la búsqueda de la verdad. Sin embargo, el juego de Pakula es más complejo, ya que sí muestra al espectador algo que no ve su protagonista, por lo que las sospechas de Frady (muy convincente Beatty) son las certezas del espectador, y el resto es descubrir los mecanismos de la conspiración.

Con estos recursos, unidos a un ritmo cada vez más alto a medida que se van iluminando las partes oscuras de la trama, Pakula construye un film muy interesante, en el que maneja a la perfección todos los recursos necesarios para mantener al espectador interesado en descubrir toda la trama. Una trama que tiene más de un giro inesperado que sorprenderá sin duda a quien la vea. Lástima que a medida que sabemos más, la historia y los motivos se hacen menos convincentes y creibles. Aún así pasaremos un buen rato siguiendo las evoluciones del protagonista en busca de la verdad.

Teniendo en cuenta que al cine norteamericano le encanta filmar juicios, un escritor como John Grisham cuyo universo literario está lleno de abogados, pleitos, fiscales, y jueces, le viene como anillo al dedo, sobretodo en unos tiempos en que la imaginación parece agotada. Aunque en esta ocasión la presencia de Francis Ford Coppola detrás de las cámaras, da de entrada, una confianza acerca del resultado final del film.

El film viene a ser el enfrentamiento entre dos abogados bien diferentes el joven e idealista Rudy Baylor (Matt Damon) contra el y el astuto experto Leo F. Drummond (Jon Voight), que defiende los intereses de la compañía de seguros Great Benefit. Coppola despliega su talento al servicio de una narración compacta y sólida (gracias sobretodo al texto de Grisham), y con el tratamiento de unos personajes cercanos, bien definidos y dimensionados no sólo de los principales, sino también de los secundarios, obteniendo de ellos estupendas actuaciones (sobretodo de Danny De Vito). El film en sí no nos ofrece nada nuevo. Es más Coppola no rehuye los tópicos.

La película tiene buenos momentos, y de las adaptaciones de Grisham es uno de los mejores. Sin embargo, hay una cierta frialdad y distancia en el tratamiento del film. El que en otros tiempos fuera uno de los estandartes del cine personal, llevando adelante proyectos contra viento y marea, por diversos motivos (económicos entre ellos) ha pasado a ser un director “de encargo” que muestra su calidad en aquellos proyectos en los que interviene pero que se echa de menos esas sensaciones que transmiten sus películas más personales.