Esto, esto, estoo... ¡esto sí que no me lo esperaba, cabr#nes! ¿Quién se acuerda de las películas de superhéroes de hace 25 o 30 años? Solían ser marcas de Marvel o Dark Horse que eran malvendidas al mejor postor o, en el más habitual de los casos, adaptaciones al cine, la tele o directas a vídeo de DC en Warner Bros.
Y todas, peores o mejores, conservaban la misma adorable virtud en común: la sencillez. La banda sonora fanfárrica, el héroe, la chica, el malvado disfrazado o megalómano -y a veces ambas cosas, juntas o por separado- y... ya, no necesitaban más.
'Blue Beetle' (2023, Ángel Manuel Soto) es la mejor película de superhéroes de Warner Bros en los años 90 con que Warner Bros habría podido despedir -o casi- un ciclo en 2023.
De haberse tratado de una minúscula producción independiente en streaming o directa al formato doméstico -eso aún existe, ¿no?- la habríamos proclamado la mayor sorpresa, por su pura carencia de grandilocuencia narrativa y su autenticidad juvenil. Siendo una "superproducción" de DC es probable que reciba el varapalo de la taquilla que no merece: pagan justos por pecadores (aunque desearía equivocarme de corazón).
Maldad megalómana copada por Susan Sarandon y maldad física a cargo de Raoul Trujillo ('Apocalypto') enfrentados a un entregado, y lo que es mejor, moloncete Xolo "Cobra Kai" Mardueña que caerá en gracia entre los críos a los que conquistó el Spiderman de Tom Holland probablemente tanto como a los chavales (los que lo son de espíritu) que prefiriesen la máscara desgarrada de Tobey Maguire.
Además siempre es grato volver a encontrarte con Elpidia Carrillo (sin Depredador, pero al filo de la navaja) y un insólito George López capaz de transformarse, a la vez, en Tommy Chong y Cheech Marin en un solo personaje endiabladamente tarado.
Tal vez la mejor de sus virtudes sea la descarada y absoluta falta de más pretensiones que las de hacértelo pasar bien. Y olvídate de a qué universos pertenece: en los 90 nunca pensábamos en esos detalles, y 'Blue Beetle' es una película de superhéroes de las de aquella década que se estrena con 30 años de retraso. Y no, esto definitivamente no me lo esperaba.
¡¡¡Mis "DIESES"!!!

Sin tiempo para morir. Sin tiempo para rodar. Sin tiempo para estrenarse. La elucubración en torno a la que orbitan la ironía y el doble sentido para adecuar el título del 25° episodio -de los producidos por el clan Broccoli- del agente británico al inclemente via crucis de cancelaciones toca a su fin. Y siendo leal a la tradición de cada fin de ciclo, a esta 'Sin tiempo para morir' no le falta tiempo -de hecho es la película más larga en la historia de toda la franquicia- para no reparar en gastos de acción, un autorreferencial sentido del humor -la mano de Phoebe Waller Bridge se nota, y para bien- o el consabido -por clásico, no por haberlo frecuentado últimamente- abuso del piruetismo y la fantasmada sobre los que no me explayaré salvo para recordar que, como el resto de cualidades antes citadas, ha sido paupérrimo en la época del 007 con la jeta de espárrago y andares de hooligan que se ha atrevido a arrinconar -cuando la etiqueta no le impele a corregir el hábito- el Martini con Vodka en pro de los botellines de Heineken.
Rami Malek empalma la resaca de su rapsodia bohemia confiándose a un villano Bond con megalomanía de manual y aptitud para compatibilizar la teatralidad del Blofeld más icónico de Donald Pleasance con el estoicismo coetáneo al practicado antes que él por predecesores con pedigrí tales como Mad Mikkelsen o Javier Bardem.
Lea Seydoux repite en sus labores de mamandurria inexpresiva mientras se le otorgan 15 minutos -más o menos- de gloria a Ana de Armas para no romper con la tradición de tontuelas adorables a las que en previas aportaciones interpretasen Britt Ekland, Jill St. John o Carey Lowell.
Oh, disculpad por no haber mencionado a la nueva agente 007: es que no me he quedado con su nombre.
El oscarizado ex teclista de Mecano -perdón, si no lo digo reviento- Hans Zimmer se ajusta a los parámetros sonoros de la marca alternando la música incidental con, a falta de un leit motiv estimulante, guiños continuos a los temas compuestos por John Barry para 'Al servicio secreto de su majestad' (1969, Peter Hunt), incluyendo la reutilización del convertido en auténtico tema musical de la cinta que interpretara Louis Armstrong.
En resumidas cuentas. De la aventura pulp de espías surgiste y ahí volverás.

Amor, amistad y... circunstancias atípicas. A bote pronto eso serviría para resumir, hasta el momento, la varita argumental que toca hasta la fecha la escueta filmografía de Alexandre Lehmann en su totalidad (antes en la competencia de la plataforma con la gran N roja).
Esta vez le toca un '50 primeras citas' (2004, Peter Segal) -a la que prefiero citar como referencia directa, en fondo, frente a 'Atrapado en el tiempo' con la que no guarda más lazos que los de empujar a su protagonista a repetir un mismo día (perdón, velada)-. Aunque metidos en harina de reimaginar y cambiar el pasado, también se manipula la premisa mencionada desde la personalidad -tanto histrionismo como extroversión corren a cargo de Cuoco- afines a los patrones de un Charlie Kaufman, Spike Jonze o Michel Gondry, y prolongándose a un tratado acerca de si es (o no) prudente "cambiar" a quienes más necesitas -o te necesitan- repercutiendo en su salud mental.
No estoy al tanto de si seguirá en pie ese proyecto de biopic en miniserie sobre Doris Day con la interfecta -y menos tal como corre el agua actualmente en Warner Bros- pero doy fe de que desde que la descubrí al lado de John Ritter, y años después en un remake nerd de la (aún referente) sitcom 'Friends', Kaley Cuoco no desaprovecha ocasión que le caiga para desenvolverse -verbal, física, mímicamente- como el animal de comedia clásica que es hasta en contextos tan dados a la fantasía como los retrocesos elípticotemporales o que su pretendiente sea Pete Davidson -aunque ojo, en la vida real tal vez sea "el feo" con la lista de ligues más envidiable de Hollywood-.
Una metacomedia romántica de manual, pero a fin de cuentas una comedia romántica sobre la posibilidad de encontr... fabricar a la media naranja perfecta a fuerza de reconstruir literalmente ciertos momentos.
No hay más que rascar, salvo reivindicar (otra vez) a una ¿nueva?? jefaza del género: lleva dos décadas demostrándolo.
El motivo por el que no puedo profundizar en por qué 'Meet Cute' (2022, Alex Lehmann) es mucho más que una romcom es el mismo por el que Cuoco demuestra que posee un talento descomunal como drama queen.
Te amo, loca del coño.

El motivo de que se me antoje tan sencillo describir el resultado del nuevo juguete cinematográfico guionizado por el inclasificable Max Landis ('Dirk Gently: Agencia de Investigaciones Holísticas'), cediéndole los mandos a la cortometrajista -amén de ser la creadora de la webserie 'Flat3', junto a otro par de proyectos, respectivamente un documental y largometraje- Roseanne Liang, es que conjuntamente han obrado lo que, de forma simultánea, puede coronarse, gracias estrictamente al empujón de sus últimos 30 minutos, como la mejor película bélica, la mejor película de aventuras, la mejor película fantaterrorífica, y sí, posiblemente la mejor película de acción del año. Lo que precede a la traca, ojo, tampoco tiene desperdicio; intercambiando con versatilidad ideas pertenecientes al relato de empoderamiento femenino -sí, el de verdad, aquí el hedor a misoginia es de tal credibilidad, crudeza e intensidad que carece de moralina o ademán posturista- con una revisitación al subgénero gremlin que no desmerece un ápice de las formuladas por Joe Dante o, retrayéndonos al pleistoceno en la materia, la adaptación de Richard Matheson en 'Pesadilla a 20.000 pies' (1963, Richard Donner).
Sería una verdadera lástima que, por su conveniente -por razones evidentes- circunscripción a la distribución en VOD y streaming, 'Pasajero Oculto' deviniese en inadvertido tesoro oculto.
Figurará entre lo mejor de este año. Estoy plenamente convencido.

No es la primera vez -y posiblemente tampoco será la última- que una ficción española recicla, copia, imita o se inspira (parcialmente) en el modelo de un producto estadounidense. O tal y como ocurre con esta 'Vida perfecta', extrayendo más de la mitad de su esqueleto argumental de la segunda película de Judd Apatow, 'Lío embarazoso'. La premisa es idéntica: mujer organizada, exitosa e inteligente pero emocionalmente frustrada por no haber logrado encauzar su vida personal -Leticia Dolera, calzándose el tacón de la olvidada Katherine Heigl-, cuya mejor amiga y figura fraternal (e igualmente frustrada), madre de dos hijas, y con un marido huevazos, tampoco tiene el tipo de vida que esperaba -Celia Freixeiro y Font García, haciendo las veces de Leslie Mann y Paul Rudd-; termina acostándose y quedándose accidentalmente preñada de un absoluto desconocido al que se folla en estado de 'intoxicación', y con el que no tiene absolutamente nada en común -un soberbio Enric Auger, intercambiando la discapacidad de Seth Rogen consistente en ser pajillero y nerd por una discapacidad intelectual-.
Pero donde sale ganando 'Vida perfecta' es en que, por una vez, el remake -confeso o no, pero remake a fin de cuentas- supera con creces el original. Los personajes secundarios, las situaciones incómodas, los diálogos, la alternancia -con loable fluidez- entre los gags zafios y la sensibilidad. Todo lo que te podría recordar a Apatow está en el guión de 'Vida perfecta', si bien la idea que persigue 'Vida perfecta' es precisamente lo opuesto de la moralina vomitada por el conservadurismo familiar, monógamo y antiabortista en el que siempre recaban las películas (y series) de Apatow: perder el miedo a darle la vuelta a las cosas. Al fin y al cabo, son las propias protagonistas femeninas -Dolera y Freijeiro- quienes se reprochan, mutuamente, tener demasiado mitificada cada una de ellas la presunta vida perfecta -condicionada por su estado civil- de la otra. 'Vida perfecta' no habla (expresamente) de feminismo. Habla de la tendencia natural a desear justo lo que no tenemos.
Por otro lado, a Aixa Villagrán tan sólo se me ocurre describirla como una formidable revelación, con un personaje que va desmarcándose puntualmente del otro hilo argumental, el de Dolera y Freijeiro, para pedir a gritos un spin off.
En el rincón de castigo del co-productor y co-guionista, Manuel Burque se acopla a la perfección a Dolera, Martín y Guindal como el cuarto autor en la sombra.
Una serie perfecta sobre vidas, personas y relaciones imperfectas.