Algo pasa cuando el cine español lleva años y años aprovechándose de la fórmula del llamado thriller erótico sin conseguir un título de referencia de ese género. Cuesta elegir una cinta de Vicente Aranda, aunque las más célebres sean La pasión turca y Juana la Loca. Intentos recientes como El juego del ahorcado o La cara oculta tampoco llegaron a conseguir la solidez deseada. Lo mejor de Eva retoma una herencia llena de lastres y desastres, y si bien no fracasa vuelve a quedarse a medio gas.

Barroso, un director de actividad intermitente y desconocido para el gran público, rubrica una película con vocación popular y una clara apuesta por el thriller judicial. Lo mejor de Lo mejor de Eva está en la sorprendente química de sus dos actores: Leonor Watling convence como jueza dura expeditiva en sus formas, y Miguel Ángel Silvestre supera su Duque televisivo recordando incluso la fisicidad y el magnetismo del primer Javier Bardem (no por casualidad en otros títulos de alta tensión sexual como Las edades de Lulú y Jamón, jamón).

Aunque a ratos el espectador pueda pensar que está ante un largometraje bajo el influjo de productos policíacos televisivos, Lo mejor de Eva defiende su naturaleza de autor y fracasa. La trama deja demasiados detalles a la libre intuición de la audiencia, no aprovecha los secundarios interpretados por Adriana Ugarte y Nathalie Poza, resulta demasiado evidente en su desarrollo de la trama y se muestra excesivamente oscura a la hora de describir las complejidades de sus personajes. Y es precisamente la intención por aunar sus dos constantes, la de entretenimiento banal y la de relato familiar, lo que arroja a Lo mejor de Eva hacia un final precipitado y aparatoso. Como resultado, el film no acaba de ser todo lo trepidante que precisa el género (hay misterio, otro cosa es que haya sorpresa) ni todo lo incisivo al querer explorar la ambivalencia, las frustraciones y la personalidad de la Eva del título (de ello da prueba el desubicado flashback de Eva en su habitación de pequeña).

Pese a su premeditada estructura circular con el uso de la voz en off, durante su hora y media de metraje Lo mejor de Eva alcanza ciertas cotas de descrédito que a su resolución la llevan a la más absoluta inverosimilitud. El tráiler destripa el secreto que late en Lo mejor de Eva pero deja intacto el verdadero atractivo del film, el logro que justifica su visionado a ratos anodino a ratos apasionante: el trabajo de unos actores que sortean los baches del guión y que nos obligan a replantearnos qué haríamos nosotros en su lugar, bien acogiendo la rigidez de la ley, bien sucumbiendo a la carnalidad más primitiva.

Xavier Vidal, Cinoscar & Rarities

Mientras el thriller europeo copia la estética rápida de las películas estadounidenses, casi siempre con vistas a la taquilla no solo local, la belga Rundskop sorprende más por su historia que por la manera de abordarla. Rundskop es lo más parecido a un thriller rural con una premisa de traca: una red de narcotraficantes negocia con granjeros belgas para extender el negocio ilegal de hormonas para engordar a los animales. Y en paralelo, nos acerca la historia de Jacky Vanmarsenille, un ganadero que arrastra un secreto del pasado. Jacky es el antihéroe y la víctima de una trama de corrupción que le salpica aunque en verdad sea un peón y no un ejecutor del negocio fraudulento. La película sorprende por la eficacia de su hilo argumental y capta en seguida la atención del respetable. Rundskop no deja de ser un ejercicio de estilo y una ópera prima, podría considerarse que el segundo tramo de película es una variación descabellada y atropellada de la excelente presentación inicial de personajes. Aún así, el conjunto de Rundskop no solo resulta atractivo sino novedo, en parte gracias a la gran interpretación y el físico rotundo de Matthias Schoenaerts. Algo me dice que el debutante Michael R. Roskam no tardará en trabajar en Estados Unidos, y no solo porque Rundskop haya sido bendecida con la nominación al Oscar: hay que reconocer que sabe aunar el compromiso del cine social (hablamos del país de los hermanos Dardenne) y la adrenalina (a base de hormonas) del mejor thriller. Con sus más y sus menos, pero bastante apreciable.

Xavier Vidal, Cinoscar & Rarities

Con motivo del reciente fallecimiento del actor Alfredo Landa, muchos cronistas comentaron la capacidad del intérprete por excelencia para virar de la comedia de posguerra al drama posterior al mismo ritmo que la sociedad española viajaba simbólicamente de la represión a la modernidad. Se citó mucho 'El crack', el trabajo más conocido del dúo Garci-Landa, pero tal vez es 'Las verdes praderas', título coetáneo al anterior, la obra más recurrente a la hora de destacar la versatilidad y los múltiples giros y registros que dominaron la carrera del maestro.

En el film, Landa da vida a un buenazo que cumple a rajatabla los deseos de sus compañeros de trabajo, jefes, hijos, esposa y familia, un papel de raíz cómica que está en deuda con el 'paleto' de antes y después del Destape. Con todo, Garci llena a su protagonista de una amargura y frustración que calan en el espectador: asistimos impotentes a la lenta pero visible castración de un hombre que en ningún momento puede hacer lo que realmente le apetece. Desde el guion, Garci y Sinde radiografían la clase media urbana acomodada al nuevo sistema capitalista y exponen las ataduras de los nuevos tiempos, la manipulación de las grandes compañías y la libertad falaz de finales de década, en pleno proceso de Transición.

Mientras la mayoría restó en la capital para filmar la Movida Madrileña, a Garci le interesó el viaje, por no decir huida, de un nuevo estamento pudiente a su chalet de la sierra. El gran problema de la película es que, al situarse concienzudamente en el terreno de la fábula y el cuento campechano, su mensaje nunca llega a trascender, y todas las situaciones parecen acumularse de forma deslavazada. Garci no habla desde la verdad sino desde el concepto, y eso resta veracidad a la historia. Tampoco ayuda la sobreactuación del también desaparecido Carlos Larrañaga; la música de Beethoven, un intento fallido por crear un choque entre lo bucólico y lo campestre; o su final, que aunque cumple como símbolo dista de ser verosímil. Las verdes praderas nace como retrato social y se queda en mera anécdota, una historia pequeña que se debate entre el costumbrismo y la crítica: daba para mucho más.

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Los hombres pueden eructar en la gran pantalla y no pasa absolutamente nada. Las mujeres acompañan a sus parejas a ver Resacón en Las Vegas y otras comedias insufladas de testosterona. Las mujeres no quieren que se las traten como objetos decorativos y reivindican un prototipo diferente de comedia para ellas solitas. Eso debieron pensar los responsables de La boda de mi mejor amiga, que viene a ser lo mismo pero con un intercambio de patrones, parejas y sexos: aquí la mujer es la ruda, la que no se deja enamorar. ¡Pero cuidadín! No quiere casarse... pero se casa. O sea: se hace la romolona para llegar al altar. Pero llega. Y pisa fuerte. Y está a gusto.

Definitivamente hay que desconfiar siempre de lo que dice la crítica norteamericana: La boda de mi mejor amiga no es la historia rompedora que nos habían vendido. Bien pensado, parece muy difícil rediseñar un género (la comedia), un subgénero (la romántica) e incluso un 'subsubgénero' (las bodas) cuyos patrones están más que claros: son reconocibles tanto para el productor que financia como para el público que paga la entrada. Se trata de ver lo mismo pero con ligeros cambios. En resumidas cuentas, La boda de mi mejor amiga falla más por contexto que por texto: sabemos la historia de cabo a rabo.

¿Qué diferencia esta de otras propuestas de trama y título similar? Seguramente el gancho de un guión más televisivo que cinematográfico (un piropo: mucho mejor una serie norteamericana de corte cómico que un film aparentemente divertido, ¿no les parece?). El problema es que la jugada llega a las dos horas y diez minutos, algo totalmente innecesario pese a sus pequeños momentos de aislada brillantez (la pelea de speeches, la partida de tennis, el momento en la tienda de ropa, el monólogo del avión o los intentos por captar la atención del policía). Ahora bien: pido una nominación al Globo de oro para Kirsten Wiig: cuando se desata la película gana puntos y llega a recordarnos esa otra comedia yanki que de momento nadie se ha atrevido a hacer.

Xavier Vidal, Cinoscar & Rarities

Vamos a decirlo ya: Aftershock es mala pero entretiene que da gusto. Entra en ese grupo de películas tan chorras que hasta tienen su qué. Es cinéfila. Hace gracia. Tiene alguna escena de terror puro y duro bien conseguida. Y lo mejor de todo: no se toma en serio ni a las películas que utiliza de referencia ni a sí misma. Es más: se mofa de su propia sombra y se sitúa a propósito en lo inversemblante, surrealista, 'extreme' y gore. Tiene descaro pero no engaña. Va pasada de vueltas desde el minuto uno, y lo demás es como una resaca o un exceso de psicotrópicos mezclados con sangre. Un engendro como Aftershock es un caramelo para el fan del género: no traiciona las bases del terror y del cine de catástrofes y al mismo tiempo rehuye de todo academicismo. ¿Qué tiene de malo ser cutre si el director y sus actores asumen desde el primer minuto que lo que están haciendo es un entretenimiento de palomitas? A juzgar por las imágenes de Aftershock la película se hizo entre amigos, y es esa intuición de buen rollo y locura desatada la que eleva el film a lugares donde títulos de mejor factura casi nunca llegan. Entre productos que se creen la más chula de la clase como Monstruoso y obras más pequeñas que van de cara como Aftershock... nos quedamos con la segunda opción. ¿Posible inconveniente? Verla en Sitges tiene todo el sentido del mundo, pero pedir una distribución convencional es casi un acto suicida. Hay que ser muy friki y tener una tarde muy tonta para encontrarle su punto, pero de disfrutarla garantiza un orgasmo constante de carcajadas, amputaciones y giros de trama tarados. Película de culto desde 'ya'.

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