Antes de empezar, decir que he leído la crítica de muchos de mis compañeros aquí presentes, además de algunas de los llamados "profesionales" de la amiga prensa. Como siempre, decir que la profesionalidad parece estar más presente en los primeros, que al menos argumentan sus posiciones. En este caso, he leído la mayoría de sus argumentos para amar u odiar la cinta. En mi visionado he encontrado cosas buenas y cosas malas, de modo que entiendo que unos puedan pesar más que otros para según quiénes.

En primer lugar, se ha vendido como cinta "queer" y los medios de comunicación se han encargado de quitarle la sorpresa a escenas como la de la bañera o el cementerio. De todas formas, el impacto que generan es relativo y la huella que pueden dejar no es profunda. Funciona mejor, si me apuran, que la película acepte su esencia de videoclip "largo", algo que parece un eslabón más en esta superficial tendencia del cine contemporáneo a dedicarle poco tiempo al guión y mucho a la planificación de las tomas. Curioso es que este debate aparezca al principio de la propia película, cuando el personaje de Barry Keoghan expone un ensayo al que critican por la forma. En este caso, es la frivolidad de la forma lo que, a mi juicio, salva la película, porque la desposee de una seriedad que le habría venido genial con un guión más elaborado.

Y es que esto abre el territorio de las referencias, donde la clave es Mr. Ripley, pero todavía más "Teorema" de Pasolini. El calco argumental es tal que de haberse trabajado más el guión te sale la misma película, salvando las distancias con el director italiano, por supuesto. Pero la tal Emerald Fennell (increíble como hablan de ella como si fuera la próxima David Fincher) es tan irregular que plasma su ausencia de personalidad en las escenas que más lo requieren (donde esté el laberinto de Kubrick, allí me quedo). La supuesta belleza y mimo estético que tienen algunas de las escenas más olvidables son exigidas en las pretendidamente icónicas. Ahí queda eso.

Sin embargo, la labor de los actores por construir este, finalmente, no tan anti-clasista retrato de un ideal extremo, un plan que requiere el vínculo de la obsesión para hacer loable su representación, es enorme. Y en estos es donde Fennell consigue generar auténtica pasión, a través de planos que escarban en sus intenciones, en los disfraces de fragilidad y dominación de los que fingen disponer. En este sentido, durante dos horas, la cinta transporta a un mundo de personajes donde la historia presenta una fuerza particularmente magnética.

Una cinta, por supuesto, dirigida a un público de la edad de Keoghan, para que añadan canciones a sus aplicaciones de teléfono y para que busquen un nuevo look para el verano con todo lo que se le expone en pantalla. Por ello, videoclip y anuncio publicitario como envoltorio para una historia clásica y que gustará menos a los adictos a esto último por una forma que, comprendo, no es del gusto de todos.

Slasher que tiene poco de slasher. Si habéis visto 'Boy Erased' (otra de terapias de conversión gays) aquí encontrareis algo parecido, solo que todo lo relevante a niveles humanos se cuenta en una secuencia de terapia de grupo o se lo cuentan los chavales entre ellos. En esta película hay mucho diálogo, no hay tensión alguna, no hay violencia ni hay gore (a no ser que un par de hilos de sangre cuenten). De esta forma, encontramos que Boy Erased, sin ser una película de terror, generaba más suspense, más rabia y más impotencia que They/Them, donde se supone que vemos cosas algo más duras.

Señalados los problemas de entrada y lo que se va a encontrar el lector de esta crítica si decide verla, he de decir que no todo es malo. Efectivamente, la película carece de tensión y hay mucho diálogo, pero la cuestión es que estos diálogos no están del todo mal como ha señalado por ahí cierto compañero. No voy a profundizar mucho en los asuntos concernientes al género porque la película tampoco lo hace, pero al menos toca la inseguridad psíquica que subyace a los que se acaban encontrando en el "público" de estas llamadas "terapias". El caso es que al final todos parecen tener problemas paternales, relacionados con la religión, las expectativas familiares y/o profesionales. Algunos incluso quieren dejar de ser gays porque lo pasan mal. Otros porque les han prometido darles unas entradas para ver Moulin Rouge si van a este centro (uno de los personajes lo asevera seriamente). Pero sobre todo los que se embarcan en las cruzadas que transgreden las barreras del género tienen un debate interno sobre lo que son realmente y si el exterior que están moldeando con hormonas y ropa, cortes de pelo, piercings y demás no es más que un ejercicio vago de existencia estética. En ese sentido, Jordan, 'protagonista' de la pelicula, revela sus dudas y este tal vez sea el momento más acertado del fin, por arriesgado y valiente, aunque sin ser gran cosa.
Además, el personaje no está mal, y resalta en una escena que incluye un campo de tiro, una competición de puntería y un animal.

Sin embargo, lo bueno acaba ahí. Hay secundarios a los que se les da un poco de vida, pero en los últimos veinte minutos de película todo se volatiliza. El protagonista deja de ser protagonista, los secundarios ya no existen y la trama deja de funcionar. Por otro lado, se supone que vemos cosas 'duras' en la película, pero es que a mi no me lo han parecido, sobre todo porque los personajes que las sufrían no me despertaron reacción alguna.

Hay cosas buenas, sobre todo en el intervalo de los 20-50 primeros minutos, pero el resto es muy prescindible. Slasher a ratos y mal. Metáfora de la hipocresía moral, a ratos y regular. Reflexión sobre el "género", mínima pero aceptable.

Para fans de Kevin Bacon.

Esta peli me recuerda a Destino Final 5; una especie de broche a la saga para que se muera en paz. De hecho, en su día, la productora hizo montajes con escenas de toda la saga para anunciar el fin de su antología. Aquí han hecho lo mismo. Y es que se nota que hay más mimo que en la segunda parte.

Para empezar, la historia avanza y cambia un poco. Tampoco le estamos pidiendo un guión de Aaron Sorkin a una película de tiburones, pero hay un par de novedades con respecto a las anteriores y los diálogos no dan vergüenza ajena. Sale el tipo ese que salía en The Last Ship y que era karateka (de hecho, aqui se luce en un par de peleas), y el resto de actores parece que se lo toman en serio. Encaro esto de esta manera porque ni idea de lo que se espera alguien que elige ver esta película, para luego tener que clavarle un 1 o un 2. Es decir, me parece más un ejercicio de irreflexión que un acto valorativo cualificado.

Cada crítico es objetivo a su manera. Con Destino Final 5, sólo se puede hacer hincapié en la objetividad con la que se rueda este tipo de películas. No hay ningún slasher que tras de si tenga algún trasfondo, a parte del mero sentido del entretenimiento.

Este quinta entrega de una saga que partió de un ideal bastante poco común y original, que se ha desgastado con las infumables secuelas que se han realizado (concretamente, la cuarta), ha conseguido superar las expectativas del slasher más reciente (Almas Condenadas, Scream 4), y ha conformado una lección de entretenimiento convertida en película.

Steven Quale, segundo de a bordo en películas como Avatar, ha sido el director que mejor podía compaginar los recursos técnicos de los que disponía junto con un guión coherente y absorbente. Sólo basta con ver los primeros 20 minutos para comprobar que la iluminación, la fotografía, y los efectos visuales superan la calidad que cualquiera se esperaría de esta saga que pasó a seguir la estela del grafismo gore que contienen sagas como Saw, y que lo emplean para ganar adeptos.

Las interpretaciones sobresalen con gran dramatismo en los últimos 20-25 minutos, aportando una gran dinámica entre los personajes secundarios (Tony Tood, Miles Fisher...), y generando una estupenda química entre Emma Bell y Nicholas D'Aghosto.

El problema que genera esta quinta entrega es la inevitable resolución de la saga, que por mucho que se quiera expandir, tiene firmado un digno final por parte de Steven Quale. Dirigir una sexta o incluso una séptima entrega, constituiría seguir como ejemplo las numerosas secuelas de la saga Saw. De todas maneras, si fueran dirigidas por Quale, y escritas con el dinamismo que Destino Final 5, constituirían la reinvención de la saga.

Recomendable, para los fans de la saga será toda una delicia, y para aquellos adeptos al slasher, esta película les aportará lo que tanto ha perdido el género en los últimos años.

No me inspiró mucho el visionado de esta película. Es cierto que los primeros minutos tienen empaque, que la presentación de personajes tiene algo de personalidad y que la cámara sabe moverse. Hasta que empieza a correr la sangre, por decirlo de alguna manera, la película posee cierto magnetismo. A medida que el número de personajes va descendiendo, la cinta pierde enteros.

Mi teoría es que, igual que detecta el personaje de Jonathan Groff, hay cierta reivindicación de los vínculos afectivos en la forma en la que estos extraños se les presentan a la pareja protagonista. Sin embargo, para el espectador, asumen las carencias de una cinta que no está dispuesta a volver sobre lo hecho y, de alguna forma, las alivian. Pero una vez desaparecen los rasgos identitarios de los personajes que van sucumbiendo a la violencia, vuelven a hacerse notables.

La historia no es muy interesante una vez se han puesto todas las cartas bajo la mesa, y las interpretaciones son igual de poco inspiradas que yo al terminar de verla. Bautista no me parece, ni de lejos, el peor de la cinta. Además, asumo que el presupuesto se ha ido en los actores, porque que esta cosita cueste algo más de 20 millones de dólares no es muy halagüeño.