Ha pasado ya una semana desde que ví Mad Max: Furia en la carretera (Mad Max: Fury Road, 2015), por una parte he dejado pasar el tiempo para madurar la crítica y ver el poso que me ha dejado y, por otra parte, para recuperarme de tan tremenda explosión visual.

Quien no la haya visto, sólo puedo recomendarle que acuda sin más dilación a verla en la gran pantalla antes de que la quiten. El cine no sólo se ha inventado para disfrutar de buenos guiones sino también para disfrutar de increíbles espectáculos visuales. George Miller, creador y director, de las sagas anteriores de Max Max también director de Las brujas de Eastwick (1987) y la ganadora del Oscar a Mejor película de animación Happy Feet, nos presenta este nuevo y salvaje Mad Max: Furia en la carretera (Mad Max: Fury Road, 2015). El director de 70 años nos deja unas escenas grabadas de acción que son de lo mejor que he visto en mucho tiempo. Gracias George Miller por no abusar de los efectos por ordenador y volver a algo que ya teníamos olvidado, los dobles de acción.

El guión es sencillo, está explicado con imágenes, apenas hay diálogo, salvo la voz en off inicial y alguna que otra conversación. No hacen falta diálogos inteligentes, su salvajismo visual nos introducirá en la vorágine de imágenes sin tiempo para parpadear. Llevar colirio.

En el papel de Mad Max tenemos a Tom Hardy, que continua su meteórica carrera tras interpretar recientemente a Bane en el El caballero oscuro: La leyenda renace (2012), nuestra recomendada Warrior (2011) y Origen (2010). Tom Hardy interpretando a Max Rockatansky hará olvidar al mismísimo Mel Gibson de la trilogía original. Hardy se mete en el papel de héroe al más puro estilo cowboy, samurai, vikingo o ronin que tu prefieras. Silencioso y mortal. Es de agradecer que el héroe este acompañado de una heroína a la altura como Charlize Theron interpretando a la Imperator Furiosa y quitándole protagonismo al mismísimo Mad Max en muchas escenas. La química entre los dos actores funciona a la perfección, dos grandes héroes de acción. El reparto de secundarios hace su trabajo notablemente y le da consistencia a la cinta. Como curiosidad mencionar que el villano Immortan Joe está interpretado por Hugh Keays-Byrne quien tuvo el honor de ser el primer villano de la saga allá por 1979 interpretando a “el Cortauñas”. Quien no recuerde, le recomiendo revisionado.

El guión, bueno, mejor dicho, la sucesión de imágenes mezcla humor negro con acción de una manera brillante. Por momentos no sabes si estás viendo una persecución de coches, abordajes piratas o un western con asalto a la diligencia. Como decía, las escenas de acción son espectaculares, especial protagonismo a las persecuciones de “coches”. Lo bueno de usar dobles y haber creado todo este universo de coches es, que le dan hiperrealismo a las imágenes. La dirección artística me parece sobresaliente, creo que merece la pena fijarse en como está cuidado hasta el más mínimo detalle de cada coche o atuendo de los personajes. Algo que no veía desde la primera cinta de El señor de los anillos. La fotografía es excelente y se acopla perfectamente a lo que venimos diciendo. El resultado son unas imágenes de acción que te dejarán con la boca abierta.

A las imágenes de acción les acompaña un extraño guitarreo y una música “rayante” del desconocido Junkie XL que acompaña la cinta correctamente pero que no es una música que me pondría a escuchar en mi casa, o por lo menos yo, no.

Tras 120 minutos termina la película Mad Max: Furia en la carretera (Mad Max: Fury Road, 2015) y te deja en estado de shock, pero sabes en el fondo que la vas a volver a ver, quizás estemos ante la película de acción de esta segunda década del año 2000. O quizás no, quizás sea la secuela que ya está pensando George Miller, Mad Max: The Wasteland.

Lo mejor: Escenas de acción brillantemente rodadas. Buenas interpretaciones de los actores. Dirección artística sobresaliente.

Lo peor: Guión sencillo.

http://www.zinefilos.com/estrenos/critica-mad-max-furia-en-la-carretera-mad-max-fury-road-2015

Al principio estaba bastante entusiasmado con la noticia del mes. Neill Blomkamp dirigirá Alien 5 (tras un tweet de autobombo bastante exitoso, él mismo se propuso a dirigirla) con, ni más ni menos que, Sigourney Weaver entre el reparto. Como decía, al principio, sonaba bastante bien. Actualmente tras ver Chappie he perdido toda esperanza, mi aliento se desvanece como una llamada de auxilio de la Nostromo.

No quiero morir, quiero vivir

No porque Chappie sea mala, no. Chappie entretiene, promete, pero al final queda en nada. Con todo, me sorprende toda esa horda de críticos que ahora la pone a caldo teniendo en cuenta todas sus similitudes con los anteriores trabajos del ahora defenestrado por muchos Neill Blomkamp. El otrora exitoso director de la aclamada District 9 que tan buenas críticas obtuvo, al igual que su siguiente trabajo, Elysium, parece que ha caído en desgracia. Curiosamente por hacer, casi, lo mismo.

El sudafricano Neill Blomkamp con Chappie vuelve a tocar la marginación y las bandas organizadas de delincuentes para contarnos una historia por momentos cercana a Robocop y por otros momentos a Cortocircuito. El guión es del propio Neill Blomkamp y Terri Tatchell, y a medida que nos vamos adentrando en la historia nos vamos dando cuenta que Neill sabe como empezar historias pero no como acabarlas. La idea inicial parte de una premisa interesante pese a fallos en el guión obvios (algo de tanto valor no lo dejas al alcance de cualquiera), el desarrollo es intrigante (un robot con consciencia propia) y el desenlace es lamentable (agarro el guión, hago una pelota de papel con él y lo lanzo hacia la basura). No quiero contar nada del guión, prefiero que lo averigüéis vosotros mismos.

Entre el reparto de actores tenemos estrellas consagradas como Hugh Jackman o Sigourney Weaver. Esta última en el papel de Michelle Bradley, CEO de Tetra Vaal (empresa dedicada a crear un cuerpo de policías robots, conocidos como scouts y que son la panacea contra todas las mafias y delincuentes), que nos deja una interpretación totalmente olvidable. Podía ser ella, como mi vecina. Por el otro lado Hugh Jackman, o lo que es de él, en pantalones cortos que se presenta como Vincent Moore ex agente de las fuerzas especiales que parece más destinado a aporrear teclados que a ser un experto programador en I.A. (Inteligencia Artificial). Como programador experto en I.A. Tenemos a Dev Patel interpretando a Deon Wilson creador de los scouts y más creíble en ese aspecto aunque sea, si me lo permiten, por ser indio. Pero tampoco queda convincente y parece sobre actuado sobre todo en su tramo final.

Entre el elenco de enemigos no podemos dejar de mencionar al dúo antagonista, mami y papi, interpretados por los extravagantes Ninja y Yo-Landi, que parecen sacados de las peores pesadillas de Mad Max. Son miembros del grupo de música Die Antwoord, aportan el lado cómico a Chappie, pero también son los encargados de estropear la poca verosimilitud que le quedaba a la película, sobre todo en su clímax final.

Llegado a este punto tenemos que destacar finalmente a Chappie interpretado por Sharlto Copley como el más creíble de todos, y esto parece extraño viniendo de un robot.

Entre los puntos a favor, destacaremos que me entretuvo casi en su totalidad y que me pareció interesante el aprendizaje inicial de Chappie, su lado gangsta en su vertiente más cómica, incluso me emocioné en algún momento que el pájaro sale del nido por primera vez y echa a volar, pero sobre todo, cuando es lo suficientemente consciente como para no querer morir gracias a ese instinto de supervivencia que le hace humano.

La música de Hans Zimmer pasa desapercibida, no parece que se la crea ni el propio Zimmer, queda oculta tras los golpes y macarrería de Die Antwoord.

Lo mejor: el propio Chappie, su instinto de supervivencia (NO QUIERO MORIR) y su etapa de aprendizaje y crecimiento.

Lo peor: el guión y que los enemigos acabarán con la paciencia de más de uno.

Fuente: http://www.zinefilos.com/estrenos/critica-chappie/

Hace casi dos meses que terminó la primera temporada de True Detective y ya la echamos de menos. True Detective se consolida como la serie de la temporada sin lugar a dudas y por muchos motivos.

Uno de ellos podría ser la excelente dirección de Cary Fukunaga el cual nos conquistó con su gran trabajo sobre las maras en los Sin Nombre película que ya recomendamos desde Zinefilos. Para hacernos una idea de lo que es capaz de hacer Fukunaga recomiendo ver el cuarto episodio y disfrutar de un plano secuencia de seis minutos en los que va recorriendo un barrio negro, los que la hayan visto sabrán de que hablo.

Desde los créditos iniciales sabemos que estamos ante una serie especial. Una zona industrial de Luisiana conocida como “Avenida del cáncer” (por su alto grado de polución) será el telón de fondo entre pantanos para las aventuras de los detectives, Marty Hart y Rust Cohle. Creo dejarán huella para varios años. Estos dos detectives están interpretados magistralmente por Woody Harrelson y Matthew McConaughey, la química entre ellos funciona a la perfección. El único personaje femenino, trascendente, es el de Michelle Monaghan interpretando a Maggie Hart, la mujer de Marty Hart. También destacamos a la amante de Hart interpretada por Alexandra Daddario en lo que algunos han denominado el “desnudo del año”. En general, sinceramente, poca aportación de los personajes femeninos en la serie.

Una serie totalmente recomendada para los amantes de películas como Seven o El Silencio de los corderos. Los seguidores de las películas de asesinos en serie creo que disfrutarán bastante con este emocionante caso que surgirá en Luisiana donde se mezclarán asesinos, rituales satánicos y crímenes no sólo de mujeres sino de niños. Pueden disfrutar de True Detective, una serie que mezcla suspense, intriga, investigación criminal e incluso un drama sureño representado en las vidas vacías de sus protagonistas aunque por diferentes motivos.

Al excelente guión con varias dosis de intriga que se irán generando en cada episodio, te hará dudar de todos y de todo, debemos añadirle una excelente fotografía, dirección artística y banda sonora. No puedo evitar dejaros el excelente opening de la serie que tengo en mi móvil desde hace meses.

También es justo mencionar a Nic Pizzolatto el creador y guionista de la serie quien tiene especial predilección al igual que yo por el personaje Rust Cohle. Quizás por eso Cohle tiene sinestesia (oye colores, ve sonidos…), como el autor. Y, también igual que él, tiene querencia a emplear citas filosóficas, especialmente aforismos de Cioran y de Thomas Ligotti. Desde luego Cohle es un personaje muy elaborado y con las mejores citas filosóficas es raro que no tenga una charla metafísica en algún capítulo.

Las referencias literarias son también infinitas. Carcosa, está tomada del cuento “Un habitante de Carcosa”, de Ambrose Bierce; el enigmático The Yellow King proviene de la novela “The King in Yellow”, de Chambers. Ambos autores fueron influencias del gran H.P. Lovecraft. El Rey Amarillo y Carcosa, horror en estado puro permanecerá en nuestras memoria.

Como curiosidad mencionaré que la serie True Detective la ha dirigido completa Fukunaga y el único guionista ha sido Pizzolato algo nada habitual en las series americanas. Quizás por eso la estructura narrativa de True Detective en sus ocho episodios es de película. Las ocho horas totales de duración se podrían separar en dos o tres películas de larga duración, podríamos estar viendo Novecento o el Padrino perfectamente. El único pero que podríamos ponerle es que algunos episodios se pueden hacer lentos aunque totalmente necesarios para el desarrollo de los personajes. Aspecto al que la gran mayoría de las películas actuales no dedican un ápice de tiempo.

Deseando que empiece la segunda temporada.

Fuente: http://www.zinefilos.com/series/serie-true-detective

Robert Zemeckis vuelve al cine de imagen real tras más de diez años de películas de animación, con peores (Cuento de navidad) y mejores resultados (Beowulf, Polar Express). Para que os hagáis una idea la última película que realizó en imagen real es la sobresaliente ‘Náufrago (2000)’, y tras ver su nueva película ‘El Vuelo’ celebro su regreso al cine de imagen real.

Ya que hemos mencionado ‘Náufrago’ aprovecharemos para comentar que las similitudes en el planteamiento con ‘El vuelo’ son varias. El punto de partida en la que la existencia de un personaje se veía alterada por un suceso trágico así como su posterior lucha de supervivencia que le llevaba finalmente tras varias luchas internas a una vida nueva. Incluso el mismo suceso trágico se repite, un accidente aéreo, en este punto Zemeckis se supera con una primera media hora de película espectacular en la que en el accidente aéreo, tanto los que tememos el vuelo como los que no, estaremos deseando poner un pie en tierra firme.

Desde el inicio se nos presenta a un piloto, Whip Whitaker, adicto a las drogas y al alcohol, a partir de entonces tendremos un dilema moral producido por la acción del piloto en el momento del accidente que sabemos que ha salvado muchas vidas pero que iba bebido, con resaca y drogado. Las secuelas que dejará el accidente al piloto así como la presión social en la que para unos es un héroe y para otros un borracho acentuarán todavía más sus debilidades. Este papel es interpretado de una manera sobresaliente por Denzel Washington, papel que le ha valido la nominación al Oscar de este año en una categoría que me parece va a estar reñida. De lo que he visto hasta ahora de Denzel Washington estamos ante su mejor papel, el actor con el paso de los años se va consagrando y madurando con calidad, este papel es digno de elogio, como gesticula, hace muecas y consigue hacernos creer que una botella sea para él lo mas importante de su vida por encima de su exmujer, hijo y todo lo demás.

Entre los actores destacar la gran labor (como siempre) de John Goodman, y los aquí contenidos Don Cheadle y Bruce Greenwood. En cuanto a ellas Kelly Reilly bastante bien, Melissa Leo breve, y la modelo desconocida por mi, Nadine Velazquez que ha dejado una huella en lo más profundo de mi corazón. Como decía el guión me parece bastante bueno, original y aunque la resolución no acaba de convencerme si que me gusta mucho el arranque. El desarrollo pese a tener algunas caídas en líneas generales es correcto. Aviso, que nadie espere una película de catástrofes aéreas, si bien hay un accidente aéreo más bien se centra en el trauma posterior. La película la recomiendo pese a haber varias películas que tratan el tema del alcoholismo y las drogas, está me ha enganchado. Denzel Washington me ha hecho volar lejos. Papelón.

Más info:

http://www.zinefilos.com/estrenos/critica-el-vuelo-flight/

Tres eran las elegidas para representar a España en los Oscar, ‘Blancanieves’ de Pablo Berger, ‘Grupo 7′ de la que ya hablamos anteriormente, y ‘El artista y la modelo’ de Fernando Trueba que aunque fue finalmente descartada, había recibido buenas críticas en general. Después de verla tengo la sensación de que posiblemente hemos descartado una buena película pero muy lenta, sin acción, diametralmente opuesta al estilo hollywoodiense.

La película nos presenta a un escultor retirado y que apenas encuentra alicientes a su existencia tras una vida presumiblemente plena. Sin embargo, con la llegada de una joven renacerá en él el deseo de hacer su última obra. Esta joven será la musa y fuente de inspiración del artista. Cronológicamente nos sitúa en un lugar de la Francia ocupada en el verano de 1943. El papel del escultor está interpretado de manera notable por Jean Rochefort y la musa será la joven Aida Folch quien nos sorprenderá convirtiendo el desnudo en algo natural y sensual. El resto del reparto lo completan ni más ni menos que Claudia Cardinale y una Chus Lampreave que chapurrea francés de una manera que puede rozar la vergüenza ajena.

Técnicamente la película está muy bien rodada se nota la experiencia de Fernando Trueba, y aunque nos gustan muchos planos que parecen fotografías, nos demuestre su manejo de la luz pese a ser en blanco y negro, y nos quedemos escuchando el sonido ambiente afirmándonos que se puede rodar una película y no tener banda sonora, no consigue quitarnos esa sensación de lentitud, sopor y finalmente imperioso deseo de que pase algo.

Aunque la película como decíamos puede ser técnicamente una obra de arte y me aparece acertado el rodaje en blanco y negro para la misma, que tanto se lleva actualmente gracias a ‘The Artist’, podemos concluir que ‘El artista y la modelo’ es una película que no gustará al público en general porque se hace reiterativa y en varios momentos, aburrida, lenta o pesada, aunque desprenda arte por todos los costados. Quizás sea el momento de pisar el freno, detenerse y observar, sobre todo observar tranquilamente, sin prisas ni tiempo, las cosas pequeñas y las cosas grandes, el agua del río, la forma de una rama, cualquier cosa, observar.

Más información: http://www.zinefilos.com/estrenos/critica-el-artista-y-la-modelo