Roma cuenta un fragmento del pasado del director Alfonso Cuarón, basado en su infancia que transcurre en el barrio homónimo de la Ciudad de México. Es así como se presenta un núcleo familiar a inicios de la década de los 70 comandado por la madre (Marina de Tavira), acompañados por su empleada doméstica y nana de origen mixteco Cleo (Yalitza Aparicio) quien, en paralelo a los problemas de la misma familia, sufre grandes decepciones. Desde el uso del blanco y negro para reafirmar la época engrandecida por el impecable montaje de la ciudad de aquel entonces, hasta el uso de largas secuencias (ese último contacto del personaje de Marina de Tavira con su esposo culminado con el estruendo de la banda de guerra o un grupo paramilitar entrenando artes marciales) y planos secuencias monumentales filmadas en digital y 70 mm (vean la escena del Halconazo o una bellísima -y con personal de la salud reales- escena en el hospital) con créditos en la fotografía del mismo Cuarón. Todo lo que rodea al filme parece perfecto, incluso la falta de una banda sonora no afecta en nada la calidad de los sonidos de la época (estaciones de radio con artistas del momento hasta el eco de los comerciantes es inigualable) ni la idiosincrasia de aquel entonces, que no se aparta mucho del panorama actual. Todo parece estar lleno de significados y pequeños símbolos que merecen un segundo vistazo.
Creía que ya lo había sentido todo en medio de tanta noticia alrededor, no solo de la película, sino del fenómeno mediático creado desde su ausencia en el pasado festival de Cannes (ante su anticuada forma de ver el cine) hasta la limitada proyección en cines nacionales, la explotación de la imagen de Yalitza Aparicio y el aparente clasismo narrativo. Sin embargo, esta ofrece sobrepasa los límites de la percepción y temo que lograra cautivar al espectador en más de una ocasión a pesar de lo ya mencionado.

La película juega con los prejuicios hacia los médicos y, sobre todo, establece un punto de partida sobre la forma en que se realizan estos juicios de valor hacia los demás. En como un acto de ‘ayuda’ de un hombre cualquiera hacia una mujer ebria termina por resquebrajar a la persona mas ‘pura’. De aquí, la directora y guionista Emerald Fennell plasma varios ejemplos en donde involucra sutil o fuertemente ambos sexos (con una clara tendencia hacia la lucha contra la hegemonía masculina) en el camino de la intolerancia, la violencia y el abuso; y es donde se comporta de manera sutil el gran atino de Promising Young Woman así como la encarnación de Carey Mulligan en forma de femme fatale, mientras que en ocasiones la directora pierde la perspectiva a través de clichés en forma de piropos en la calle o en la conformación de una comedia romántica que, afortunadamente, sirve solo como medio para el final que rememora la sensación creada en Three Billboards Outside Ebbing, Missouri (McDonagh, 2017), aquella sensación creada tras una impactante confrontación que solo termina como una muestra de justicia gratuita.
La cámara muestra una extraña simetría y primeros planos que empatan con la personalidad de la protagonista, una mujer sin temores y con agallas tras perder un ser amado, pero tan humana como para iniciar una relación romántica. El contrastante punto intermedio entre las dos nociones lamentablemente se torna irregular.

‘La gota se ha denominado «reina de las enfermedades» y «enfermedad de reyes»’ (Firestein G, 2018). Los altos niveles de ácido úrico en sangre han acompañado al ser humano desde escritos egipcios y griegos. Especial incidencia se observa en el sexo masculino que alcanza la madurez, logrando igualar cifras en mujeres cuando alcanzan la menopausia (Nuki G, 2006). La relación mas cabal ha sido con el consumo de alcohol (sobre todo cerveza y es por eso su estrecha correlación con los lujos de las más altas esferas de poder), mariscos, carnes rojas además de edulcorantes, ejerciendo un factor protector el consumo de lácteos; aunado a una alteración genética en la síntesis y degradación de proteínas, demostrado en su acompañamiento familiar. La particular afectación de la primera articulación metatarsofalángica (dedo pulgar del pie y su inflamación conocida como podagra) se puede acompañar de intenso dolor incapacitante, deformidad, aparición de tofos y lesión renal son parte del espectro de la gota. Personajes como el rey Felipe II de España, el papa Inocencio XI, el controversial rey de Inglaterra Enrique VIII, Pedro de Medici y el ‘Rey Sol’ fueron solo algunos de los que sostuvieron la batalla contra los infortunios de la gota. La reina Ana de la casa de los Estuardo, de igual manera, padecía grandes dolores e infecciones por la misma causa que le busco la muerte. Retratada perfectamente en ‘The Favourite’.

Hemos visto al director griego Yorgos Lanthimos moldear a su antojo guiones propios tan versátiles como triviales y profundos (la maravillosa The Lobster de 2015 o The killing of a sacred deer de 2017). En un respiro para su escritura y para su mente, llega a sus manos un guion original (por Deborah Davis y Tony McNamara) que narra una historia (sutilmente apócrifa) a inicios del siglo XVIII, en medio de una guerra franco-inglesa (y en medio de un estado fatídico de salud), la reina Ana (Olivia Colman) llega al trono anglosajón con su mano derecha, la implacable Lady Sarah (Rachel Weisz). Alrededor de múltiples tensiones internacionales e interpersonales, llega la prima de Lady Sarah, Abigail (Emma Stone) en una búsqueda de empleo y, principalmente, reinserción burocrática. Es así como comienza un juego de manipulación.

¿Por dónde empezar ante tantos aciertos? El guion guarda un equilibrio perfecto en vastedad, dramatismo y ácido humor que en nuestra memoria perdurarán diálogos gloriosos como los que encabezan cada una de las ocho secciones (además, como olvidar el encuentro nocturno de Abigail en su habitación o las tenues pero duras críticas de Lady Sarah al maquillaje de la reina). El trabajo de las actrices conforma el triangulo equilátero que sostiene la película por completo: lo formidable y temible de Rachel Weisz (imponente en ese traje oscuro mientras sostiene un rifle o tan histriónica en un baile en pareja), la gracia y frialdad de Emma Stone (en cada aparición con su posterior cónyuge) y la demencia e indulgencia de Olivia Colman (no hay mas que decir que ver la película completa), convergerán para deslumbrar en su propio protagonismo (incluso Nicholas Hoult impresiona en un papel donde el maquillaje obsoleto es necesario para tratar de relucir ante tales participaciones magistrales). El montaje y el vestuario (Sandy Powell en su binominación) reflejan de manera perfecta la época de guerra fuera del castillo y de ultraje en su interior; con la fotografía (Robbie Ryan) que asemeja grandes pinturas y retratos del barroco con un toque reminiscente de claroscuros caravaggiescos en medio de la penumbra que solo es penetrada por velas y grandes ventanales; además de grandes tomas angulares, secuencias y tomas abiertas que nos hacen sentir parte y a la vez espectadores de un evento que se presentó hace más de 300 años.

El poder de la manipulación a través del amor es inherente. La amistad y la familia, la necesidad de afecto y consuelo tras un ataque de gota, incluso la guerra y la desolación del pueblo hará que con la menor buena intención y halago el poder y la razón se desequilibre hacia el mejor postor, como en nuestros días. La verdadera guerra no se halla entre naciones, se escinde en las profundidades de un hogar y una perfecta trinidad. Así, una carrera de langostas o la analogía de hijos no nacidos en forma de conejos comienzan a ser sensatos hacia la sorpresiva lucidez final de la reina Ana. Tan trivial como la esencia y crueldad humana en la subversiva y eterna declaración de Lanthimos.

El mas reciente largometraje de la directora francesa Céline Sciamma ‘Portrait of a lady on fire’ (2019) (‘Portrait de la jeune fille en feu’) ocurre en una pequeña isla británica en el siglo XVIII. Marianne (Noémie Merlant), pintora de profesión, recibe el encargo de retratar a Héloïse (Adéle Haenel) con el fin de enviar dicho retrato a su desconocido prometido, tras un desafortunado suceso familiar. En la semana de la encomienda, Marianne debe descifrar y memorizar los pasos y gestos de Heloise sin ser descubierta que pintara su retrato, ya que un primer pintor no logro que posara para el como símbolo de su renuencia hacia su futuro marital; sin embargo, esta fugaz cercanía solo descifrará los sentimientos que comparten cada una.

A pesar de múltiples nominaciones y galardones (mejor guión en Cannes 2019), el verdadero caos de esta película fue su salto a la cartelera comercial frenado por una inhóspita pandemia con lo cual su fulgor ha pasado casi desapercibido. Una lástima. Con cierto grado de convencionalidad uno reconoce varios parámetros de la trama, sin embargo, existe una mirada sublime alrededor de esta historia de amor que logra convencer al espectador de cierta particularidad. Tal como lo demuestra la sucesión entre el segundo y el tercer movimiento del ‘Invierno’ del Vivaldi, la historia se cuenta entre momentos en relación con lo anterior, tal como la unión entre la tranquilidad del verde y la vivacidad del rojo de la vestimenta de la pareja. Son estos contados espacios musicales (uno al compás de un desafinado clavecín, otro en una fogata y, por último, con una orquesta) las partes que encumbran la intimidad entre miradas y unos cuantos diálogos que no necesitan mas armonía que las fervientes olas del mar. El desarrollo de la complicidad en espacios sugerentes es el hilo fundamental del largometraje a través de la fotografía que retrata en tomas largas las múltiples miradas de las protagonistas. Al final, uno recuerdo algunas convenciones (como se menciono al principio del párrafo) como lo es un largo close up final con una poderosa carga emotiva que también ocurre en ‘Call me by your name’ (2018) o ‘La pasión de Juana de Arco’ (1928) lo que podría resultar gastado, pero que al final compone una pieza fundamental del cine pandémico actual.

A manera de antología (que en realidad era pensada para una mini serie que Netflix tuvo la astucia de homogenizar para la temporada de premios), el western vuelve a la vida de la mano de Ethan y Joel Coen. Filmada en formato digital, seis pequeñas historias heterogéneas ambientadas en el viejo oeste, con una extrema carga de humor negro ya conocido, explorarán la comedia y la perpetuidad, el robo, la dignidad, la decadencia y la misericordia, la vejez y la soledad, las relaciones humanas, el suspenso y, sobre todo, la muerte.

Basado en relatos de Jack London y Stewart Edward White, con gran parte del guion de la cosecha de los virtuosos hermanos Coen tras 25 años de desarrollo (evidente en la sátira, humor negro y diseño de personajes), cada historia y personaje logra cautivar en menos de 30 minutos al espectador (con notables actuaciones de Tim Blake Nelson, James Franco, Liam Neeson y Harry Melling, Tom Waits, Zoe Kazan, Brendan Gleeson, entre muchos otros).

Particularmente, no dejen de ver Meal Ticket que pretende exaltar el ímpetu humano (a través de Ozymandias, Shakespeare o, incluso la Biblia) con una eterna mirada de indulgencia e indignación; o la frustración y el éxito en All Gold Canyon con grandes tomas a la naturaleza que resaltan la justicia, la virtud y la vivacidad. Cada uno de los relatos es impresionante y no dejen de escuchar 'when a cowboy trades his spurs for wings' y un reconocimiento para Mary Zophres, diseñadora del vestuario (La La Land, 2016). Para el público en general desafortunadamente casi pasa desapercibida. Afortunadamente, el festival de Venecia y la crítica rescata esta semblanza y apología de la carrera de los hermanos, que se encuentra en Netflix, como su gran monumento 'No country for old men' (entre otros). Dos imperdibles al alcance de un botón.