"Barbie" me obliga a una reflexión desde el sentido común. Dejo de lado los aspectos técnicos de la película, para dar mi opinión desde un punto de vista ético.

Soy un gran defensor del valor de la inocencia. Allá donde hay inocencia hay bondad. La inocencia dignifica la vida pero sobre todo en la infancia es virtud esencial y prácticamente su razón de ser. Por eso quiero pensar que cuando las niñas, durante décadas, han jugado con Barbies no lo han hecho pensando en complicados conceptos como "matriarcado", "patriarcado" o "empoderamiento". Quiero pensar que las niñas que juegan con Barbies simplemente juegan a peinarla, a vestirla o a papás y mamás. Tampoco creo que la belleza ideal de Barbie suponga un trauma para las niñas, presuntamente deprimidas ante la imposibilidad de ser tan guapas como ella. Al contrario, creo que las niñas son perfectamente capaces de entender la perfección exagerada de Barbie, y a pesar de ello contagiarse de su feliz superficialidad.

¿Soy el único que piensa que Greta Gerwig ha utilizado a Barbie para cargar sobre sus espaldas una mochila de feminismo que nada tiene que ver con la muñeca? ¿Soy el único que piensa que Greta Gerwig ha complicado lo sencillo?

Ahora el pensamiento feminista dice que los niños (varones) también pueden jugar con muñecas. Según esta idea si no lo han hecho antes es porque estaban mal aconsejados. Supuestamente manipulados por el condicionamiento cultural del patriarcado. Yo he sido niño y nunca quise jugar con muñecas. De hecho lo intenté, cuando jugaba con mis primas, pero me aburría. Era un rollo. En cambio necesitaba pocos motivos para convertir un vulgar palo en una fenomenal escopeta laser o una simple caja de cartón en una nave espacial. Pero claro, a ojos del pensamiento progresista mis juegos infantiles estaban condicionados. El machismo de la época me obligó a jugar con escopetas imaginarias y a su vez me privó del apasionante goce de jugar con muñecas. Al parecer yo no elegí libremente jugar a la guerra, la culpa fue de la cultura patriarcal.

Siguiendo esta loca teoría se concluye que nuestras decisiones nunca han sido libres. Tampoco las de Barbie que (gracias a Greta Gerwig) descubre que vive en un mundo falso. La directora de "Barbie" levanta el dedo acusador contra esa inocencia que nos impide ver la verdad. Porque la verdad, según la paranoia feminista, es que detrás de la muñeca se esconden un complejo mundo de teorías sociales sobre el poder y el género. Gerwig viene para terminar con esta inocencia que nos anula, es decir: viene a terminar con la infancia. Vaya panorama.

Hay algo muy contradictorio en el nazismo. Su oscura mecánica de muerte pretendía construir una sociedad luminosa. Los nazis no eran bárbaros sino que defendían la ciencia y la razón. Resulta incomprensible que el mayor genocidio de la historia se perpetrara desde el imperativo de la civilización. Por eso muchos pensadores siguen buscando respuesta a semejante aberración. El filósofo Theodor Adorno y la escuela de Fráncfort investigaron a fondo las causas del Holocausto. La herida fue tan profunda que algunas corrientes sionistas consideran, todavía hoy, que no se puede hablar del Holocausto. Una especie de respetuoso tabú destinado a sacralizar el trauma. Porque intentar explicar semejante atrocidad es imposible.

La grandeza de “La zona de interés” es precisamente este cuestionamiento ético sobre la forma de abordar un asunto tan sensible. La película, basada en la novela de Martin Amis, narra el día a día del coronel Rudolph Hoos durante su jefatura en el campo de exterminio de Auschwitz. Pero la película no muestra el Holocausto sino la vida de la familia Hoos en la villa que ocupaban a escasos metros del campo. El director Jonathan Glazer cancela la representación del Holocausto al tiempo que dirige la mirada del espectador hacia lo anodino. La cámara de Glazer acompaña los movimientos de la familia Hoss dentro de la casa. Vemos a la familia reunida para desayunar, a los niños jugar en su habitación o al matrimonio paseando entre los rosales del jardín. La vida es perfecta en el lado bueno del muro.

La pantalla queda dominada por la banalidad doméstica y el horror queda en el fuera de campo. En la película no aparece ningún nazi malvado ejecutando reclusos, ni judíos esqueléticos hacinados en sus barracones. “La zona de interés” evita el emocionalismo exagerado de las películas sobre campos de concentración, pero provoca un malestar aséptico. No podemos ver el Holocausto pero podemos sentir su presencia al igual que escuchamos el susurro siniestro de la valla electrificada. En algunas escenas las chimeneas de los crematorios asoman al fondo del plano. También los gritos de los reclusos rebasan los muros.

El debate moral ya no apunta al Holocausto sino a su representación. El acierto de Jonathan Glazer es contar las cosas sin contarlas. El Holocausto cobra más fuerza precisamente porque no se ve. Una ausencia que instala la culpa en la conciencia del espectador. Todos sabemos lo que ocurre al otro lado del muro, pero como estamos en el lado bueno es muy cómodo mirar para otro lado. A la familia Hoss le ocurría lo mismo.

"Irati" tiene tantos claroscuros como la propia Edad Media. Es de agradecer el atrevimiento del director para meterle mano al género de espada y brujería, un terreno poco explorado por el cine español. "Irati" goza de una producción técnica impecable. Una fotografía a la altura de las producciones de Ridley Scott, un sonido apabullante y unos efectos visuales de un realismo sobresaliente. Pero algo en la película va mal desde el principio.

En especial una historia más preocupada por el efectismo visual que por la coherencia narrativa. El resultado es rígido y pretenciosamente solemne. La dirección de actores es un desastre y pese a la belleza de los bosques lo que ocurre en ellos parece impostado. Los efectos de sonido son desmesurados, al igual que los efectos a cámara lenta y los agotadores cantos mágicos de la banda sonora. Nada en "Irati" queda muy claro salvo los esfuerzos de Paul Urkijo por estar a la altura de referentes actuales como "El hombre del norte". En su búsqueda de trascendencia mística y de las raíces del folclore espiritual vasco el director se olvida de lo más importante: saber contar una historia.

Como detalle culinario no puedo dejar de mencionar la tenaz promoción que el popular cocinero Karlos Arguiñano está haciendo de la película en su programa de televisión. "Irati" sale a relucir en cada una de sus recetas porque su productora "Bainet Zinema" es el perejil de todo este asunto.

"El limpiaparabrisas" acaba de recibir hoy mismo el Oscar al mejor corto de animación. Una gran noticia para el cine español y para Alberto Mielgo, quien lleva mucho oficio a sus espaldas trabajando en animación.

"El limpiaparabrisas" es un corto de factura técnica impecable, de texturas vanguardistas muy similares a la digitalización de imagen real de "Scanner Darkly" de Linklater. Sin embargo el argumento presenta una historia cuya pretensión poética tiende de forma inevitable a la sensiblería. Su tono de proverbio oriental y esa pregunta en el aire sobre qué es el amor recuerda demasiado a la pregunta de aquel anuncio de compresas: "¿a qué huelen las nubes?". "El limpiaparabrisas" busca la emotividad globalizante del manual de autoayuda, en una historia coral cuya fragmentación nos devuelve de nuevo a Isabel Coixet en "Cosas que nunca te dije".

Enhorabuena a RTVE que tuvo el acierto de emitir el corto en su programa "Versión Española", con conexión desde Los Ángeles con el propio Mielgo, ilusionado y nervioso horas antes de la entrega de los premios Oscar.

"Despierta la Furia" demuestra que la cabeza cúbica de Jason Statham puede ser tan americana como la de Bruce Willis. De hecho es un cráneo de diseño mejorado, un ariete de geometría letal que reparte estopa sin la necesidad de los chistes fáciles de "La jungla de cristal".

Guy Ritchie abandona su londinense zona de confort para rodar en Estados Unidos, liberando su película de cualquier vestigio británico. El director construye un "neo-noir" genuinamente americano, sin ninguna concesión al humor y con unos diálogos más limitados que la charla entre dos neardenthales. Jason Statham, habitual secundario de las películas de Ritchie, conquista merecidamente el papel protagonista. Un héroe oscuro, de pasado torturado que nos devuelve a los vaqueros solitarios del primer Clint Eastwood o al aterrador Kaiser Soze de "Sospechosos Habituales".

La película no aspira a la originalidad. Ritchie se reafirma en el cine negro como su espacio natural y recupera tópicos del género como el vengador implacable o el socorrido robo al furgón blindado. Se echa en falta la ironía británica y el sarcasmo canalla de "Lock and Stock" que, en esta ocasión, desaparecen bajo el peso de la testosterona yankee, una maquinaria rocosa pero de pocos matices. Statham, expeditivo, hace lo único que sabe, y tras él todos los personajes parecen servir mecánicamente al engranaje narrativo de trazo grueso.

Nadie como Michael Mann para retratar la jungla urbana de Los Ángeles. La sombra del maestro es alargada pero sus planos cenitales son para Ritchie una poética inalcanzable. Si tengo que elegir atracos de precisión militar en la avenida Figueroa me quedo con "Heat" y la reciente "Juego de ladrones".