Sin duda alguna "El Rey León" se convirtió desde el momento mismo de su estreno en un clásico inolvidable y en la mejor película, no solo en el genero animado sino en el ambito general, de la factoría de sueños más grande del mundo, la Disney.
"The Lion King" es posiblemente el film más cruel y oscuro de todos los realizados por la compañía. Y seguramente tampoco exageraría al decir que posee una de las bandas sonoras más magníficas que se hayan podido escuchar en una película (Y sino prestad atención a esas "Hakuna Matata" o "El Ciclo de la Vida") . Rob Minkoff (director que más tarde dirigiría las mediocres "Stuart Little" y "La Mansión Encantada") y Roger Allers tuvieron un momento de inspiración divina al dar a luz a este emocionante film que rebosa calidad por todos sus fotogramas. En primer lugar, en contra de lo que pueda creerse en un principio su guión es de los mejores que se han realizado para una película animada, tratando de manera bastante acertada el tema de la responsabilidad y el enfrentamiento a los sufrimientos pasados ademas de otras detalles; en segundo lugar resulta una sorpresa el que todas las canciones se encuentren muy bien traducidas al castellano sin llegar a ser infantiloides y pastelosas;y en tercer lugar, los personajes rebosan carisma y realismo llegando a convertirse en los más entrañables de todos los creados por la Factoría.
Finalmente todo ello ha ayudado a convertir a "El Rey León" en una de las películas animadas más hermosas jamas realizadas y, sin ningun lugar a duda, en la Obra Maestra Absoluta de la Walt Disney Company.

A Danny, Sofía y Tom (Twyker, el director de la infravaloradísima y arriesgada "El Perfume") se une ahora un cuarto en discordía, el señor Darren Aronofsky; talentoso director de culto que finalmente ha acabado por confirmar su estatus con esta hermosísima película. Si Sofia y su Maria Antonieta fueron duramente apaleadas en el sobrevalorado Festival de Cannes, el señor Boyle ha sido inmensamente olvidado con su brillante "Sunshine" y el director aleman Tom Twyker ha sido a su vez críticado por el polémico final de su cinta, reaparece ahora el visionario Aronofsy en el cada vez más conocido Festival de Venecia y al igual que sus compañeros de profesión sale golpeado, criticado de manera injusta, dejado de lado por una obra que sencillamente resulta una gran película no apta para cualquier mente de a pie. "La Fuente de la Vida" no es un film para cualquier persona y eso podría intuirse ya incluso con mirar el evocador poster elegido. El lirismo, la belleza, y la poesía de las imagenes no las puede saborear cualquiera. La visión de la última cinta de Aronofsky se asemeja más al alcance del Nirvana, a la plenitud emocional, a la contemplación de algo bello que hacía tiempo no veias, algo que te llena el corazón y el alma y no te abandona en mucho tiempo. El Tommy de Jackman te acompañará largamente con su contención emocional, su imparable busqueda de la Fuente de la Juventud, y su irrefrenable deseo de evitar la muerte; y la Izzy de Weisz te acompañará a su vez con todo su dolor, su paz y su amor para allanarte el camino, para recordarte que debes "terminarlo", que debes acabar la historia, para poder llegar a aceptar la vida con todo lo que viene, con la muerte, si, pero al mismo tiempo con todo lo efimero y hermoso que contiene, el amor, la belleza, el disfrute de las personas que amas. No te detengas ni te distraigas en intentar mantenerte con vida permanentemente, algun día morirás, y algun día tus seres queridos también, por eso sencillamente disfruta, disfruta de su compañia porque sino, al igual que Tom, te encontrarás algun día solo en tu propio espacio cósmico, solo en lo inmenso de tu soledad, acordandote de aquellos que ya no están y a los que apenas supiste aprovechar. La muerte forma parte de la Vida y de nada sirve evitarla porque es precisamente ella la que le da sentido a lo bello. Su condición de efímero es lo que le otorga valor.
En fin, de poco sirve comentar las inmensas actuaciones que brindan Jackman y Weisz, con un Hugh componiendo un Tommy realmente humano o una Rachel componiendo una Izzy que se te introduce en el alma, de poco sirve comentar la inmensa belleza de las imagenes que componen la cinta o resaltar la enorme capacidad de emoción de la banda sonora de Clint Mansell, gran compositor que ya nos asombró con su "Lux Aeterna" y que ahora nos vuelve a sorprender... (continua en Spoiler-Falta de espacio)

Sólo alguien como Miyazaki es capaz de reintroducirme en el redil del comentarista cinéfilo con entusiasmo renovado y pleno. Desde que he empezado a descubrir su filmografía, con razón del proyecto de Aurum de reeditar sus antiguas obras, y descubrirnos otras inéditas en nuestro país, llevo pensando siempre lo mismo. Quién pudiera vivir en los mundos de Miyazaki...
Supone un gran consuelo cuando buscas garantía de calidad. Y de eso Ghibli debe sentirse orgullosa. Pocos estudios pueden alardear hoy día de un curriculum semejante en la industria del cine. Sólo Pixar les llega a la zaga. Ambas compañías son, cada una en su terreno y audiencia determinada, las representantes en el Septimo Arte de un cine de trazo y espíritu inigualables
No es Nausicaa la primera protagonista que me encandila en Ghibli. La joven ha tenido grandes precedentes. Y para muchos, Chihiro fue la primera que nos introdujo en el verdadero País de las Maravillas a traves de un tunel en medio de un bosque y al final de un viejo camino de tierra. Eso sí, Nausicaa tiene el honor de ser el germen del estudio fundado por Miyazaki y Takahata. La impulsora de la autentica fábrica de sueños del cine, último refugio de muchos soñadores.
Empezar un gran proyecto no es fácil, y el caso de Ghibli no fue diferente. Este primer retoño, (al menos a nivel espiritual) muestra importantes defectos propios de la inexperiencia, pero también contiene muchas de las constantes favoritas del cineasta, desarrolladas con mejor fortuna en otros universos que llegarán más tarde.
No puede esconder lo denso de su argumento; la farragosidad de la narración en algunos pasajes; el perfilado de los personajes, más sencillo, menos elegante y profesional que lo que deparará el futuro, aunque no por ello carente de frescura.
Se percibe una ilusión patente, un deseo de contar una historia épica y al mismo tiempo íntima, espectacular y ante todo con un sello cualitativo único.

(continúo en spoiler por falta de espacio)

Hace varios años Lars von Trier sufrió una fuerte depresión que le llevó a mantenerse alejado del cine justo después de realizar Manderlay, secuela directa de Dogville, y antes de meterse a dirigir y escribir Washington, el final de su pretendida trilogía americana, dejando inacabada la misma. Eso fue en 2005. Cuatro años después, y tras realizar una pequeña comedia titulada El jefe de todo esto, de factura mucho más humilde en comparación con la ambición creativa que había regido el resto de su filmografía anterior, llegamos a 2009.

Se estrena en Cannes una película largamente esperada por los conocedores de la obra del danés, Anticristo. Un filme encuadrado en el terror psicológico, únicamente con dos actores, un hombre y una mujer. La película genera una fuerte controversia, especialmente por lo gráfico de sus escenas más sangrientas y sexuales. Todo es demasiado extremo, demasiado turbador y efectista. La motivación de la obra era precisamente la depresión en su expresión más intensa, y lo que se buscaba transmitir, el temor profundamente irracional que ese estado de ánimo puede generar en una persona hacia cualquier cosa de la realidad que le rodea. Un sentimiento de fobia permanente, una película-terapia que el cineasta utilizó para descargar gran parte de los temores que venía arrastrando en los últimos años.

Llegamos así a pleno año 2011. Lars von Trier estrena Melancholia, y a pesar de las salidas de tono del cineasta, la película es bien recibida por la crítica, que la considera, en general, un trabajo digno de la filmografía de su director.
El filme constituye en sí mismo una prolongación del discurso iniciado en Anticristo, contado esta vez a través de una joven el mismo día en que contrae matrimonio y una estrella lejana, en realidad el planeta Melancholia, aparece en el cielo, aproximándose sin remedio a la Tierra.
Aquí se habla también de depresión y de tristeza, de los sentimientos de inseguridad y vacío tan marcados que dejan dentro de una persona. Donde Anticristo era un filme mucho más irracional, construido a base de impulsos viscerales puramente internos, Melancholia es una obra mucho más pausada, más pensada, más calmada, y en consecuencia, más racional y mejor estructurada. No vemos gritos, ni sangrientos desgarramientos de la carne, ni explicitas masturbaciones. El sentimiento de toda la obra es más sosegado, una evolución progresiva de la locura de su anterior película hacia la resignación y aceptación final que presenta en esta ocasión el personaje protagonista encarnado con una sobriedad milimétrica por Kirsten Dunst. De la misma forma que el sentimiento va madurando y poco a poco va desapareciendo conforme lo vamos aceptando en nosotros mismos, Melancholia se erige como la segunda fase del estado depresivo. Ese en el que empieza a ser aceptado por la persona que lo sufre, y pasa de los terrores irracionales que antes le dominaban al estado de melancolía y ligero vacío que los suceden.

continua en spoiler

Al momento de escribir esto, ha pasado ya un día completo en el que he dejado reposar mis ideas y emociones hacía este hermoso film con atractivo cartel y aún habiendo pasado tantas horas, los pelos aún se me erizan al recordar algunos mágicos momentos de esta delicia, dignos del más avezado y exquisito de los artesanos del cine. “Caramel” es una acertadísima composición de ingredientes que harán relamerse el alma a más de uno gracias al empacho de buen cine del que habrá podido disfrutar a lo largo de la duración de la película, que en última instancia parece más bien un cortometraje de lo rápido que se le acaba haciendo a uno, similar al chocolate que se derrite al instante en tu boca nada más saborearlo y que te deja un regusto dulce y sabroso una vez ya lo has tragado.
Nadine Labaki ha creado en su ópera prima una película exquisita que no abusa en ningún momento de ningún tipo de ingrediente, ni del drama ni la comedia, sabiendo conjugar ambas de manera acertada y con buen gusto sacándote una sonrisa sincera, e incluso alguna lagrimilla provocada por los emocionantes momentos musicales que pueblan algunos de los planos y escenas más bellas que hayamos podido saborear en los últimos años de nuestro cada vez más interesante cine europeo y oriental. Todo esto no hace más que acentuar el hecho de que esta mujer se puede convertir con el paso de los años y la experiencia en una gran artesana del cine, no ya solo del cine libanés, sino europeo en general. Sabe cocinar una película de tal forma que aúne, tanto las ideas morales que aún perviven en su país, como los sentimientos eternos y universales del amor y el sacrificio que tan conocidos resultan a muchos. “Caramel” no se queda en un simple producto político que pretenda remover conciencias y polemizar eternas discusiones, sino que evade todo ese terreno tan manido por el cine europeo, y apuesta por una receta sencilla pero eficaz, juntado a un grupo de mujeres algo excéntricas, pero eso sí, muy humanas, que pueblan un micro universo hermoso y exótico, representado en los cuartos de un salón de belleza en Beirut, con el interior resplandeciente de vida y color, y la fachada y las calles, grises y estropeadas. Y por mucho que parezca que en ciertos aspectos Nadine endulza el drama espolvoreándolo con una capa de azúcar, estaría más acertado decir que lo que esta mujer hace es quitarle peso y consistencia, preservando el valor y la importancia que tiene, pero evadiendo implacablemente el melodrama mediante la introducción de inesperados y breves momentos simpáticos que ayudan a distender el ambiente. Cuando más de uno puede pensar que en determinada escena parece que Labaki va rozar el drama dulzón, la mujer nos sorprende evadiendo dicha terreno y quitándole el peso que más de un director americano le hubiese añadido si este delicioso producto hubiera caído en sus manos.