Con cierta frecuencia se ha afirmado que el cine británico, por su cercanía cultural al norteamericano, carecía de auténtica personalidad, especialmente en comparación con cinematografías como la francesa o la italiana. Como toda generalización planteada en términos absolutos, la precedente afirmación resulta en realidad un tanto gratuita, y en ocasiones injusta. Si hay algún aspecto en el que el cine británico ha destacado siempre es en el peculiar tratamiento que reflejan sus filmes históricos, aprovechando para ello su rica tradición teatral, que se deja notar en la concepción de las películas, así como en la calidad y el matiz de las interpretaciones. A ello han sabido sumar virtudes puramente cinematográficas, como el cuidado que prestan a los decorados, localizaciones y vestuario.

Ejemplo de todo ello puede ser esta estupenda obra, que narra las contradictorias relaciones de amistad que mantuvo Thomas Becket con el rey de Inglaterra, Enrique II. Como ya se ha apuntado en otras críticas, parte del interés del filme radica en la concepción del poder real que encarna Enrique y los conflictos que dicha concepción le acarrean con otros estamentos del reino, singularmente la Iglesia, cuyos intereses defiende Becket, arzobispo de Canterbury, antaño canciller real y amigo íntimo del rey. No obstante, yo creo que el tema central de la película es la soledad de los poderosos, que erigidos en símbolos de grandes instituciones, han de renunciar a todo lo demás, amistad incluída. Así, ambos personajes tienen clara cuál es su misión, su deber, y el concepto del honor del que están imbuídos les impide dar marcha atrás o transigir en exceso. Mientras que el rey es retratado como un hombre caprichoso, juerguista y mujeriego, pero al tiempo celoso de su poder y sensible a la verdadera amistad, Becket se nos presenta como un personaje frío, calculador, sumamente inteligente, pero al que le cuesta experimentar y manifestar sentimientos. Será su honda transformación interior (marcada por sus nuevas responsabilidades eclesiásticas) la que arroje por tierra su relación con Enrique.

Más allá de las interpretaciones, que son todo lo buenas que podía esperarse de actores como O'Toole, Burton o Gielgud, y del guión, maravillosamente adaptado y justamente premiado, yo destacaría la fabulosa ambientación, que muestra un exquisito gusto y cuidado por el detalle. Las localizaciones, como el castilllo de Alnwick o la catedral de Canterbury (con sumo cuidado de no mostrar añadidos góticos), así como los decorados y el vestuario, están pensados al extremo, siendo de lo más sobresaliente del filme. La labor de Glenville tras la cámara es buena, destacando dos momentos magnéticos: el comienzo, con un bellísimo picado que simboliza la condena del rey (no en vano entra en la catedral para cumplir penitencia), y el encuentro de éste con Becket junto al mar, plasmado en un hermoso gran plano general.

No se la pierdan.

Notable película sobre el periodismo y la libertad, "El cuarto poder" contiene todos los valores democráticos que caracterizaron la obra de Richard Brooks, quien en sus inicios fue periodista en prensa y radio. De ahí que el visionado de este estupendo filme aporte la pasión y la verosimilitud de quien sabe de qué habla y cree en lo que dice.

En una ciudad corrompida y dominada por el capo mafioso Rienzi, el diario "The Day", comprometido con los hechos y la buena información, va a ser vendido a un poderoso propietario de medios de comunicación, circunstancia que acarreará el despido de la redacción y el cierre del periódico. A ello se opondrá su redactor jefe (Bogart), un hombre íntegro que se resiste a separarse de su esposa, y que en vez de bajar los brazos y aceptar una jugosa idemnización, se embarcará (ayudado por toda la redacción) en una peligrosa investigación periodística contra el mafioso local.

La película transmite a la perfección el ambiente de una redacción, con sus prisas, las constantes consultas, órdenes y decisiones características. Soberbia puesta en escena, especialmente en los momentos más corales del filme, destacando no sólo las secuencias del interior de las oficinas del periódico, sino también la filmada en el bar al que acuden los periodistas al final de su jornada (divertidísma la idea del "funeral"). Los actores están todos perfectos, aportando numerosos contrapuntos humorísticos que llenan de vida a sus personajes. Ello no hubiera sido posible sin un buen guión, siendo éste de indudable calidad, con ágiles, precisos y humorísticos diálogos, que frecuentemente provocan la sonrisa del espectador.

Además de todas estas virtudes, la película transmite un mensaje profundamente democrático, estableciendo la libertad de prensa y la honradez del trabajo periodístico como baluartes imprescindibles de toda sociedad libre o que aspire a serlo realmente. De paso, Brooks alerta acerca de la independencia de los medios y del peligro que puede suponer la concentración de los mismos en unas pocas manos, circunstancia que es hoy de gran actualidad. Por ello, late en toda la película un amor sincero por la profesión que se materializa en los personajes, desde el redactor jefe a los lectores (un periódico no es sólo de quienes lo hacen, sino también de quienes lo leen), pasando por el resto de periodistas y la esposa del fundador; todos ellos creen que la prensa tiene una función pública, informar verazmente, y que esa función es un derecho que merecen los ciudadanos libres.

Película habitualmente despachada como de segunda fila, esta "Sangre en la luna" me ha gustado bastante más de lo que esperaba y creo que merece mayor reconocimiento del que actualmente tiene.

Es verdad, como han apuntado otros usuarios, que el argumento no es original ni llamativo, pero como ya he expuesto en alguna que otra ocasión, encontrar argumentos verdaderamente originales en géneros tan altamente codificados como el Western o el Negro no resulta tan fácil, pero eso no impide que muchos títulos funcionen perfectamente. En este caso se nos muestra el habitual enfrentamiento entre ganaderos y granjeros de la mano del pistolero interpretado por Mitchum, que contratado por uno de los dos bandos enfrentados no tardará en replantearse su postura, cambiando las tornas de la situación.

El desarrollo del guión, siendo correcto, no depara grandes momentos o sorpresas, resultándonos toda la historia un tanto previsible, si bien esto es algo que puede ocurrirle con frecuencia al Western, que como buen género es pródigo en lugares comunes (y está bien que sea así, no todo lo común o lo previsible es malo o aburrido). Además, a fuerza de ver muchas películas del Oeste, incluso las que en su día podían resultar más novedosas hoy nos parecen ya clásicas, pues hemos incorporado a nuestra memoria cinematográfica sus convenciones narrativas, de modo que resulta difícil sorprenderse, e incluso problemático, pues no resulta raro que cuando algún Western transgrede tales convenciones surjan voces críticas.

La originalidad de esta película -que la tiene- se centra en sus aspectos formales, concretamente en la fotografía; da la impresión de que Wise y Musuraca han querido importar la estética del cine negro al Western, y de ahí la luz crepuscular predominante, la tendencia a filmar en interiores pobremente iluminados y a ambientar gran parte del filme durante la noche. De hecho, los momentos culminantes de la película se resuelven, mayoritariamente, en secuencias nocturnas o crepusculares, como la estampida del ganado (muy bien rodada, con gran dinamismo) o el tiroteo final (el oscuro bosque proporciona el dramatismo que el entorno urbano genera en el cine negro).

Por todo ello, una película que sin estar entre las mejores de Wise merece revisarse, y que atesora más interés del que su argumento parece sugerir.

¡Cuántas veces, pensando en películas, hacemos referencia al oficio! En efecto, son innumerables las ocasiones en las que tras ver un filme pensamos para nosotros que no hemos visto nada nuevo, que formalmente la cinta no resultaba brillante, o que sus personajes son arquetipos de lo más manidos; y sin embargo, pese a esas cautelas, uno se da cuenta de que ha disfrutado, de que ha visto un buen filme, correctamente narrado, ambientado e interpretado.

Todo eso, que cabe condensar en el término "oficio", podemos encontrarlo fácilmente en esta película de Deray, que construye un "polar" de lo más clásico, disfrutable de principio a fin pese a sus lugares comunes: contraposición entre un policía paciente y metódico y un criminal feroz carente de todo escrúpulo; frialdad en el relato de los acontecimientos, incluyendo los violentos; buena descripción de ambientes y de personajes-tipo. Así, este filme revisita nuevamente los tópicos del género, y aunque no lo hace con la brillantez de los maestros (Clouzot, Melville, etc) logra buenos resultados, entreteniendo siempre al espectador. Goza de un correcto guión, una notable recreación de la época (a caballo entre los cuarenta y cincuenta del pasado siglo), bien plasmada en el vestuario, los coches y las localizaciones escogidas, y sobre todo cuenta con interpretaciones de lo más eficaces, no sólo de los dos protagonistas (buen Delon y excelente Trintignant), sino muy especialmente de la amplia galería de secundarios, perfectos todos ellos en sus respectivos roles.

Por último quisiera apuntar una reflexión; en la época en que se realizó, esta película se consideraba comercial, al igual que muchas otras de las realizadas por Deray, en tanto en cuanto sólo trataba de contar eficazmente una historia, sin buscar mayores pretensiones artísticas. Es de lamentar que en el cine actual, con demasiada frecuencia, los filmes comerciales no sean ni siquiera capaces de lograr esto, y que el oficio sea ahora patrimonio de unos pocos.

Extraordinaria película de Luchino Visconti, que nos muestra, de forma casi documental, las penalidades sufridas por una familia de pescadores sicilianos. Conviene decir, como aclaración previa, que el filme es fruto de un encargo realizado por el Partido Comunista Italiano al director, de ahí el tono militante y combativo que lo caracteriza.

Lo que Visconti nos muestra (empleando como actores a los auténticos pescadores del pueblo), es la toma de conciencia por parte de Ntoni, un pescador por cuenta ajena, de la explotación y los abusos que sufren injustamente por parte de los patronos, percepción que le empujará a rebelarse y a buscar el modo de independizarse, en definitiva, de hacerse dueño de sí mismo. La aventura saldrá mal, y acabará con las esperanzas y la estabilidad de su familia, que sufre además la incomprensión y el desprecio de sus paisanos.

"La tierra tiembla" es, sin duda, una de las cumbres del neorrealismo italiano, y la película que más se ajusta a sus postulados dentro de la filmografía de Visconti. Posee un tono casi documental, reforzado por el uso de la voz en off como narradora de la historia, pero sin renunciar nunca a interesantes diálogos, muchos de ellos tomados de conversaciones reales, según afirmó el director. Pese a su sobriedad formal, muchos planos de la película son verdaderamente hermosos, anunciándonos ya el futuro preciosismo artístico que será característico de la obra posterior de Visconti.

El filme, como ya se ha dicho, no se limita a mostrar una realidad, sino que toma partido desde el principio, y aventura, también, alguna conclusión, como la imposibilidad de luchar en solitario contra una realidad injusta, y por tanto, la necesidad de generar una conciencia común, única posibilitadora del cambio. Reflexiona, asimismo, acerca de la inacción y pasividad de los explotados, así como de la vía de escape hacia el mundo criminal o ajeno a la ley, ejemplificado por medio del hermano de Ntoni, Cola, y que tratándose de Sicilia, resulta muy pertinente.

Por tanto, una obra valiosa, valiente y honesta con los principios que la animan, y que debe admirarse, más allá de la ideología personal, como un hermoso testimonio acerca de una realidad terrible y de la lucha y las esperanzas por superarla.