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Críticas de burton
27 de diciembre de 2006
139 de 163 usuarios han encontrado esta crítica útil
Rojo conclusión, rojo compendio. Digamos que de las tres entregas de la trilogía, ésta es la que menos ligazón tendría con el valor revolucionario asociado al rojo de la tricolor francesa, en este caso la fraternidad entendida como solidaridad, tal vez porque Kiéslowski en esta última entrega quiso compendiar y acabar de matizar en una profunda narración elíptica los tres valores revolucionarios; libertad (azul), igualdad (blanco) y fraternidad-solidaridad (rojo).
Rojo...fraternidad entendida como solidaridad...una anciana decrépita y encorvada intentando meter sin conseguirlo una botella a un contenedor y levantando la compasión de una joven de alma generosa, imagen ésta exacta a la de la primera entrega con su azul libertad...Un perro atropellado también es digno de la solidaridad...¿igualdad?...
Pero, ¿y qué decir de la igualdad y de la libertad en esta tercera entrega rójamente conclusiva?. ¿Acaso no se nos habla de libertad cuando nos encontramos con ese juez voyeurista asaltando las vidas ajenas?, ¿Acaso no se nos habla de igualdad cuando la joven modelo predica y clama por/con la misma?.
No tan hipertécnica como la primera ni tan impulsiva como la segunda, pero sin duda esta tercera y definitiva entrega es la más completa de la trilogía por su carácter compendiador, no sólo a nivel temático, sino formal.
Rojo: dos vidas vacías y a la deriva se juntan un día por el azar de la vida, y del contacto surgen sinergias aleccionadoras.
Nuestro juez prejubilado, Joseph Kern, enseñó que su voluntaria reclusión en un mundo lleno de cinismo y sarcasmo resabido, acertaba en las frías predicciones pero erraba en las formas carentes de cualquier atisbo de sentimiento (solidario o de cualquier otro tipo)...su progresivo amor platónico por la joven estudiante y modelo Valentine Dussaut, al recordarle un antiguo amor traicionero de juventud, le sirve a su vez para explicarle que no es lo mismo un sentimiento expresado a través del cristal de una ventana o de un televisor o a través de los cables de un teléfono que el transmitido de manera abierta y solidaria, con total libertad e igualdad para todos...
De nuevo el color que da título a la entrega respectiva, en este caso el rojo, lo impregna todo.
El rojo de la lona del bar de abajo de la casa de Valentine "Chez Joseph"...el rojo del jeep de su vecino, el estudiante (y alter ego durante la etapa de juventud del juez retirado Joseph Kern)...el rojo del inmenso cartel publicitario en donde Valentine salía como reclamo de una marca de chicles con el slogan que Kiéslowski quiso utilizar para concluir la trilogía y que da título a mi crítica), ó en esos cables de comunicación telefónica que transmitían los sentimientos de forma tan fría...
OBRA MAESTRA.
Rojo...fraternidad entendida como solidaridad...una anciana decrépita y encorvada intentando meter sin conseguirlo una botella a un contenedor y levantando la compasión de una joven de alma generosa, imagen ésta exacta a la de la primera entrega con su azul libertad...Un perro atropellado también es digno de la solidaridad...¿igualdad?...
Pero, ¿y qué decir de la igualdad y de la libertad en esta tercera entrega rójamente conclusiva?. ¿Acaso no se nos habla de libertad cuando nos encontramos con ese juez voyeurista asaltando las vidas ajenas?, ¿Acaso no se nos habla de igualdad cuando la joven modelo predica y clama por/con la misma?.
No tan hipertécnica como la primera ni tan impulsiva como la segunda, pero sin duda esta tercera y definitiva entrega es la más completa de la trilogía por su carácter compendiador, no sólo a nivel temático, sino formal.
Rojo: dos vidas vacías y a la deriva se juntan un día por el azar de la vida, y del contacto surgen sinergias aleccionadoras.
Nuestro juez prejubilado, Joseph Kern, enseñó que su voluntaria reclusión en un mundo lleno de cinismo y sarcasmo resabido, acertaba en las frías predicciones pero erraba en las formas carentes de cualquier atisbo de sentimiento (solidario o de cualquier otro tipo)...su progresivo amor platónico por la joven estudiante y modelo Valentine Dussaut, al recordarle un antiguo amor traicionero de juventud, le sirve a su vez para explicarle que no es lo mismo un sentimiento expresado a través del cristal de una ventana o de un televisor o a través de los cables de un teléfono que el transmitido de manera abierta y solidaria, con total libertad e igualdad para todos...
De nuevo el color que da título a la entrega respectiva, en este caso el rojo, lo impregna todo.
El rojo de la lona del bar de abajo de la casa de Valentine "Chez Joseph"...el rojo del jeep de su vecino, el estudiante (y alter ego durante la etapa de juventud del juez retirado Joseph Kern)...el rojo del inmenso cartel publicitario en donde Valentine salía como reclamo de una marca de chicles con el slogan que Kiéslowski quiso utilizar para concluir la trilogía y que da título a mi crítica), ó en esos cables de comunicación telefónica que transmitían los sentimientos de forma tan fría...
OBRA MAESTRA.
SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama.
Ver todo
25 de junio de 2006
122 de 135 usuarios han encontrado esta crítica útil
Una de las más ácidas, sarcásticas e hilarantes comedias del genio Neoyorkino. Todo un alarde de construcción narrativa, y perfil de caracteres.
Harry Block, seguramente un alter ego del artista judío, firma esta cinta memorable para mayor gloria aún de su prolífica y dilatada filmografía, llena de diálogos sugestivos, inteligentemente sarcásticos, con su punto justo de gruesa mordacidad y su dosis respectiva de sutil ironía Alleniana.
Un artista literato, cobarde, enormemente ególatra, inmaduro, psicótico, kafkianamente pesimista y deprimente, mujeriego y putero, no misógino sino hirientemente indiferente con el sexo opuesto,y demasiado neurótico para vivir en un mundo real, que necesita por ello refugiarse en sus relatos de ficción autobiógrafica...
Con cada una de sus obras no sólamente va desnudando o más precisamente deconstruyendo este genial personaje, sino que al mismo tiempo va adentrándose sin permiso, prorrumpiendo de manera harto agresiva en la vida personal de los personajes que han formado y forman parte de su dislocante y alocada vida.
A través de una ingeniosa técnica narrativa, mezcla de realidad distorsionada y subjetiva del propio artistay de ficción altamente ofensiva y deconstructiva, asistimos con placer y deleite a una serie de divertidas y disparatadas situaciones durante la escasa hora y media de metraje, que termina finalmente por dejarnos el regusto de las grandes obras, las de un artista que como Wilder, siempre procuró enfatizar a la vez que relativizar la importancia de la vida.
Harry Block divide compulsivamente el mundo en dos tipos de personas; las que optan por una existencia apegada a los valores ortodoxos de cualquier religión (en concreto critica de forma persistente y mordaz la inflexibilidad del lado radical del sionismo, los denominados halcones), que dicta las leyes de lo políticamente correcto, basadas en gran parte en una serie de supersticiosas creencias separatistas (y crean el concepto de "los otros", con el objetivo de focalizar el odio incontenido de las frustaciones personales de cada uno), y por otra parte estaría el grupo de aquellas otras personas que optan por el lado de la ciencia.
Y aunque Harry milite en este última postura, el artista también demoniza ciertos aspectos de la misma, como es la pérdida de valores, y el anodino nihilismo que termina por deprimir aún más al ser humano.
I M P R E S C I N D I B L E.
Harry Block, seguramente un alter ego del artista judío, firma esta cinta memorable para mayor gloria aún de su prolífica y dilatada filmografía, llena de diálogos sugestivos, inteligentemente sarcásticos, con su punto justo de gruesa mordacidad y su dosis respectiva de sutil ironía Alleniana.
Un artista literato, cobarde, enormemente ególatra, inmaduro, psicótico, kafkianamente pesimista y deprimente, mujeriego y putero, no misógino sino hirientemente indiferente con el sexo opuesto,y demasiado neurótico para vivir en un mundo real, que necesita por ello refugiarse en sus relatos de ficción autobiógrafica...
Con cada una de sus obras no sólamente va desnudando o más precisamente deconstruyendo este genial personaje, sino que al mismo tiempo va adentrándose sin permiso, prorrumpiendo de manera harto agresiva en la vida personal de los personajes que han formado y forman parte de su dislocante y alocada vida.
A través de una ingeniosa técnica narrativa, mezcla de realidad distorsionada y subjetiva del propio artistay de ficción altamente ofensiva y deconstructiva, asistimos con placer y deleite a una serie de divertidas y disparatadas situaciones durante la escasa hora y media de metraje, que termina finalmente por dejarnos el regusto de las grandes obras, las de un artista que como Wilder, siempre procuró enfatizar a la vez que relativizar la importancia de la vida.
Harry Block divide compulsivamente el mundo en dos tipos de personas; las que optan por una existencia apegada a los valores ortodoxos de cualquier religión (en concreto critica de forma persistente y mordaz la inflexibilidad del lado radical del sionismo, los denominados halcones), que dicta las leyes de lo políticamente correcto, basadas en gran parte en una serie de supersticiosas creencias separatistas (y crean el concepto de "los otros", con el objetivo de focalizar el odio incontenido de las frustaciones personales de cada uno), y por otra parte estaría el grupo de aquellas otras personas que optan por el lado de la ciencia.
Y aunque Harry milite en este última postura, el artista también demoniza ciertos aspectos de la misma, como es la pérdida de valores, y el anodino nihilismo que termina por deprimir aún más al ser humano.
I M P R E S C I N D I B L E.
Argylle: Agente secreto
17 de noviembre de 2006
139 de 172 usuarios han encontrado esta crítica útil
En 1973, Federico Fellini llevaría a la gran pantalla una de sus grandísimas obras maestras, compuesta de recuerdos oníricos y vaporosos, camuflados en un fino y sutil hilo de grandilocuencia contenida...aquel barroquismo al que nos tenía acostumbrados logra una sabia contención en esta obra que traducida literalmente al castellano del dialecto de la Romagna (región italiana que engloba la ciudad de Rímini, lugar de nacimiento del propio Fellini) significa; "Yo me recuerdo"...
Valiéndose del joven personaje de Titta Biondi(Bruno Zanin) como su alter ego, Fellini teje los evanescentes hilos del recuerdo de antaño...
Con una fotografía perfeccionista acompañada de una puesta en escena BRUTAL (como nos tenía más que acostumbrados el maestro de Rímini) por parte de Giuseppe Rotunno y una banda sonora sencillamentes INOLVIDABLE del maestro Nino Rota, uno a uno van desfilando por el escenario del genio los variopintos personajes que alguna vez marcaron para bien o para mal su libre existencia...
Desde la familia del joven Titta; su madre Miranda(Pupella Maggio), su padre Aurelio (Armando Brancia), su insano mental tío paterno Teo(Ciccio Ingrassia), ó su otro tío Patacca(Nando Orfei), hasta su abuelo(Giuseppe Ianigro) ó su hermana Oliva...
Pasando por su grupo de amigos; Naso (el inolvidable Jaimito italiano Alvaro Vitali),Ovo(Bruno Scagnetti) ó el orondo Ciccio(Fernando De Felice) obsesionado por el amor de su joven compañera de aula Aldina Cordini( Donatella Gambini)...
A otros personajes tan peculiares e inolvidables como la Gradisca (Magali Noël) interpretando el papel de "la Greta Garbo del pueblo"...peluquera de profesión y siempre soñando con encontrar su príncipe azul en los extranjeros que vienen de visita a la turística ciudad de Rímini...
...O Volpina(Josiane Tanzilli), la prostituta ninfómana y desequilibrada mental, siempre con el rostro sudoroso, yendo de acá para allá, y en actitudes tan groseras y provocativamente fellinianas como orinando o masturbándose...
...O el abogado e historiador de la villa(Luigi Rossi), quien no desperdicia la ocasión para relatarnos las historias de la monumental Italia aún a pesar de los falsos bulos promovidos por el vendedor ambulante Biscein(Gennaro Ombra)...
...O el anciano acordeonista invidente(Domenico Pertica) dando rienda suelta a la maravillosa partitura de Nino Rota...
...O a ese temerario motero Scutreza (Mario Del Vago)... ó al anciano que "puede, manda y quiere" llamado Giudizio(Aristide Caporale) durante los momentos de despedida del invierno al quemar según ritos profanos a una vieja bruja...
...O la estanquera voluptuosa y tetuda(Maria Antonietta Beluzzi), fuente de inspiración para actos de onanismo de la joven pandilla de Titta...
Y todos estos personajes del recuerdo, a su vez forman parte ya de nuestros recuerdos, algunos de los cuales paso a rememorar en el apartado del spoiler...
Sencillamente: O B R A M A E S T R A.
Valiéndose del joven personaje de Titta Biondi(Bruno Zanin) como su alter ego, Fellini teje los evanescentes hilos del recuerdo de antaño...
Con una fotografía perfeccionista acompañada de una puesta en escena BRUTAL (como nos tenía más que acostumbrados el maestro de Rímini) por parte de Giuseppe Rotunno y una banda sonora sencillamentes INOLVIDABLE del maestro Nino Rota, uno a uno van desfilando por el escenario del genio los variopintos personajes que alguna vez marcaron para bien o para mal su libre existencia...
Desde la familia del joven Titta; su madre Miranda(Pupella Maggio), su padre Aurelio (Armando Brancia), su insano mental tío paterno Teo(Ciccio Ingrassia), ó su otro tío Patacca(Nando Orfei), hasta su abuelo(Giuseppe Ianigro) ó su hermana Oliva...
Pasando por su grupo de amigos; Naso (el inolvidable Jaimito italiano Alvaro Vitali),Ovo(Bruno Scagnetti) ó el orondo Ciccio(Fernando De Felice) obsesionado por el amor de su joven compañera de aula Aldina Cordini( Donatella Gambini)...
A otros personajes tan peculiares e inolvidables como la Gradisca (Magali Noël) interpretando el papel de "la Greta Garbo del pueblo"...peluquera de profesión y siempre soñando con encontrar su príncipe azul en los extranjeros que vienen de visita a la turística ciudad de Rímini...
...O Volpina(Josiane Tanzilli), la prostituta ninfómana y desequilibrada mental, siempre con el rostro sudoroso, yendo de acá para allá, y en actitudes tan groseras y provocativamente fellinianas como orinando o masturbándose...
...O el abogado e historiador de la villa(Luigi Rossi), quien no desperdicia la ocasión para relatarnos las historias de la monumental Italia aún a pesar de los falsos bulos promovidos por el vendedor ambulante Biscein(Gennaro Ombra)...
...O el anciano acordeonista invidente(Domenico Pertica) dando rienda suelta a la maravillosa partitura de Nino Rota...
...O a ese temerario motero Scutreza (Mario Del Vago)... ó al anciano que "puede, manda y quiere" llamado Giudizio(Aristide Caporale) durante los momentos de despedida del invierno al quemar según ritos profanos a una vieja bruja...
...O la estanquera voluptuosa y tetuda(Maria Antonietta Beluzzi), fuente de inspiración para actos de onanismo de la joven pandilla de Titta...
Y todos estos personajes del recuerdo, a su vez forman parte ya de nuestros recuerdos, algunos de los cuales paso a rememorar en el apartado del spoiler...
Sencillamente: O B R A M A E S T R A.
SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama.
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5 de agosto de 2006
121 de 138 usuarios han encontrado esta crítica útil
En esta espléndida obra maestra de Lynch, basada en dos relatos sobre la leyenda de John Merrick; "El hombre elefante y otras reminiscencias" de sir Frederick Treves y "El hombre elefante: un estudio sobre la dignidad humana" de Ashley Montagu, podemos apreciar ciertas similitudes con otras obras, tipo "Oliver Twist" de David Lean, "La parada de los monstruos" de Tod Browning o "Cabeza borradora" del propio Lynch.
Y particularmente esta obra guarda bastantes similitudes intencionales en cuanto a la temática principal que Lynch quiso dejar constancia con su ópera prima "Cabeza borradora"; esto es, el choque de culturas transicionales que supusieron el paso de la tradicional idiosioncrasia victoriana decimonónica, a una sociedad industrial contaminante y tremendamente cruel, carente de compasión e inmisericorde...
Con una fotografía algo más que brillante (Freddie Francis) y una banda sonora nostálgica y meláncolica a cargo de John Morris, esta brumosa, dickensiana y tenebrista película, llena de sugerentes claroscuros y conmovedores planos maestros, evoca las grandes películas de siempre, con cierto regusto a clásico añejo pero muy bien conservado...
Como dice el señor Bytes (una especie de personaje dickensiano tipo Fagin) el show de la vida continúa, las corrientes de aire siguen azuzando nuestras banales existencias...
Lo que sí es cierto es que una vez hayas visto esta portentosa película, jamás la olvidarás ni dejarás de conmoverte al recordarla, del personaje de John Merrick(magníficamente interpretado bajo una espesa capa de maquillaje por John Hurt) maltratado por la vida que le tocó vivir, hasta el momento en que conoció al doctor Freddie Treves (Anthony Hopkins en una de sus mejores interpretaciones de su carrera)...
...Aquella obra suya, la catedral de Saint Phillips que Merrick recreó con cartones de la basura del London Hospital, mientras sonaba el adagio para cuerdas de Samuel Barber tocado por la filarmónica de Londres dirigida por John Morris, y mientras Merrick se disponía a acostarse en la cama como lo hacía la gente normal...
M A R A V I L L O S A.
Y particularmente esta obra guarda bastantes similitudes intencionales en cuanto a la temática principal que Lynch quiso dejar constancia con su ópera prima "Cabeza borradora"; esto es, el choque de culturas transicionales que supusieron el paso de la tradicional idiosioncrasia victoriana decimonónica, a una sociedad industrial contaminante y tremendamente cruel, carente de compasión e inmisericorde...
Con una fotografía algo más que brillante (Freddie Francis) y una banda sonora nostálgica y meláncolica a cargo de John Morris, esta brumosa, dickensiana y tenebrista película, llena de sugerentes claroscuros y conmovedores planos maestros, evoca las grandes películas de siempre, con cierto regusto a clásico añejo pero muy bien conservado...
Como dice el señor Bytes (una especie de personaje dickensiano tipo Fagin) el show de la vida continúa, las corrientes de aire siguen azuzando nuestras banales existencias...
Lo que sí es cierto es que una vez hayas visto esta portentosa película, jamás la olvidarás ni dejarás de conmoverte al recordarla, del personaje de John Merrick(magníficamente interpretado bajo una espesa capa de maquillaje por John Hurt) maltratado por la vida que le tocó vivir, hasta el momento en que conoció al doctor Freddie Treves (Anthony Hopkins en una de sus mejores interpretaciones de su carrera)...
...Aquella obra suya, la catedral de Saint Phillips que Merrick recreó con cartones de la basura del London Hospital, mientras sonaba el adagio para cuerdas de Samuel Barber tocado por la filarmónica de Londres dirigida por John Morris, y mientras Merrick se disponía a acostarse en la cama como lo hacía la gente normal...
M A R A V I L L O S A.
SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama.
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24 de agosto de 2006
130 de 158 usuarios han encontrado esta crítica útil
En 1988, Martin Scorsese llevaría a la gran pantalla con la colaboración de su guionista habitual Paul Schrader la OBRA MAESTRA ABSOLUTA de la literatura universal que el novelista, filósofo y poeta griego Nikos Kazantzakis publicó en el año 1955.
La obra está inspirada por la corriente religiosa herética del adopcionismo, corriente que surgió en el siglo II D.C como brazo articulado que sostenía las dos doctrinas de la unidad o monarchia de la naturaleza divina; a saber, los monarchianos modalistas que sostenían que las palabras Padre e Hijo eran aplicadas a un mismo ser y los monarchianos dinamistas o adopcionistas (corriente de la que bebe esencialmente esta obra) que al igual que los ebionistas y apoyándose en los evangelios sinópticos, sostiene que Jesús era simplemente un hombre común que se convirtió en el hijo de Dios al ser poseído de modo excepcional por el Espíritu Divino.
La película en sí es todo un deleite sensorial, un absoluto dominio de las técnicas cinemagráficas del cineasta probablemente más académicamente ortodoxo de la cinematografía universal, con un equilibrio en todas las facetas; puesta en escena, narración, ángulos, movimientos y giros de cámara, y una espléndida y apabullante fotografía a cargo de otro viejo colaborador del cineasta italo-americano, Michael Ballhaus y una no menos espectacular banda sonora a cargo del genial Peter Gabriel.
En su estreno mundial levantó ampollas irreparables para la frágil sensibilidad de los extremistas cristianos, quienes en un acto de intolerancia atacaron y boicotearon la cinta... Los besos en la boca entre Juan Bautista y Jesús, o entre Judas y Jesús, la última tentación soñada de Cristo, deconstruyendo partes de la filosofía de Nietzche y Zaratustra y observando al mesías de los cristianos como un hombre común, pecando con una prostituta (Magdalena)y procreando, y la alteración de los evangelios cristianos y la ley judía fueron el detonante de esta sonrojante polémica.
La obra literaria es infinitamente superior a la cinematográfica, con un sinfín de matices intangibles en esta cinta. Sin embargo hay algo en esta última que nos lleva a atormentarnos con las mismas congojas de su protagonista, que en definitiva no eran sino las congojas y tormentos que acuciaron la conciencia del propio autor durante su juventud y parte de la madurez, como así lo indica en su obra autobiográfica "Informe al Greco (Report to Greco)": "... esta obra fue escrita porque quería ofrecer un modelo supremo del hombre que lucha; quería mostrar que él no debe temer el sufrimiento, la tentación o la muerte porque los tres pueden ser conquistados, de hecho acaban de ser conquistados...".
En la tumba del glorioso autor griego (1885-1957), entre las murallas venecianas del sepulto griego de Iraclion (Creta) hay un epitafio que reza así: "No espero nada, no temo nada. Soy Libre".
I M P R E S C I N D I B L E.
La obra está inspirada por la corriente religiosa herética del adopcionismo, corriente que surgió en el siglo II D.C como brazo articulado que sostenía las dos doctrinas de la unidad o monarchia de la naturaleza divina; a saber, los monarchianos modalistas que sostenían que las palabras Padre e Hijo eran aplicadas a un mismo ser y los monarchianos dinamistas o adopcionistas (corriente de la que bebe esencialmente esta obra) que al igual que los ebionistas y apoyándose en los evangelios sinópticos, sostiene que Jesús era simplemente un hombre común que se convirtió en el hijo de Dios al ser poseído de modo excepcional por el Espíritu Divino.
La película en sí es todo un deleite sensorial, un absoluto dominio de las técnicas cinemagráficas del cineasta probablemente más académicamente ortodoxo de la cinematografía universal, con un equilibrio en todas las facetas; puesta en escena, narración, ángulos, movimientos y giros de cámara, y una espléndida y apabullante fotografía a cargo de otro viejo colaborador del cineasta italo-americano, Michael Ballhaus y una no menos espectacular banda sonora a cargo del genial Peter Gabriel.
En su estreno mundial levantó ampollas irreparables para la frágil sensibilidad de los extremistas cristianos, quienes en un acto de intolerancia atacaron y boicotearon la cinta... Los besos en la boca entre Juan Bautista y Jesús, o entre Judas y Jesús, la última tentación soñada de Cristo, deconstruyendo partes de la filosofía de Nietzche y Zaratustra y observando al mesías de los cristianos como un hombre común, pecando con una prostituta (Magdalena)y procreando, y la alteración de los evangelios cristianos y la ley judía fueron el detonante de esta sonrojante polémica.
La obra literaria es infinitamente superior a la cinematográfica, con un sinfín de matices intangibles en esta cinta. Sin embargo hay algo en esta última que nos lleva a atormentarnos con las mismas congojas de su protagonista, que en definitiva no eran sino las congojas y tormentos que acuciaron la conciencia del propio autor durante su juventud y parte de la madurez, como así lo indica en su obra autobiográfica "Informe al Greco (Report to Greco)": "... esta obra fue escrita porque quería ofrecer un modelo supremo del hombre que lucha; quería mostrar que él no debe temer el sufrimiento, la tentación o la muerte porque los tres pueden ser conquistados, de hecho acaban de ser conquistados...".
En la tumba del glorioso autor griego (1885-1957), entre las murallas venecianas del sepulto griego de Iraclion (Creta) hay un epitafio que reza así: "No espero nada, no temo nada. Soy Libre".
I M P R E S C I N D I B L E.
SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama.
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