Decir que “Poor things” es una película especial no es exagerar en absoluto.

Una auténtica rara avis en los tiempos que corren. Y lo cierto es que se agradece que aún existan obras genuinas que nos rescaten del tedio de interminables sagas y adaptaciones cinematográficas comerciales.

Desde luego no es una película fácil de ver ni es para todo el público, todo hay que decirlo. A mí particularmente me costó lo mío entrar en ella.

Pero una vez que lo haces, la experiencia no podría ser más inquietante a la par que estimulante.

Visualmente es impactante. El diseño de producción, los planos aberrantes (esa perspectiva de ojo de pez tan recurrente), la iluminación y la fotografía crean un lienzo fascinante de imágenes oníricas e hipnotizantes. Todo ello potenciado además por la inclasificable música del debutante compositor de cine Jerskin Fendrix.

Por momentos recuerda al expresionismo de las películas de principios del siglo XX.

Y luego está la historia y las actuaciones, sobre todo la de Emma Stone, la cual hace un trabajo de interpretación superlativo con su personaje Bella Baxter. Un papel exigente y extremo que bien merece ser premiado con un galardón de la academia. Acompañada, eso sí, de un gran reparto destacando Willem Dafoe y Mark Ruffalo entre el elenco.

Podría decirse que Bella es algo similar al monstruo de Frankenstein, pero sería quedarse corto, muy corto.
Intentándolo resumir (lo cual es harto difícil) es el viaje vital de una recién nacida con cuerpo de mujer adulta que va descubriendo a marchas forzadas los placeres del mundo (la comida, el sexo, la música, el baile) y sus miserias (el sometimiento, los celos, la posesividad, la pobreza, la injusticia).

Un ser puro capaz de satirizar los constructos y las convenciones sociales a través de su afilada inteligencia e ingenuidad no domesticada.

Y es que esta película tiene momentos de un gran calado filosófico y discursos que desarman prejuicios con gran naturalidad.

Una suerte de comedia extremadamente retorcida y a veces oscura, que permanece en el pensamiento e invita a nuevo visionado para maravillarse de nuevo con este cuento del genial e inclasificable director Giórgos Lánthimos
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Única en su especie.

El 26 de abril de 1986 a la 1:23 (UTC+3) en la central nuclear Vladímir Ilich Lenin situada en la ciudad Pripyat a 18 Km de Chernobyl un monstruo escapó del reactor número 4. Uno invisible de energía inconmensurable, capaz de atravesar y consumir desde sus cimientos atómicos cualquier vida cercana a él. La Humanidad nunca se había enfrentado a catástrofe semejante.

Esta obra maestra de la HBO relata con una verosimilitud escalofriante las causas, las consecuencias y la dimensión humana de la titánica lucha contrarreloj que se desató para contener tan apocalíptica amenaza al tiempo de que un decadente gobierno soviético intentaba mantener las apariencias ante la comunidad internacional pese al elevadísimo coste humano y medio ambiental que ello implicaba.

El Chernobyl televisivo irradia veracidad. El magnífico guión expone con sobriedad y rigor los hechos con toda su crudeza, absolutamente nada gratuita. Cuando es necesario es didáctico y siempre resulta convincente. Además el soberbio trabajo de dirección artística y ambientación consigue envolver al espectador en el horror y tensión vivida allí. Todo resulta creíble.

Mención aparte merecen las soberbias interpretaciones. Realistas, contenidas, naturales, creíbles, sin un ápice de histrionismo ni sobreactuación. Perfectas para revindicar a todas aquellas, cientos, miles de almas que contribuyeron, voluntaria o involuntariamente, a controlar el desastre. A las víctimas y a los inconscientes e incompetentes verdugos que los condenaron a todos con sus mentiras egoístas. Celebro especialmente las actuaciones de Jared Harris, Stellan Skarsgard y Emily Watson. Y que de algún modo se pusiera en valor la figura del científico Valeri Legásov y todo su equipo.

Hablar del accidente de Chernobyl era muy necesario, tanto como, por ejemplo, hablar del Holocausto al final de la Segunda Guerra Mundial. Que esta miniserie tan ilustrativa y bien documentada haya tardado 33 años en aparecer en nuestras pantallas para concienciar a nivel global de las verdaderas dimensiones de este trágico suceso dice bastante (y no bueno) del mundo en que vivimos. El Organismo Internacional de la Energía Atómica, con todos los intereses que la sostienen, quizá consideró que no era necesario crear alarmas “innecesarias”.

Resulta irónico que tengamos que manejar energías que apenas podemos controlar sencillamente para convertir agua en vapor y de ese modo generar electricidad haciendo girar una turbina. Y angustioso intuir que, pese a todo lo acaecido en Chernobyl, seguimos igual de poco preparados.

Se podría decir que no hemos aprendido nada. O sí….Que la mentira también es radiactiva.

Lo que ha hecho Denis Villeneuve es una gran hazaña, sólo comparable a lo que Peter Jackson logró en 2001 con la saga de “El Señor de los Anillos”.

Incluso añadiría que el logro de Denis es aún de mayor magnitud porque, más allá de las limitaciones técnicas, tenía entre manos una saga difícilmente adaptable al lenguaje cinematográfico.

Y como toda adaptación es imperfecta aunque extremadamente fiel a libro, especialmente a la letra y un poco menos al espíritu.

Aun así me cuesta sacarle pegas porque soy consciente del inmenso esfuerzo y el riesgo asumido por el director para que esta película pueda existir.

Sabe presentar de forma elegante la información más elemental para que el espectador no familiarizado con el universo de Dune pueda seguir la trama de la novela. Los personajes están bien caracterizados e interpretados en general. Particularmente me han gustado los trabajos de Rebecca Ferguson y Oscar Isaac, y creo que Timothée Chalamet tienen buena madera de actor componiendo un Paul Atreides más que aceptable. De todos modos si destaco a estos actores es básicamente porque tienen una mayor cuota de pantalla, ya que en realidad todo el reparto cumple a la perfección su cometido.

Visual y sonoramente es impecable e impactante. Las imágenes son potentes y evocadoras, estéticamente hermosas a la par de terribles en algún caso, capaces de tender un puente espacio temporal entre la butaca del espectador y la gran pantalla, mientras música de Zimmer magnifica la experiencia atronando la sala hasta el éxtasis.

Pese a tanto virtuosismo este film no está libre de defecto, y este proviene de su condición de adaptación. Aunque admirablemente contemplativa (con el riesgo de taquilla que ello conlleva en una producción de este calibre) no llega a transmitir el misticismo de la novela, ni el conflicto y la angustia que provocan en Paul las revelaciones de sus recién descubiertos poderes prescientes, la sensación de sentirse cada vez más atrapado por un futuro que se antoja trágico. Es posible que de llegar a existir una segunda parte esta cuestión se acabe puliendo. De momento no haré más comentario a fin de no spoilear más de la cuenta.

En cualquier caso más de un espectador habrá intuido que el universo de Dune es vasto y complejo. Seguramente habrá quedado intrigado con sus equilibrios de poder y sus facciones. Avisar que Dune es sólo un grano de arena en el desierto, al igual que “El Señor de los Anillos” lo es frente al universo de la Tierra Media dibujado por “El Silmarillon” (Perdonen el paralelismo)

Para todos ellos decir que Dune es sólo un punto de partida para adentrarse en un universo fascinante y singular, lleno de misticismo e intrigas, filosofía y política. Tan hostil y hermoso como el desierto.

¿Será acaso Denis Villeneuve el Kwisatz Haderach? ¿Llegará a completar su visión? El gom jabbar de la taquilla dirá. Mientras tanto que siga fluyendo la especia.

Irregular pero entretenida. Así es como calificaría la serie de antologías que componen American Horror Story (AHS). Siempre me ha parecido buena idea que cada temporada sea una nueva propuesta. Como el que elige el disfraz de Halloween de cada año.

Ahora va sobre un hotel y… Jessica Lange hace check out para que entre por la puerta principal la mismísima Lady Gaga. Y no precisamente en un papel secundario, no. La diva no podía conformarse con menos que el papel principal. Qué lejos quedan los tiempos de Los Soprano, ¿eh, Gaga?
¿Se nota la impronta de la artista? Naturalmente que sí. Para lo bueno y para lo malo. Empecemos con lo bueno: la estética.

Porque en mi opinión es uno de los dos grandes aciertos de esta temporada. Hay que reconocer que el Hotel Cortez tiene personalidad, es prácticamente un personaje más. El recargado estilo Art Decó complementado con estridencias propias de los 80s hace una combinación matadora. Esa moqueta del hall… Alguien ha estado viendo El Resplandor por aquí. Los estridentes toques de sintetizador son también muy ochenteros y la cabecera tiene ciertamente un punto.

Lo malo, la propia Lady Gaga. No voy a negar que se esfuerza y tampoco es que lo haga tan mal... Pero es que cuando veo su cara pan de rubia oxigenada y cejas huidizas, con ese rollo diva cambiándose modelitos cada escena… No sé, me resulta repelente. Parece que quiera dejar bien claro quien lleva la voz cantante en la producción y que para eso es la celebridad rica que da mecenazgo a la serie.
Sinceramente, por momento me ha recordado a la gran Rosa María Sardá dando vida a su arpía con Honorato al lado.

La auténtica reina, la que como dicen nuestros amigos sudamericanos: “se roba la función”, es Denis O’Hare con su personaje Liz. Está inmenso en su papel de Priscilla reina de los infiernos.
Junto con una Kathy Bates recuperando las esencias de Misery, protagonizan los momentos más simpáticos y con alma de esta temporada.

Mención especial también para el Gómez Addams de Evan Peters. Muy divertido.
Y tampoco me quiero olvidar de Lily Rabe, pero su yonki desquiciada con fobia al abandono me acaba resultando bastante cargante.

Hay quien ha tildado esta temporada de gay. No es gay…es muy gay. Pero vamos, salvo los homófobos, el resto de la Humanidad puede disfrutar este culebrón de fantasmas y pseudovampiros “fashion victim” que no aguantan dos tiros.

P.D. : Malditos Toreador

Convertir un libro en una adaptación fílmica es como poco complicado. Sintetizar en solo dos horas toda la complejidad de una novela y provocar las mismas experiencias derivadas de su lectura es prácticamente una misión abocada al fracaso.

Tan solo una obra literaria excepcionalmente simple podría prestarse a tal cosa sin sufrir daños colaterales. Pero “El juego de Ender” de Orson Scott Card no es tal cosa. No es la obra ligera de sci-fi juvenil ni la versión infantil de la “Chaqueta Metálica” que algunos “iluminados” dicen que es.

Al contrario, es una historia interesante y compleja que bucea constantemente en la psique de los personajes y que supone todo un tratado sobre el liderazgo, la empatía y las relaciones humanas (abordando incluso una hipotética relación inter-especies).

Es por ello que, cuando se anunció su traslación al celuloide, este seguidor de la saga literaria se lo tomara con todo el escepticismo posible pese al entusiasmo generado por la noticia.
Porque lo previsible es que la adaptación, debido principalmente a la falta de metraje, esté plagada de errores, inexactitudes y líneas argumentales insuficientemente desarrolladas (o que directamente no están. Véase trama Locke-Demóstenes). Y en efecto, así ocurre (algunas de ellas un tanto gratuitas, todo hay que decirlo. Véase Bonzo Madrid).

De todas formas creo que su mayor error es lo aceleradamente que se narra el período de adiestramiento. La forma en como Ender va ganándose las lealtades de sus compañeros para componer su legendaria escuadra resulta muy artificial y atropellada. No basta con introducir líneas de diálogo entre los instructores adultos explicando las estrategias de Ender ni esbozar un par de flashbacks para que nos hagamos una idea. Es algo mucho más sutil, y aquí Gavin Hood fracasa estrepitosamente.

Aun así, con todas sus carencias, es justo decir que la película respeta en esencia al libro y tiene detalles de enorme valentía (la narración del juego de fantasía era todo un reto. Estoy convencido de que una amplia mayoría del público que no ha leído el libro aún se está preguntando qué significaba esa parte).

Hablando de valores propiamente fílmicos, destacar principalmente la gran actuación de Asa Butterfield dando vida a Ender (un papel realmente complejo y lleno de matices. Y por cierto, que doblaje más horroroso) y la portentosa recreación visual de la Escuela de Batalla y los enfrentamientos contra los fórmicos.

Como veredicto final concluir que este juego lo gana Ender por los pelos (o mejor dicho, por las antenas).