Una deliciosa gamberrada a medio camino entre las sensibilidades de un Tarantino muy Tornatore y un Quentin muy Tarantino. Sigue siendo cine de calidad, hecho con amor y respeto (profundísimo) por el medio; y es que por motivos perfectamente válidos a este señor le siguen llamando el último gran cineasta norteamericano (aunque no sea un criterio que comparto).

La manera en la que confecciona una estética que celebra el star system mientras lo denuncia y defiende las particularidades (arbitrariedades) e idiosincrasia de la élite artística recuerda mucho a los ejercicios de comentario metacinematográfico que hicieron en su momento genios como Fellini, Welles o el Tornatore de Cinema Paradiso.

Pero aunque ese ejercicio de comentarismo más o menos esté ahí, se queda tibio. He ahí mi problema con la película: el comentario tímido. No muestra la garra, ni el filo. Con un miedo atípico viniendo de un bestia que de tener que apuñalar al gremio de producción solo para que no le tocaran el color grading lo habría hecho, y sin embargo, aquí se muestra como somnoliento y sin ganas de entrar en polémica.

Como un artista derrotado que en una humillación final tenía que permitirle a la Sony el atravesar la retina del espectador con un ciclópeo logotipo antes de que los créditos iniciales (Siempre tan importantes en el cine de este hombre) hiciesen acto de presencia.

No logro sacarme de encima la sensación de que algo no terminó de germinar, a medio camino se pudrió y el hijo pródigo del nuevo Hollywood se dio por satisfecho aun estando a medio hacer.

Me emocionaba la idea de enfrentarme a la susodicha película más personal de Tarantino, como si eso fuese garantía de algún tipo de consistencia (al menos intelectualmente) en el comentario que buscaba hacer.

Una hora y 40 minutos de película y la primera tanda de gente ya había empezado a abandonar la sala.

Los entendí totalmente.

Silence (Scorsese, 2016) representa no pocas cosas. Quizás la película más retóricamente madura de su director, la manera en que explora la Fe, la cultura y el lenguaje como articulante de ambos conceptos es de un tacto tan excepcionalmente delicado que me silenció por completo.

Más que nunca, se trata de una película necesaria, considerando lo atrás que dejamos la Muerte de Dios, emancipándonos en los problemas del siglo XXI, casi irremediablemente incompatibles con cualquier forma de espiritualidad. La Fe desde el silencio como activismo ontológico.

La tesis final de la película termina en un comentario curiosamente cercano a la sistematización detrás del ateismo cristiano, y cito a uno de sus máximos representantes para concluir: "actualmente todo hombre que esté abierto a la experiencia sabe que Dios está ausente".

La obra maestra de Kurosawa. Una película tan enorme que es imposible de cubrir tanto en una como diez reseñas. Difícil de ver; desoladora. Demoledora. Una tragedia operática que de entre todos los temas que abarca en su mordida con colmillos afilados como katanas ninguno corta tanto como el de la condición humana más primitiva y prevaleciente de todas: la soledad.

Técnicamente sobresaliente en todos sus apartados, con interpretaciones que dan de lleno en el tono shakesperiano sin traicionar la tradición japonesa; una eminentemente dramática y capaz del mejor teatro humano que en nuestra condición somos capaces de brindarnos a nosotros mismos: dolor, muerte y miseria (乱). La historia se repite y así ha sido durante milenios. Así seguirá.

El hombre nace llorando, ¿cómo más ha de morir?

El mejor contenido de Star Wars en más de una década. Reivindicando la sensibilidad política de Star Wars con inteligencia y gusto, repleta de personajes e interpretaciones memorables y con un desarrollo increíblemente visceral, Andor pasó de ser el producto que menos me interesaba dentro de la oferta moderna de Star Wars a mi serie favorita de todo el año 2022.

Imperdible, tanto para fanáticos de la franquicia como cualquiera interesado en la buena televisión. Tony Gilroy hilvana con destreza sin igual una exploración de la naturaleza política tras la maquinaria imperial, el lado más insidioso de la rebelión, y en general, comenta y hace preguntas difíciles respecto a la naturaleza de la incipiente alianza rebelde; ¿qué tanto se justifica el terrorismo ante el absolutismo fascista? y muchas más interrogantes que promete explorar a lo largo de esta serie.

Inmediata fue mi necesidad, mejor dicho, mi deber, de abrir una cuenta en Filmaffinity después de cinco años seguidos de uso regular de la plataforma. No es para menos, me atrevería a decir, que se trata de la obra más personal e inteligente de Iñárritu. Birdman o (la inesperada virtud de la ignorancia) es, la mejor película que he visto en mi vida. Sublime de principio a fin, batería jazz fusión incluida (Antonio Sánchez embelleciendo cada escena hacia niveles insospechables, dándole ese toque mágico, neonoir, vintage) junto con una fotografía que bebe directamente de la cámara secuencial constante de Gravity, no siendo para menos, ya que se trata de el mismo director de fotografía; quizá guste más a unos que a otros, sin embargo no pierde en lo absoluto el mérito técnico, la precisión y el cuidado con la que está realizada cada escena. ¿O debería decir, toda una gran escena que compone el todo que es Birdman?.

Onírica por momentos, surrealista, hiperrealista, poética, desenfrenada, lenta, rápida, filosófica. Todo menos vacía. Alejandro G. Iñárritu arma una épica de magnitudes quizá no igual de colosales que Interestelar, por decir algo. Pero si Interestelar lograba llegar al corazón, cuidado, porque Birdman te lo sacará de raíz para colocarlo nuevamente en su sitio y hacerle sentir más cómodo que nunca.

La inesperada virtud de Michael Keaton queda patente a lo ancho y largo de las dos horas de metraje que componen esta obra maestra. La resurrección del Bruno Díaz de Tim Burton le dota de un aspecto sucio y desenamorado, que, ¿por qué no? Es fenomenal. Edward Norton haciendo básicamente de... Edward Norton, ese Edward Norton increíblemente camaleónico que nos hizo odiarle, amarle, rogarle y llorarle en American History X. No menos genial es la interpretación de la siempre hermosa y natural Emma Stone. Un Zach Galifianakis estelar, logrando el equilibrio perfecto entre su presencia risible de por sí misma y una profundidad emocional nunca antes vista en el (una profundidad emocional de la que absolutamente todo el elenco hace gala). Naomi Watts y Amy Ryan no quedan atrás.

Alejandro González Iñárritu, Nicolás Giacobone, Alexander Dinelaris, Jr, y Armando Bo conjuran un guion que de no llevarse el Oscar este año me vuelo los huevos. Un guion que literaliza la clase de magia que el impresionismo pictórico de Manet infundió a la literatura de los hermanos Goncourt. Un guion que antagoniza al realismo para posteriormente irse de las manos con él, quizá mimetizándose con la relación entre los personajes que interpretan Michael Keaton y Amy Ryan durante la película. En pocas palabras, un guion perfecto.


Soy de los que no le gusta revelar absolutamente un solo vestigio de la trama de un filme. Nada mejor que llevarse una agradable sorpresa sin saber que se tiene entre manos, como el recibir un regalo de cumpleaños luego de haberte olvidado que el océano del tiempo nunca para de correr. Así que concluiré de una forma bastante cliché en el mundo de las críticas en general, con etiquetas. Oh, mierda, acabo de soltarme un spoiler.

Hermosa, profunda, adictiva, divertida, inteligente, perfecta. Esas son las inesperadas virtudes de la última novedad de Iñárritu.

Danos más, amigo.