Película estrenada en el Festival de Sundance donde ganó el premio a la Mejor Película y a la Mejor Fotografía. Posteriormente se presentó en el prestigioso Festival de Cannes, en donde se llevó la Cámara de Oro a la Mejor Ópera Prima y el premio FIPRESCI de la crítica internacional en la sección “Una Cierta Mirada”. Ante todas esas credenciales y su estupendo tráiler se había transformado en uno de los filmes que más tenía ganas de ver en todo el año. Ahora que ya lo he visto, ha cumplido absolutamente todas mis expectativas, es una ópera prima maravillosa, una película hermosa, triste, real y mágica. Muy conmovedora y magistralmente filmada. Hasta el momento, la mejor película del año.
Escrita y dirigida por Benh Zeitlin, un joven cineasta norteamericano (30 años de edad), que con su primera película en su currículo ha recibido múltiples elogios y reconocimientos, y todos muy merecidos.

“Bestias del Sur Salvaje”, en su título en español, es una película independiente que cuenta una historia ambientada e inspirada en una de las pequeñas comunidades de pesca independiente, que se encuentra en la parroquia de Terrebonne, en Luisiana, Estados Unidos. Una de esas comunidades apartadas y amenazadas por distintos fenómenos de la naturaleza, como huracanes y la subida del nivel del agua. En la actualidad, ese lugar se encuentra conformado por casi igual área de agua que de tierra firme.

En el filme, observamos que el lugar se conoce como “La Isla de Charles Doucet”, un lugar donde las personas viven en armonía, a pesar de las condiciones en las que se encuentran con diversas carencias materiales. Pero adoran su espacio, apartado de la ciudad y de esas fábricas que miran a lo lejos con recelo.

La historia es narrada desde el punto de vista de una niña, Hushpuppy, una niña pequeña que vive con su padre. Una niña con una gran imaginación y con una gran fortaleza que ha ido adquiriendo a través de su corta vida. Su madre los abandonó a poco tiempo de ella haber nacido, según una de las historias que le cuenta su papá, pero ella siempre espera que ella aparezca, entre la oscuridad y entre ese mar por el que un día se fue, tal vez a probar suerte al otro lado de la realidad. Habla con ella y escucha su voz invisible.

Como el relato va de la mano de Hushpuppy, constantemente escuchamos una voz en off con la voz de la niña, en donde podemos ver sus pensamientos, ideas y visiones de la realidad que vive y observa. Este elemento es vital para la narración en general del filme, porque a través de la imaginación de la niña experimentamos la división de la historia, entre lo que ellos viven en la realidad y al mismo tiempo lo que se desarrolla en su imaginación, en donde los casquetes polares se van derritiendo y los Uros, unos animales de los que escucha en clase, van resurgiendo cada vez que el hielo se desvanece. Esos enormes animales y su desarrollo en la película van en coherencia a la historia de la niña, y son enormes símbolos que crecen a la medida que crece su seguridad y su fortaleza.

Me gustaría hacer una pequeña comparación, en una pequeña alusión que me gustaría hacer con otros dos filmes que se me han venido a la mente al ver este filme. La primera alusión, es el filme “Léolo” de Jean-Claude Lauzon, en donde encontré similitudes con la sordidez que maneja, la crudeza con la que se muestra la realidad que viven en su entorno y sobre todo con la narración y la voz en off, que en esa ocasión se encontraba a cargo del niño Léolo, otro personaje infantil tan inolvidable, así como lo es ahora Hushpuppy.

Y la otra alusión, es con la mejor película del año pasado “El Árbol de la Vida” de Terrence Malick. Pero la alusión es más pequeña, en el filme de Malick observábamos como desde la introducción nos mostraban el camino de la naturaleza y la gracia, representado en el padre y la madre. En esta película observamos el total predominio de la naturaleza. El padre, preocupado de que su hija crezca fuerte e independiente, sin mostrar debilidad. De que se identifique con la naturaleza y busque su lado animal. Y eso es lo que ella hace.

El lado de la gracia en esta oportunidad, no se presenta, esta ha sido arrebatada o se le ha negado, aunque si se asoma el anhelo de alcanzarla, sobre todo en esa hermosa escena donde las niñas llegan a un bar, en donde se encuentran a varias mujeres, quienes en un breve momento les dan su cariño. En ese momento la gracia se presenta, pero ya la naturaleza se ha perpetuado y ha invadido el espíritu y el alma.

Además de todo esto, el filme cuenta con una excelente fotografía, el trabajo de Zeitlin, a pesar de ser su ópera prima, es muy destacable. Y hay que destacar la parte de las interpretaciones, priorizando la de la niña, la protagonista, Hushpuppy, interpretada por Quvenzhané Wallis, quien hace una interpretación magistral, que merece todos los premios del mundo. Vive absolutamente el personaje. También es notable la labor de su padre y el resto de secundarios.

En síntesis, un filme hermoso y poético, es como un poema triste y doloroso pero a la vez luminoso. Una de las grandes joyas del año, y hasta el momento se perfila como una de las grandes películas del año. Un gran debut para este joven director, que hay que seguirle la pista.

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Finalmente he visto la esperada adaptación de la excelente novela de Donna Tartt, "El Jilguero". Leí el libro hace varios años y me sorprendí cuando escuché que una adaptación cinematográfica. Porque desde que lo leí me pareció que se podía llevar al cine. Aunque también tenía un poco de curiosidad en cómo harían para adaptar y editar un libro de más de 1.000 páginas.

Al final el resultado no ha sido negativo. Leo que muchos críticos le han dado críticas negativas por la adaptación, pero no me ha parecido totalmente de esa forma. Obviamente hay muchos detalles de la novela que no aparecen en la película, pero creo que en general trataron de abordar los temas más relevantes, aunque sí me haya hecho falta más profundización en algunos detalles y en los personajes. Porque parte de la grandeza de la novela son sus bellos personajes. Y como dije cuando escribí la reseña del libro, el personaje de Boris es de los más bellos que he leído. La película lo trata bien aunque me quedó faltando algo más del Boris adulto.

Pero tratando de sacarme el libro de la cabeza, la película tiene una muy buena factura y una excelente fotografía, por parte del gran Roger Deakins. Maneja bien las transiciones temporales, que también ocurren en la novela, y funcionan para ir desvelando la trama. Y el elenco funciona muy bien, y cumplieron mis expectativas, aunque quizás el guión fue el que no permitió exprimir y hacer brillar más a cada uno de los personajes, que tan bien dibujó y creó Tartt. Lo que hace que por momentos luzcan perdidos, sin motivaciones aparentemente claras y el metraje sin ritmo. Especialmente en ese final, que en la novela también fue uno de los puntos que critiqué, y en la película tuve una sensación similar.

En definitiva, creo que vale la pena verla, creo que despertará el interés en leer la novela, que es muchísimo mejor. Y disfruté ver la caracterización de esos personajes de los cuales me enamoré cuando lo leí. Pero también vi la película con personas que no leyeron el libro y la disfrutaron mucho. Creo que porque a pesar de las limitaciones, la historia en sí y sus personajes son muy fuertes y entrañables. Aconsejo no dejar de leer la novela. Que además fue Premio Pulitzer de Ficción, y de las novelas más aclamadas de la pasada década y lo que va de siglo.

La película me pareció muy interesante, al tiempo que una sobresaliente presentación de este joven director del que esperamos escuchar en el futuro. Esta “recreación de los hechos reales” se convierte al mismo tiempo en un homenaje a los marginados, a las personas que nacen en un entorno difícil, que intentan crecer y superarse, pero que muchas veces el mismo entorno hace fuerzas para no dejarlos salir. Oscar, es la imagen que representa a esta población, presentan su vida y parte de su pasado, ha tenido problemas con las autoridades por drogas, pero tiene a una esposa, una madre y una hija, que representan el motor que lo mantiene vivo con las esperanzas de cambiar. Lo que he mencionado sobre esas ocasiones en que el entorno te dificulta salir adelante, queda de manifiesto en una hermosa y triste escena, representada en la metáfora del perro callejero, que minutos después de jugar con Oscar, es atropellado por un conductor que no se detiene y sigue su curso a toda velocidad. Esa imagen del canino en la vía sin nadie que lo ayude, que le importe y se interese por él, es tan triste, que se contrasta con la misma situación de Oscar.

El filme dura 90 minutos, que quizás se hacen un poco cortos, pero me pareció efectivo en la forma de tratar el tema, sin llegar a excesos o extremos a los que fácilmente pudo haber llegado por su temática, sin grandes pretensiones y en un tono casi documental con una constante cámara en mano que se moviliza al compás de la acción del filme. También me gustó el detalle de los celulares, al aparecer en pantalla la imagen de los móviles, así como los mensajes y las llamadas que recibían. He leído que algunos críticos han comentado que abusa de la temática para generar indignación en el público y ser manipuladora, pero a mí me pareció un planteamiento muy real, quizás si contiene algunos fallos evidentes, pero están llevados con gran efectividad.
El reparto, es una de las fortalezas de la película, ya que tiene dos actores muy importantes a resaltar, primero, Oscar, que es interpretado por el joven actor Michael B. Jordan, a quien ya viéramos en “Chronicle” el año pasado, hace realmente una destacable interpretación, siendo el centro de la trama y alcanzando los distintos matices de Oscar, dureza, sensibilidad y expresar con acierto sus luchas internas. Por el otro lado, la madre de Oscar, Wanda, interpretada por la ganadora del oscar Octavia Spencer, quien nuevamente demuestra su talento como actriz dramática, aunque su tiempo en pantalla es corto, logra acertar cada vez que sale. Y en general, el resto del reparto cumple, con una mención especial a Melonie Diaz, quien interpreta a Sophia, la novia de Oscar.
El tramo final es de gran intensidad, me pareció muy bien filmada, todos los acontecimientos en la estación de Fruitvale. Pero al final también quedé con un sabor agridulce, luego de toda esa intriga de repente te enfrentan a un final cortante, que si bien es entendible, deja un poco desconcertado al espectador.

En síntesis, es un buen filme, no es perfecto, es un filme que a pesar de su sencillez tiene momentos tan potentes y poderosos que se te quedan en la cabeza luego de terminar el visionado. Es un merecido homenaje a la víctima, a los marginados y sobre todo un llamado de atención sobre el mismo caso que aún hoy en día espera que se haga justicia.

frasesdepeliculas.com.co
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Patética Palma de Oro del pasado festival de Cannes. Me gustó la propuesta del director en "Fuerza mayor", con su siempre sentido cómico y satírico, pero en The Square pretende hacer y narrar muchas cosas sin centrarse en algo específico, en un filme de 2 horas y media, innecesarias y tan banales y superficiales como lo que crítica. ¿Una crítica al mundo del arte contemporáneo? ¿Sátira de la sociedad hipócrita contemporánea que promueve hacer el bien cuando es incapaz de hacerlo? ¿A la libertad de expresión? ¿A lo políticamente correcto? ¿A la animalidad? Bla bla… Es de todo eso (y más) y nada al mismo tiempo. Gags autorales, provocación gratuita y vacía. Definitivamente hizo una obra dentro de otra obra en la misma línea de lo que crítica, quizás de forma intencional o de burla… pero no he empatizado con su propuesta, aunque tenga momentos estéticamente interesantes. Tiene escenas afortunadas, sólo eso, y su actor principal, Claes Bang, hace un excelente trabajo. La Palma de Oro debió ser para la película rusa “Loveless”.

Frases y diálogos de la película:
http://frasesdecineparaelrecuerdo.blogspot.com.co/2018/02/frases-pelicula-the-square-ruben-ostlund.html

La pareja de directores de esa pequeña joya del 2006 llamada “Little Miss Sunshine”, han vuelto con un nuevo trabajo, una nueva comedia que en esta ocasión es acompañada por el romance y el drama. Se acaban de apuntar otra pequeña joya del cine independiente de los Estados Unidos. Tal vez no posea la fuerza de su anterior trabajo, pero sin duda han hecho un trabajo limpio, tierno, un poco más que interesante y conmovedor.

Con un guión escrito por Zoe Kazan, quien a la vez protagoniza al filme junto con su novio en la vida real Paul Dano, el filme cuenta la historia de Calvin Weir-Fields, un joven escritor que alcanzó la fama y el reconocimiento a muy temprana edad, al haber escrito en su primera publicación una gran novela. Calvin posteriormente pasa por una etapa de sequía de creatividad que le impide escribir, que junto con su fracaso en el amor le hace caer en una gran depresión. Hasta que con ayuda de su psiquiatra logra continuar escribiendo y crear un personaje femenino que idealiza a su mujer ideal: Ruby. El experimento sale tan bien que Ruby trasciende de la ficción y se materializa en la vida real de Calvin, llevándolo a un estado de alerta, pero que luego tratar de sobrellevar.

Calvin pronto se da cuenta de que puede modificar el comportamiento y el libre albedrío de Ruby sólo con escribirlo. Algo que al inicio trata de evitar porque la considera perfecta, pero con el tiempo cambia de parecer. Así que en definitiva, el filme además de contar con ese toque de fantástico y de ficción, es un retrato que trata de profundizar sobre la complejidad de las relaciones de pareja y las ideas del amor. Además de brindar una visión a la difícil y tormentosa pero placentera actividad del ser escritor.

El argumento no es completamente nuevo, hemos visto muchas películas sobre escritores y sus momentos de depresión que les impide escribir. Pero el filme va mucho más allá, trasciende la realidad y la mezcla con la ficción, como en esa película del 2006 protagonizada por Will Ferrell “Más extraño que la ficción” del siempre destacable Marc Forster; en donde además el protagonista también es un escritor, pero que en esta oportunidad trata de buscar la forma de matar a su personaje principal que se ha salido de la ficción. Esa es la película que más me recuerda a este nuevo experimento escrito por Kazan.

Pero a pesar de no resultar 100% original, la película tiene vida propia, posee carisma, el guión está muy sobresaliente con diálogos muy buenos y algunas frases brillantes. Parte del éxito del filme, es esa química natural entre sus dos protagonistas (que son pareja en la vida real). Dano y Kazan, rebosan naturalidad, carisma, recuerdan mucho a esa entrañable pareja de Joseph Gordon-Levitt y Zooey Deschanel en “500 días juntos”. Realmente están muy bien en sus papeles, Dano interpretando a ese escritor solitario y que piensa sólo en sí mismo, y Kazan interpretando a la chica de sus sueños, que cambia según su voluntad. Los secundarios en realidad no brillan mucho, pero cumplen cada vez que salen en sus respectivos papeles, algunos un poco prescindibles.

En síntesis, en una comedia romántica mucho mejor que el promedio, te lleva desde la alegría y el romance hasta el drama. Hay escenas tiernas, otras nostálgicas, otras divertidas, otras conmovedoras, algunas realmente dramáticas y con alta tensión, y entre todas van hilando este filme que me ha resultado muy encantador. Recomendada para ver una de las primeras joyas del cine independiente que he visto este año, así como el año pasado lo fue “Like Crazy”, entre otras. El final a algunos les parecerá rosa, pero yo veo un signo de interrogación con puntos suspensivos.

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